lunes, 23 de diciembre de 2013

Jean Dubuffet, Ilhan Mimaroglu: "Musiques pour Coucou Bazar"

Jean Dubuffet, Ilhan Mimaroglu
Musiques pour Coucou Bazar
(SR350)

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En la trayectoria de quien fue el máximo exponente del Art Brut, el pintor y escultor Jean Dubuffet (1901-1985), la práctica musical constituyó un medio más al servicio de un ideario basado, permanentemente, en la transgresión y el antidogmatismo. En estos términos se expresaba el artista ante su amigo, el compositor turco Ilhan Mimaroglu, durante una entrevista que mantuvieron en 1966: En mi música quise situarme en la condición de un hombre de hace cincuenta mil años, un hombre que lo ignora todo acerca de la música occidental y que inventa una música para él mismo, sin ninguna referencia, sin ninguna disciplina, sin nada que le impida expresarse libremente y para su propio placer.

Toda la música que Dubuffet produjo se circunscribió a dos momentos concretos: 1961, año a lo largo del cual compuso y grabó sus veinte "Expériences musicales", y entre 1973 y 1974, periodo en el que retomó la actividad con voluntad de generar una buena parte del material musical que debería acompañar a la que fue la última tanda de representaciones de su importante obra "Coucou Bazar". Perteneciente al ciclo creativo "L'Hourloupe", "Coucou Bazar" fue concebida como un espectáculo de pintura animada. Sobre grandes paneles recortables, a los que bautizó con el nombre de Practicables, Dubuffet dibujó extravagantes figuras tricolores que, una vez en escena, ponían en movimiento una serie de actores así como motores manejados por control remoto.

En primera instancia, Dubuffet confió la realización de la música al citado compositor Ilhan Mimaroglu que residía en Nueva York trabajando como profesor de música en la Universidad de Columbia. Allí, en el Columbia-Princeton Electronic Music Center, Mimaroglu completó en 1973 las diez piezas que integraban su "Electronic Music for Jean Dubuffet's Coucou Bazar". Una composición utilizada tanto en el estreno mundial de "Coucou Bazar", que tuvo lugar en el Museo Guggenheim neoyorquino el 16 de mayo de ese mismo año, como en el ciclo de representaciones llevadas a cabo durante todo el mes de noviembre, también de 1973, en el Grand Palais de París.

Sin embargo, Dubuffet imaginó también su espectáculo de pintura animada sonando con su propia música. Así pues, la que resultó ser la tercera y última realización de "Coucou Bazar", producida y finalmente presentada en la ciudad de Turín en 1978 gracias al patrocinio de la compañía automovilística FIAT, incluyó una banda sonora compuesta, ahora sí, con diversos experimentos musicales originales del artista francés. Experimentos efectuados en 1961, 1973 y 1974 que la coreógrafa Anna Sagna se encargó de montar, para la ocasión, en un espléndido collage. Una música inclasificable, exenta de escritura, que Dubuffet ejecutaba con su voz o con múltiples instrumentos tradicionales y exóticos fijándola directamente en cinta. En ocasiones alborotada e insistente, su música asimismo evitaba cualquier muestra de desarrollo en un intento por priorizar la mera producción de efectos sorprendentes.

Presentado en una cuidada edición en doble CD y libreto de cuarenta páginas, "Musiques pour Coucou Bazar" (Fundación Dubuffet / Sub Rosa, 2013) contiene ambas bandas sonoras, la de Mimaroglu y la de Dubuffet, así como un poema sonoro inédito, 'Bal de leurres' que este último grabó en enero de 1973.

"Musiques pour Coucou Bazar"

CD 1: (Electronic Music for Jean Dubuffet's Coucou Bazar, Ilhan Mimaroglu) 1. 'Fragmentation'; 2. 'Motors'; 3. 'Hide & Seek'; 4. 'The Rose'; 5. 'Swift Feet'; 6. 'Reflections'; 7. 'Canine'; 8. 'Traffic'; 9. 'The Window'; 10. 'Double Mask & Deployment'; 11. (Jean Dubuffet) 'Bal des leurres'.

CD 2: (Coucou Bazar, Jean Dubuffet) 1. 'Coucou Bazar'.


Formato: 2CD; Duración total: 115:58

lunes, 16 de diciembre de 2013

Jacqueline Caux: "Almost nothing with Luc Ferrari"

Jacqueline Caux
Almost nothing with Luc Ferrari
(ISBN: 978-0-9827439-1-1)

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Bajo la denominación de "Critical Ear", la pequeña firma editorial Errant Bodies Press viene publicando desde 2004 una colección de monografías a propósito de artistas contemporáneos cuyo trabajo se desarrolla fundamentalmente en los ámbitos del arte sonoro y la música experimental. El quinto volumen de la serie, aparecido en 2012, corresponde a la traducción al inglés de la obra "Presque rien avec Luc Ferrari" (Editions Main d’oeuvre, 2002) de la autora y realizadora cinematográfica Jacqueline Caux.

Traducido por Jérôme Hansen, "Almost nothing with Luc Ferrari" es básicamente un libro de entrevistas al compositor francés (1929-2005). Tras una introducción, seguida de una nota biográfica de Ferrari, Caux conversa con este acerca de las distintas manifestaciones creativas que fue cultivando a lo largo de su trayectoria musical. En el primer capítulo, en el que se aborda la cuestión de forma general, lo hace acompañada de los musicólogos François Delalande y Evelyne Gayou, y del compositor y director del Groupe de Recherches Musicales (GRM) Daniel Teruggi. En el segundo, Caux le pregunta sobre sus composiciones instrumentales; el tercero trata del teatro musical; el cuarto, de sus creaciones radiofónicas; el quinto, de sus trabajos instalativos; y, por último, el sexto versa acerca de algunas de las principales ideas composicionales que fueron guiando su actividad. Además, escritos por el propio compositor e intercalados entre los seis capítulos, se incluyen catorce autobiografías imaginarias así como consideraciones en torno a algunas de sus piezas más destacadas. El libro concluye con una lista cronológica y completa de las obras que produjo en su carrera.

Presentado en una elegante encuadernación de tapa dura, "Almost nothing with Luc Ferrari" contiene 176 páginas, siete de las cuales cuentan con fotografías.


lunes, 2 de diciembre de 2013

Chris Cutler: "There and Back Again. Volume 2: On Memory"

Chris Cutler
There and Back Again. Volume 2: On Memory
(ReR CC3)

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Percusionista, compositor y letrista, Chris Cutler (1947- ) cuenta con una dilatada trayectoria en los ámbitos de la improvisación y la música experimental. Junto a Dave Stewart fundó The Ottawa Music Company, una singular orquesta formada exclusivamente por veintidós compositores de rock; fue batería y miembro destacado del legendario grupo experimental Henry Cow; también cofundaría otras formaciones como Art Bears, News from Babel, Cassiber, The (ec) Nudes, P53 y The Science Group; asimismo, fue integrante de las bandas americanas Pere Ubu, Hail y The Wooden Birds y, esporádicamente, trabaja con Jon Rose, Fred Frith, Peter Blegvad, David Thomas, Zenna Parkins, Iancu Dumitrescu y Ana Maria Avram, entre otros. Su lista de colaboraciones musicales es interminable y ha participado en más de cien grabaciones publicadas. Además, se le conoce por haber fundado Recommended Records (actualmente ReR Megacorp) y por ser autor de numerosos artículos musicales y de la colección de ensayos "File Under Popular".

"There and Back Again. Volume 2: On Memory" es la segunda creación radiofónica (Deutschlandradio Kultur, 2006) surgida de un programa, a su vez radiofónico, 'Out of the Blue Radio', que Cutler produjo, entre julio de 2002 y julio de 2003, en la emisora londinense Resonance FM.

Como en el caso de su antecesora, "Twice around the Earth" (Kunstradio, 2003), "There and Back Again" también se nutrió de los registros que numerosos músicos y artistas repartidos por el mundo enviaron a nuestro protagonista para que éste los emitiera, sin modificación alguna, en el citado programa 'Out of the Blue Radio'. Cada una de las grabaciones debía contener media hora ininterrumpida de un ambiente sonoro captado en cualquier lugar de la tierra precisamente entre las 23:30 y las 00:00 horas. Cutler eligió al azar cuarenta y cuatro de esas grabaciones y las agrupó arbitrariamente según su contenido sonoro -palabra, música, clima, medio de transporte, etc...- y su posible correspondencia con alguno de los cuatro elementos clásicos -tierra, aire, fuego, agua-. Luego, sin escucharlos, únicamente atendiendo a las formas de onda de los sonidos en la pantalla de un ordenador, seleccionó breves fragmentos de cada una de las grabaciones. Con ellos compuso una maravillosa procesión de eventos sonoros que tiene su principio y final en la ciudad estadounidense de San Diego. Un recorrido pues de ida y vuelta con el que Cutler aprovecha además para reflexionar a propósito de una escucha estética y acerca de la propia percepción del paso del tiempo.

Los participantes en 'Out of the Blue Radio' cuyos sonidos fueron incluidos en "There and Back Again" fueron: Marcelo Radulovich, Stevan Tickmayer, Will Menter, Martyn Singleton, Chris Cutler, Michael Maksymenko, Haco y Christopher, Jon Rose, Tony Durant, Bill Harkelroad, Phillip Mar, Nicholas Collins, Warren Burt, Tom Dimuzio, Daniel van Beers, Annie Gosfield, Steve Maclean, Maggi Payne, Floris van Manen, Junya Onoda, Bret Hart, Andreas Hagelüken, E. M. Thomas, Carmen Borgia, Jim Pugliese, Raynald Glandien, Andrea Rocca, Gino Robair, David Lee Myers, Andreas Hagelüken, Jim Denley, Chris Delaurenti, Brian Labcyz, Adam Overton, John Oswald, Amy Denio, Nicholas Frances Chase, Gary Butler, Ana Maria Avram y Iancu Dumitrscu, Otomo Yoshihide y Warric Swinney.

"There and Back Again. Volume 2: On Memory" CD: 1. 'Blue radio introduction'; 2. - 45. 'There and Back Again'. El libreto que acompaña al CD (ReR Megacorp, 2006) contiene fotografías, una descripción detallada del proyecto y la enumeración de todos y cada uno de los fragmentos sonoros que integran la obra.


Formato: CD; Duración total: 50:40

Otro título de interés"Twice around the Earth" (CD)

lunes, 25 de noviembre de 2013

David Berezan: "Allusions sonores"

David Berezan
Allusions sonores
(IMED13122)

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A semejanza del sistema de difusión sonora BEAST (Birmingham ElectroAcoustic Sound Theatre), diseñado específicamente para la presentación de trabajos de música electroacústica e impulsado por Jonty Harrison a principios de los ochenta del pasado siglo, el compositor David Berezan (Edmonton, Alberta, 1967), por su parte, fundó MANTIS (Manchester Theatre in Sound) en 2003. Con sede en la Universidad de Manchester, donde Berezan trabaja como docente y director de los estudios de música electroacústica, MANTIS es, además de un dispositivo tecnológico, un festival bianual de música en el cual se difunden trabajos concebidos en formato espacial. Trabajos como los incluidos en "Allusions sonores", CD publicado hace apenas unas semanas en empreintes DIGITALes y que reúne cinco de las composiciones más recientes del autor canadiense.

En Berezan, como en tantos otros compositores de música acusmática, el simple acto de reparar aunque sea por unos instantes en las cualidades de un sonido escuchado casualmente, puede suscitar la realización de una nueva obra. Sus exploraciones representan aquí alusiones a la complejidad sónica de objetos o entornos contemplados, principalmente, con ocasión de algunos de sus viajes. Así pues, unas boyas marítimas, la sonoridad de una calimba, el árido paisaje de las badlands canadienses, sonidos encontrados en la localidad balinesa de Ubud y el suelo crujiente del castillo japonés Nijo, constituyeron estímulos suficientes para que el compositor comenzara a indagar, nuevamente, en aquellos dominios de lo inédito.

El proceso seguido en cada uno de los casos pasó primero por escuchar y reescuchar detenidamente los registros sonoros obtenidos con el propósito de detectar aquellas peculiaridades que pudieran dar origen a las ideas formativas de la composición; a continuación, elaborar el tejido musical mediante la aplicación de diversas técnicas de tratamiento sonoro; seguidamente, organizar la sucesión de eventos resultantes conforme a la propia apreciación estética y estilo del compositor; y, por último, considerar la espacialización multifocal de las obras para su posterior proyección en concierto. A este último respecto, conviene señalar que de estas cinco composiciones producidas por Berezan entre 2008 y 2011, tres fueron originalmente fijadas en soporte de ocho pistas y las otras dos concebidas en formato 5.1. En CD, sin embargo, tan solo accedemos a una mera reducción estereofónica de las mismas. Aun así, su audición resulta muy satisfactoria y no parece quedar menoscabada la esencia de una música exuberante, dominada por la volatilidad y colisión de los sonidos.

"Allusions sonores" CD: 1. 'Buoy' (2011); 2. 'Thumbs' (2011); 3. 'Badlands' (2008); 4. 'Galungan' (2010); 5. 'Nijo' (2009).


Formato: CD; Duración total: 55:55

lunes, 18 de noviembre de 2013

The League of Automatic Music Composers: "The League of Automatic Music Composers 1978-1983"

The League of Automatic Music Composers
The League of Automatic Music Composers 1978-1983
(NW80671-2)

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Aparecido en New World Records en noviembre de 2007, este registro contiene una selección de la abundante producción musical llevada a cabo por el colectivo estadounidense The League of Automatic Music Composers a lo largo de sus cinco años de existencia, entre 1978 y 1983. Colectivo de creadores experimentales que fue pionero en la interpretación musical en vivo con microordenadores y otros circuitos electrónicos interconectados. Fundada en la ciudad de San Francisco por Jim Horton (1944-1998), John Bischoff (1949- ) y Rich Gold (1950-2003), también fueron miembros de la banda los músicos y compositores David Behrman (1937- ), Tim Perkis (1951- ) y Paul DeMarinis (1949- ).

A pesar de las innumerables limitaciones que ofrecían las herramientas electrónicas utilizadas en esos días, lo cierto es que el visionario planteamiento creativo desplegado por The League of Automatic Music Composers acabaría ejerciendo una influencia decisiva en el desarrollo de ulteriores formaciones musicales similares como The Hub o Fuzzybunny. Concebíamos la red de ordenadores como un gran instrumento musical interactivo formado por máquinas de música automática, programadas de forma independiente y que producían una música que era ruidosa, difícil, a menudo imprevisible y, en ocasiones, bella. (John Bischoff y Tim Perkis).

"The League of Automatic Music Composers 1978-1983" CD: 1. 'Dense Drone' (1980); 2. 'Martian Folk Music' (1980); 3. 'Finnish Hall' (1979); 4. 'Oakland One' (1980); 5. 'Radio Air Check 1981'; 6. 'Oakland Three' (1981); 7. 'Oakland Four' (1981); 8. 'Blind Lemon' (1978); 9. 'Pedal with Twitter' (1980)'; 10. 'Oakland Two' (1980). La edición también incluye un libreto con diversas fotografías del grupo y escritos a cargo de John Bischoff, Tim Perkis y Jon Leidecker.


Formato: CD; Duración total: 54:39

martes, 5 de noviembre de 2013

Varios Artistas: "Aram Slobodian - Homenaje"

Varios Artistas
Aram Slobodian - Homenaje
(ASH-AMEE)

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Aram Slobodian (1919-1964), autor de origen armenio cuya poética se basó en la idea de desaparición, no es aún demasiado conocido como compositor, debido principalmente al carácter difuso de su producción. Sin embargo, los recientes descubrimientos realizados por el equipo de musicólogos e investigadores de diversas disciplinas coordinado por Rubén Gutiérrez del Castillo, Ferrer-Molina y José Luis Espejo (quienes han recogido el testigo del pionero investigador portugués José Carlos Fernandes) han confirmado el carácter pionero de su trabajo en el terreno de la música electroacústica, así como la presencia del autor en la ciudad de Cuenca durante 1963, pocos meses antes de su fallecimiento.

La Asociación de Música Electroacústica de España (AMEE), consciente de su responsabilidad en la difusión de nuestro patrimonio electroacústico, así como en la producción de nuevos trabajos que acrecienten dicho patrimonio, presenta ahora este disco, que reúne algunas de las composiciones de Slobodian recuperadas por el mencionado equipo de investigación, junto a un brillante conjunto de nuevas composiciones de socios y simpatizantes de la AMEE inspiradas en la obra y la poética del autor armenio.

Gracias a las investigaciones de Rubén Gutiérrez del Castillo y su equipo, ahora sabemos que el paso de Aram Slobodian por Cuenca no fue en absoluto azaroso ni turístico. En su viaje a España, Slobodian pudo revisar al menos tres de sus composiciones: 'La Femme à Barbe', 'The Sound of Speed', y su última composición 'Yukani Ventango / Big Bang'. Las reconstrucciones de estas tres obras realizadas por el ya citado equipo de investigadores a partir de las grabaciones preservadas en el Gabinete de Música Electroacústica de Cuenca se editan por vez primera en este disco. (Miguel Álvarez-Fernández, comisario del proyecto).

"Aram Slobodian - Homenaje" CD: 1. Aram Slobodian 'La femme à barbe'; 2. Rocío Silleras 'Slöcier' (extracto); 3. Pedro Linde 'Pequeñas Industrias'; 4. Sergio Fidemraizer 'Allá vamos'; 5. José María Pastor 'Nabodols'; 6. Ferrer-Molina 'Ventango'; 7. Carlos D. Perales '5 Slobodian Modes'; 8. Francisco José Martín Jaime 'Eingeweidesonate Op. 63'; 9. Susana López 'La femme à barbe II'; 10. Josué Moreno 'Uniendo los canales beberéis otras aguas'; 11. David Vendrell 'Evocación Evanescente'; 12. Rocío Silleras 'Slöcier'; 13. Reyes Oteo 'Mademoiselle Contorsioniste'; 14. Roberto Pineda Tenor 'Flores del Edén'; 15. Cap Polonio (Mercè Capdevila y Eduardo Polonio) 'Dos carpetas con cuatro archivos en cada una'; 16. Aram Slobodian 'The Sound of Speed' (versión 1); 17. Sergio Sánchez 'Clarinete accelerator'; 18. Susana López 'La femme à barbe I'; 19. Hegel Pedroza 'The Sound of Speed.Remix o Slobodian 299.792.458'; 20. Juan José Raposo 'Mosaico'; 21. Pedro Guajardo 'Aracnian I'; 22. Pedro Guajardo 'Aracnian II'; 23. Sergio Fidemraizer 'Viaje de Slobodian'; 24. José Andrés Prieto 'Ars Sonora Slobodian'; 25. Pere Vicalet 'Estudio holofónic de la masa'; 26. Pere Vicalet 'Tríptico Desinspeedresión'; 27. Josep Lluís Galiana 'Evidencias slobodianas I'; 28. Josep Lluís Galiana 'Evidencias slobodianas II'; 29. Gregorio Jiménez 'Verjin dzaynagrut'yuny (La última grabación)'; 30. Vicent Gómez Pons 'd'el Tal, qual'; 31. Miguel Molina Alarcón 'De WAV a...mp3.ogg.vox.wma.flac.ivc.aa3.aac...a WAV (Cariño, te escucho comprimido)'; 32. Alejandra Hernández Villareal 'V'''; 33. Ferrer-Molina 'The middle way'; 34. Aram Slobodian 'The Sound of Speed' (versión 2); 35. Aram Slobodian 'Yukani Ventango / Big Bang'.


Formato: CD; Duración total: 66:30

lunes, 28 de octubre de 2013

Alvin Lucier: "Orchestra Works"

Alvin Lucier
Orchestra Works
(NW80755-2)

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La contemplación del comportamiento físico del sonido y una vocación artística decididamente experimental informan, en gran medida, la abundante obra musical de Alvin Lucier (Estados Unidos, 1931). A lo largo de sus seis décadas de actividad compositiva, ha sido pionero en el uso de ondas cerebrales en la interpretación en vivo, en la generación de imágenes visuales a partir de las vibraciones de los sonidos, en la notación de la gestualidad de los ejecutantes y, también, en el empleo de las resonancias de diferentes espacios acústicos con fines musicales. Entre sus trabajos más recientes, destacan instalaciones sonoras y múltiples composiciones para instrumentos solistas, conjuntos de cámara y orquesta, en las que a menudo combina de, forma simultánea, tonos puros y afinaciones justas con el propósito de que los sonidos resultantes se muevan dando vueltas en el espacio.

En 1995, la editorial alemana MusikTexte publicó "Reflections/Reflexionen", una edición bilingüe que reúne algunas de las partituras, entrevistas y escritos más destacados del compositor. "Music 109: Notes on Experimental Music" es, por otra parte, su libro más reciente (Wesleyan Press, 2012).

Aunque todavía más reciente es la novedad discográfica del autor que presenta el sello New World Records. Aparecida este mes de octubre, la grabación "Orchestra Works" contiene tres de sus composiciones para orquesta. Obras con las que, una vez más, Lucier luce una inventiva y originalidad deliciosas.

Escrita en 1999, 'Diamonds for 1, 2, or 3 Orchestras' abre aquí el disco con una realización grabada en 2001 en la que intervienen tres conjuntos instrumentales surgidos de una misma orquesta, la Janácek Philharmonic Orchestra, y los directores Christian Arming, Petr Kotik y Zsolt Nagy. Lucier describe lo que en ella ocurre con la simple frase: dibujando formas de diamante en el aire. Los tres conjuntos tocarán al mismo tiempo y cada uno de ellos se encargará de trazar una de estas figuras. Lo harán mediante la ejecución de una sucesión continuada de sonidos deslizantes en los instrumentos de cuerda a los que se agregarán, intermitentemente, notas largamente mantenidas de la sección de viento, así como el eventual tintineo, también repetitivo, de unas campanillas. En avance lento y ligeramente asincrónico las tres representaciones asomarán, dejando a su paso evocadores batimientos audibles ocasionados por la reiterada interferencia entre esos sonidos sostenidos y los otros deslizantes.

En 'Slices' (2007), para violonchelo solo (Charles Curtis) y una orquesta formada por instrumentistas de cuerda y viento (miembros de la San Diego Symphony Orchestra), un cluster cromático de cincuenta y tres notas emergerá feroz y mantenido ante el violonchelista. Este, conocedor de que cada una de las cincuenta y tres notas ha sido asignada a un instrumentista en función de su tesitura, responderá iniciando de inmediato la interpretación de una secuencia melódica surgida de esa masa sonora. Con cada nota que Curtis ejecute, el músico orquestal al que ese sonido corresponda silenciará su instrumento. De esta manera, una vez recorridas las cincuenta y tres notas del cluster original, este quedará completamente apagado. Tras un instante de silencio, el solista reanudará su melodía aunque siguiendo aquí una ordenación distinta a la empleada en la primera ocasión. El proceso recomenzará ahora en sentido inverso: con cada nota ejecutada en el violonchelo, el músico de la orquesta al que ese sonido corresponda lo tocará de nuevo con ánimo de ir sumando, y así hasta que se complete el entramado inicial de cincuenta y tres notas. Lucier dispone que esta actuación de alternancia entre el apagado y la reaparición graduales del cluster se repita siete veces en total.

Por último, con 'Exploration of the House' (2005) el autor nos remite a algunas de sus anteriores creaciones musicales, especialmente la célebre 'I am sitting in a room' (1970), en las que exploró la actividad resonante de diversos espacios acústicos. Lucier tomará como punto de partida la música de otra renombrada obra como es, en este caso, 'La Consagración de la Casa' de Beethoven. De la partitura escogerá diecisiete breves fragmentos e invitará al director de la orquesta que debe interpretar su composición a que elija de ellos también una selección. Una vez obtenida esta, se ejecutará el primer fragmento en el espacio en cuestión (el auditorio de la Casa de Cultura de la ciudad de Ostrava, República Checa) y se registrará; la grabación resultante será allí reproducida y, asimismo, se volverá a grabar; esta se reproducirá de nuevo y, nuevamente se registrará; así seguirá la sucesión hasta que se alcance un punto de saturación tal que las frecuencias de resonancia de la sala en la que todo ello tiene lugar modifiquen sustancialmente los sonidos orquestales originales. El proceso descrito se repetirá con los restantes seis fragmentos de la selección efectuada por el director. Esta realización de 'Exploration of the House' corrió a cargo de la Filarmónica Janácek, dirigida por Petr Kotik, y fue presentada en concierto el 23 de agosto de 2005 en el mencionado auditorio.

"Orchestra Works" CD: 1. 'Diamonds for 1, 2, or 3 Orchestras' (1999, para tres orquestas; Janácek Philharmonic Orchestra; Christian Arming, Petr Kotik y Zsolt Nagy, directores); 2. 'Slices' (2007, para violonchelo y orquesta; Charles Curtis - violonchelo solo, Demarre McGill - flauta, Andrea Overtuf - oboe, Anthony Burr - clarinete, Valentin Martchev - fagot, Benjamin Jaber - trompa, John Wilds - trompeta, Kyle Covington - trombón, Jonathan Piper - tuba, Jeff Thayer - violín, Jisun Yang - violín, Che-Yen Chen - viola, Yao Zhao - violonchelo y Jeremy Kurtz-Harris - bajo; 3. 'Exploration of the House' (2005; Janácek Philharmonic Orchestra; Petr Kotik, director). El libreto del CD incluye un texto escrito por el propio Charles Curtis y notas biográficas de Lucier, Curtis, los tres directores de orquesta y la Janácek Philharmonic Orchestra.


Formato: CD; Duración total: 76:04

lunes, 14 de octubre de 2013

Pierre-Yves Macé: "Miniatures - Song recycle"

Pierre-Yves Macé
Miniatures - Song recycle
(Brocoli 011)

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En la obra del compositor Pierre-Yves Macé (Francia, 1980) confluyen la escritura musical contemporánea, la creación electrónica y el arte sonoro, además de una cierta estética del rock. A pesar de su juventud, el autor cuenta ya con un amplio catálogo de composiciones y seis discos publicados. A él se deben, asimismo, múltiples músicas de escena, varias instalaciones y el libro "Musique et document sonore" (Les presses du réel, 2012), una investigación acerca de los usos del documento sonoro en la música desde los inicios de la fonografía. Ha gozado de residencias artísticas en los centros CalArts (Los Ángeles), CNMAT (Berkeley) y GRM (París), y ha colaborado, entre otros, con los músicos Morton Subotnick, ON (Sylvain Chauveau, Steven Hess), That Summer o Rainier Lericolais. En la actualidad, vive y trabaja en París.

"Miniatures - Song recycle" es su segundo registro aparecido en Brocoli, sello que además coproduce el álbum junto a La Muse en Circuit (Centre national de création musicale). Se trata de una interesante grabación en la que se conjugan dos de sus trabajos más recientes: por un lado, 'Miniatures' (2010-12), un conjunto de brevísimas realizaciones acusmáticas elaboradas con músicas y sonidos ambientales captados por el compositor en las localidades francesas de Pantin, París, Rennes, Saint-Malo y Chindrieux, así como en las ciudades de Nueva York y Seoul; y, por el otro, la obra para piano y cinta 'Song recycle', compuesta también entre 2010 y 2012. En esta, Macé se apropió de los sonidos de diversos vídeos procedentes de internet, particularmente del sitio web YouTube, con el propósito de adaptarlos a un original ciclo de pequeñas piezas vocales que él mismo acompañará al piano. Los vídeos, subidos por distintos usuarios, contenían interpretaciones amateurs y a capela de canciones y fragmentos de canciones fundamentalmente populares.

El encuentro propiamente entre ambos trabajos se obtendrá de la disposición de las veintisiete secciones que integran el disco. A lo largo de los cuarenta minutos de duración de este, van alternándose esas canciones y miniaturas en lo que resulta un balanceo musical de lo más sugestivo. Así pues, bajo la batuta organizadora del compositor, quien además exhibe un excelente tratamiento de los materiales sonoros, convivirán mesuradamente atmósferas y pasajes de agitación con otros de romanticismo y melancolía.

"Miniatures - Song recycle" CD: 1. - 27. 'Miniatures - Song recycle'.


Formato: CD; Duración total: 40:23

martes, 1 de octubre de 2013

Joseph Byrd: "NYC 1960-1963"

Joseph Byrd
NYC 1960-1963
(NW80738-2)

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Como compositor siempre fui ecléctico. De hecho, eso fue un impedimento a la hora de encontrar mi propia voz en la vanguardia, ya que cambiaba de estilo en casi cada pieza. (Joseph Byrd en una declaración contenida en el libreto del CD "The United States of America", Sundazed SC-11124, 2003).

Basta con echar una ojeada a la trayectoria del veterano compositor estadounidense para constatar, asimismo, la variedad de actividades e iniciativas en las que se ha implicado. Entre ellas: formar parte, en la década de los sesenta, de las escenas de experimentación artística de Nueva York y Los Ángeles; fundar los grupos de rock psicodélico The United States of America y Joe Byrd and the Field Hippies; arreglar y producir la música de diversas grabaciones para el sello Capitol Records; escribir también música para cine, radio, televisión y agencias de publicidad, y para artistas como Linda Ronstadt, Phil Ochs, Miles Anderson o Ry Cooder; diseñar el sonido de juguetes producidos por la compañía Mattel Inc., así como algunos componentes para los fabricantes de sintetizadores analógicos Tom Oberheim y Donald Buchla.

Además de formarse en las Universidades de Arizona y Stanford, Byrd tuvo ocasión de estudiar también con los compositores John Cage y Morton Feldman, y de ejercer brevemente como secretario del también compositor y crítico musical Virgil Thomson. En la Universidad de California Los Ángeles (UCLA) formó, junto al trompetista Don Ellis, el New Music Workshop con el que presentaron numerosas performances y conciertos de música experimental. Y en 1966 organizó el primer festival de artes experimentales de la Costa Oeste.

Por primera vez han quedado reunidas en un álbum, "NYC 1960-1963" (New World Records, 2013), una buena parte de las composiciones tempranas de Byrd. Obras de juventud realizadas durante sus tres años de residencia en Nueva York, desde 1960 a 1963, y que son fruto tanto de las enseñanzas recibidas de Cage y Feldman como de la influencia que tuvieron en él las ideas artísticas de algunos colegas y colaboradores suyos integrantes del movimiento Fluxus. A este último respecto conviene señalar que en esa época Byrd mantuvo una buena amistad con los músicos La Monte Young y Charlotte Moorman y que incluso la célebre artista Yoko Ono cedería su loft neoyorquino para que aquel pudiera presentar en concierto algunos de los trabajos incluidos precisamente en este registro. Música experimental magníficamente interpretada aquí por instrumentistas de la American Contemporary Music Ensemble y el percusionista Alan Zimmerman.

El CD incluye composiciones para piano preparado, 'Three Aphorisms' y 'Animals', esta última con el acompañamiento animado de cuatro instrumentos de cuerda y dos de percusión; el dueto de violonchelo y piano 'Loops and Sequences'; 'Densities I' para viola solo y cuatro instrumentos sopranos; un trío de violín, viola y violonchelo en dos movimientos; cuatro breves poemas sonoros dedicados, cada uno, a una mujer en activo en la escena artística experimental de Nueva York (la compositora Lucia Dlugoszewski, la pianista Judy Winkler, la poetisa Diane Wakoski y la chelista Charlotte Moorman); la creación electroacústica 'Water Music', combinando cinta y sonidos de percusión (escrita originalmente para ser ejecutada por Max Neuhaus); y, por último, el gracioso preludio a su ópera de cámara 'The Mystery Cheese-Ball' consistente en desinflar manualmente un conjunto de globos de goma lo más lentamente posible.

El libreto que acompaña al disco contiene varias fotografías y el texto del profesor de música Eric Smigel: "The Singularity of Sound in a Plurality of Vision: The Early Works of Joseph Byrd".

"NYC 1960-1963" CD: 1. 'Animals' (1961); 2. 'Loops and Sequences' (1961); 3 - 5. 'Three Aphorisms' (1960); 6. 'Densities I' (1962); 7. 'Four Sound Poems' (1962); 8 - 9. 'String Trio' (1962); 10. 'Water Music' (1963); 11. 'Prelude to The Mystery Cheese-Ball' (1961).


Formato: CD; Duración total: 62:30

martes, 17 de septiembre de 2013

Agostino Di Scipio: "Hörbare Ökosysteme"

Agostino Di Scipio
Hörbare Ökosysteme
(rz 10015)

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La historia y teoría crítica de las tecnologías musicales así como la investigación en el ámbito de la música por ordenador constituyen las principales materias de dedicación en la carrera del compositor y artista sonoro Agostino Di Scipio (Italia, 1962). Concebidas a modo de instalaciones, performances o piezas para concierto, sus obras tienen en el tratamiento electroacústico del sonido el aliado esencial. Un recurso que, además de utilizarlo con profusión, a menudo ha contribuido a desarrollar él mismo.

Este registro monográfico aparecido en Edition RZ en 2005, "Hörbare Ökosysteme" (Ecosistemas audibles), reúne algunos ejemplos de la música electrónica en vivo que el autor produjo entre 1993 y 2005. Dos de las cuatro composiciones incluidas cuentan con la participación de instrumentistas (Ensemble Mosaik, en sexteto, en 'Texture / Multiple' y el cuarteto de cuerda Prometeo en '5 Interazioni Cicliche Alle Differenze Sensibili'), y todas ellas surgen de la aplicación de estrategias de interacción musical. Di Scipio congrega aquí y pone en juego diversas fuentes de sonido, una unidad de procesamiento digital (DSP), posibles intérpretes y un espacio de ejecución/difusión con el propósito de explorar su actividad intercomunicativa y poner de manifiesto la consiguiente producción de efectos. Y es que su música atiende primordialmente a todas aquellas influencias que el sonido encuentra en su camino, desde la fuente de la cual emana hasta nuestra percepción del mismo. Por ello, confía su entramado de interacciones a un tratamiento sonoro dinámico, capaz de adaptarse en todo momento a las propiedades acústicas del espacio en el que la exploración tenga lugar.

Además, en la serie de piezas que conforman esos 'Hörbare Ökosysteme', el trabajo más reciente contenido en el disco y también el de mayor duración, el compositor italiano propone un sistema interactivo autorregulador, apto para finalizar y volver a reiniciar la actividad ante cualquier disfunción que afecte a su equilibrio. Un sistema en el que todos los componentes son equivalentes y comparten idéntica responsabilidad en el objetivo común de su sostenimiento. Sonidos discretos de naturaleza sintética o "concreta" (ruido ambiental y vocalizaciones) difundidos a través de altavoces en un entorno determinado y convenientemente tratados por una unidad DSP, recibirán de aquel su propia impronta acústica en un proceso de reciprocidad ideal. Dice Frank Gertich, autor del texto incluido en el libreto del CD, que en estos casos: El sonido no sólo proporciona el material en bruto sino que también impulsa el despliegue del trabajo en general. Aquí, el sonido (su forma: timbre) constituye el único medio de comunicación y la única interconexión.

"Hörbare Ökosysteme" CD: 1. 'Texture / Multiple' (1993); 2. - 3. 'Craquelure (2 pezzi Silenziosi, A Giuliano)' (2002); 4. - 8. '5 Interazioni Cicliche Alle Differenze Sensibili' (1997-98); 9. - 13. 'Hörbare Ökosysteme' (2002-05).


Formato: CD; Duración total: 68:58

martes, 3 de septiembre de 2013

Arf Arf: "Arf Arf"

Arf Arf
Arf Arf
(TA114)

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El sello berlinés Tochnit Aleph presenta, en una edición limitada a 500 unidades, este DVD con una selección de trabajos pertenecientes al grupo de artistas, poetas y realizadores cinematográficos australianos Arf Arf. Formado por Marisa Stirpe, Frank Lovece, Michael Buckley y Marcus Bergner, el grupo estuvo activo entre 1985 y 2000, periodo durante el cual efectuaría abundantes actuaciones en Australia y Europa. Actuaciones, por lo general, audaces y altamente estimulantes, surgidas básicamente de la combinación de prácticas artísticas como la poesía sonora y la performance.

¿Qué es lo que estamos haciendo?, se preguntaban sus miembros al poco de iniciar su andadura. A lo que respondían decididamente: Un sonido seguido de otro. Rehabilitar nuestros pulmones. Redefinirnos. Arf Arf utiliza el texto escrito, el dibujo y la notación musical como puntos de partida para la producción de sonidos. En sus interpretaciones, leen, recitan, proclaman, cantan o gritan sus partituras y, al mismo tiempo, gesticulan, caminan, saltan o giran sobre sí mismos. En ocasiones, se acompañan de algún que otro instrumento musical, de varias personas del público, de familiares, de un perro o, se sirven incluso, de otros objetos cotidianos como un conjunto de naipes, lápices, varias sierras y martillos, etc... Propuestas, en fin, perturbadoras y en las que felizmente parece imperar una lógica del sinsentido.

El evento en directo es su principal seña de identidad. De hecho, el grupo sólo pareció reconocerse plenamente vivo en ese hábitat y, a menudo, receló de la fijación sonora y/o visual de su obra. Sin embargo, y debido a las aptitudes de sus integrantes en el ámbito de la realización cinematográfica, hoy contamos, afortunadamente, con diversos documentos audiovisuales de su producción. De las cinco películas breves incluidas en el DVD, tres de ellas se corresponden propiamente con filmaciones de actuaciones poéticas realizadas por el grupo o por varios de sus miembros ('Arf Arf/85', 'Thread of Voice' y 'The Broken Jug'), mientras que 'Doppelganger Films' y 'Work' consisten en verdaderas creaciones visuales acompañadas de la música y los sonidos ejecutados por Arf Arf. De todas ellas, 'Thread of Voice' destaca particularmente por su realización y significativa difusión, además de por contar con la aparición del gran poeta británico Bob Cobbing y su formación Koncrete Canticle.

Al DVD le acompaña un libreto de dieciséis páginas con numerosas fotografías en blanco y negro y textos en inglés acerca del grupo y de las filmaciones incluidas.

Arf Arf DVD: 'Arf Arf/85' (realización: Arf Arf; 12 minutos, blanco y negro, 1985); 'Thread of Voice' (realización: Arf Arf; 19 minutos, blanco y negro, 1993); 'The Broken Jug' (realización: Franck Lovece y Marisa Stirpe; 4 minutos, 1983); 'Doppelganger Films' (realización: Marcus Bergner; 14 minutos, color, 1985); 'Work' (realización: Michael Buckley; 12 minutos, color, 1985/1986).


Formato: DVD; Duración total: 60:00

lunes, 26 de agosto de 2013

Varios Artistas: "A Young Person's Guide to the Avant-Garde"

Varios Artistas
A Young Person's Guide to the Avant-Garde
(LTMCD 2569)

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Con "A Young Person's Guide to the Avant-Garde", aparecido este pasado mes de julio, ya son veinte los títulos que integran el catálogo de grabaciones de arte de vanguardia que publica LTM Recordings. El autor, productor y dueño del sello, James Nice, lleva años dirigiendo esta colección con un rigor y buen gusto encomiables. Para esta ocasión, propone una guía sonora acerca de la música y modernismo en el siglo XX.

Presentada en un doble CD conteniendo veintiséis piezas, la guía atiende, pues, a algunos de los principales hitos que la pasada centuria deparó en lo concerniente a las diversas expresiones de avanzada musical surgidas en Occidente. Así, además de piezas originadas en el transcurso de vanguardias históricas como el futurismo, el dadaísmo y el surrealismo, la colección comprende también, entre otros, ejemplos de música maquinista, poesía fonética, composición electroacústica y música experimental. Entre los autores incluidos, figuran nombres como los de Erik Satie, Luigi Russolo, George Antheil, Marcel Duchamp, Jean Cocteau, Kurt Schwitters, Igor Stravinsky, John Cage o Karlheinz Stockhausen.

Completa la edición de "A Young Person's Guide to the Avant-Garde" un libreto de doce páginas con un estupendo texto en inglés del propio James Nice y fotografías todos los autores.

CD 1: 1. Erik Satie 'Vexations' (fragmento) (1893); 2. Leo Ornstein 'Suicide in an Airplane' (1913); 3. Luigi Russolo 'Risveglio di una città' (1913); 4. Francesco Balilla Pratella 'L'Aviatore Dro' (1915); 5. Antonio Russolo 'Corale' (1924); 6. Filippo Tommaso Marinetti 'La Battaglia di Adrianopoli' (1924); 7. Franco Casavola 'Dance of the Monkeys' (1925); 8. George Antheil 'Mechanisms' (1923); 9. Marcel Duchamp 'Musical Erratum' (1913); 10. Francis Poulenc 'Mouvements perpétuels' (1918); 11. George Ribemont-Dessaignes 'Pas de la chicorée frisée' (1920); 12. Francis Picabia 'La nourrice américaine' (1920); 13. Jean Cocteau 'La Toison d'Or' (1929); 14. Kurt Schwitters 'Die Sonata in Urlauten' (fragmento) (1932); 15. Robert Desnos 'Description of a Dream' (1938).

CD 2: 1. Charles Ives 'The Unanswered Question' (1906); 2. Arnold Schoenberg 'Sechs kleine Klavierstücke' (1911); 3. Igor Stravinsky 'The Rite of Spring' (fragmento) (1913); 4. Josef Matthias Hauer 'Tanz Op. 10' (1915); 5. Arthur Honegger 'Pacific 231' (1923); 6. Alexander Mosolov 'Iron Foundry' (1927); 7. Henry Cowell 'The Aeolian Harp' (1923); 8. John Cage 4'33'' (1952); 9. Karlheinz Stockhausen 'Gesang der Jünglinge' (1956); 10. Edgar Varèse 'Poème électronique' (1958); 11. György Ligeti 'Atmosphères' (1961).


Formato: 2CD; Duración total: 145:19

lunes, 29 de julio de 2013

John Cage: "Variations V"

John Cage
Variations V
(mode 258)

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El volumen 48 de la colección de registros que la firma Mode Records viene dedicando a John Cage (1912-1992) desde mediados de los años ochenta del pasado siglo, corresponde a esta primera edición en DVD de "Variations V".

La quinta de la serie de ocho "Variaciones" que el compositor produjo entre 1958 y 1978, surgió por encargo de los patrocinadores del Festival Franco-Americano, celebrado en 1965, en el Philharmonic Hall del Lincoln Center de Nueva York. Fue ideada como una creación multimedia en la que concurrirían la música electrónica de Cage, la danza de Merce Cunningham, proyecciones y efectos visuales a cargo de Stan VanDerBeek y Nam June Paik respectivamente, y una iluminación especial diseñada por Beverly Emmons. La partitura, escrita curiosamente con posterioridad a la ejecución de la obra, consistió en un conjunto de simples notas que instruirían a todo aquel que en el futuro quisiera emprender su realización.

Precedido de una notable expectación, el estreno de "Variations V" tuvo lugar el 23 de julio de 1965 en el mentado Lincoln Center. Los movimientos coreográficos realizados por los bailarines (Merce Cunningham, Carolyn Brown, Barbara Dilley Lloyd, Sandra Neels, Albert Reid, Peter Saul y Gus Solomons Jr.) a lo largo de la función, fueron captados en el escenario por doce antenas desarrolladas por Robert Moog y un juego de células fotoeléctricas diseñadas por el científico de los Laboratorios Bell, Billy Klüver, de tal manera que esa interacción desencadenó la transmisión de sonidos a una mezcladora de cincuenta canales cuya salida pudo oírse a través de seis altavoces repartidos en el interior de la sala. El material sonoro constituido por fragmentos grabados de diversos proyectos musicales de Cage, entre ellos "Williams Mix" y "Fontana Mix", objetos amplificados y emisiones radiofónicas, fue supervisado por el propio Cage y los compositores James Tenney, Malcom Goldstein y Fredric Lieberman. Cage y David Tudor operaron la mezcladora. La performance se complementó además con la proyección simultánea de un atractivo collage fílmico ejecutado por Stan VanDerBeek y unas imágenes televisivas procesadas por Nam June Paik. El crítico de música y danza del New York Times, Allen Hughes, escribía a los pocos días: Me parece que los señores Cage y Cunningham pueden habernos ofrecido una fascinante, si bien sumamente primitiva mirada a un extraordinario teatro del futuro.

Un año después del estreno en Nueva York y tras haber concluido una gira europea de verano, la compañía de Cunningham recaló en Hamburgo para cumplir con el compromiso de prestarse a una filmación en estudio de "Variations V". Producida por la NDR (Norddeutscher Rundfunk) y dirigida por Arne Arnbom, la película resultante es uno de los pocos filmes disponibles del grupo en la década de los sesenta. En lo sustantivo, la obra filmada conserva prácticamente todos los ingredientes originales, si bien la plantilla de músicos fue, en esta ocasión, más reducida: John Cage, David Tudor y Gordon Mumma.

El DVD, publicado ahora por Mode Records, contiene la película realizada por la televisión alemana en 1966 (47 minutos), una versión solo audio de otra ejecución de la obra efectuada en París ese mismo año (40 minutos) y, finalmente, dos entrevistas actuales hechas por David Vaughan, archivero de la Compañía de Danza de Merce Cunningham, a Carolyn Brown (40 minutos) y a Sandra Neels y Gus Solomons Jr. (30 minutos), bailarines, los tres, presentes en la producción original. La edición incluye además un libreto con algunas fotografías de archivo y escritos de Rob Haskins y de Gordon Mumma con Michelle Fillion.

DVD-Video NTSC; todas las zonas; blanco y negro / color; subtítulos en inglés y alemán únicamente en la introducción de la película.


Formato: DVD; Duración total: 157:00

jueves, 18 de julio de 2013

Varios Artistas: "10e concours international d'art radiophonique Luc Ferrari. Correspondance"

Varios Artistas
10e concours international d'art radiophonique Luc Ferrari. Correspondance
(Muse 13/1)

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El término "correspondencia", en sus varias acepciones, fue el argumento al que los participantes en la décima edición del concurso internacional de arte radiofónico Luc Ferrari (La Muse en Circuit y SACEM, 2012/2013) debieron atender a la hora de preparar y componer sus creaciones sonoras.

Reunido el 4 de septiembre de 2012, el jurado compuesto por Anne Gillot (Radio Suisse Romande), Nicolas Horber (Radio Campus France), Ingo Kottkamp (Deutschlandradio Kultur), Anne Mattheeuws (Musiq3 - RTBF), Irène Omélianenko (Atelier de Création Radiophonique - France Culture), Marc Texier (Festival Archipel) y Philippe Langlois y David Jisse (La Muse en Circuit), decidió premiar a:

Sam Salem (Reino Unido, 1982) por 'Dérive', obra surgida de los sonidos que el compositor grabó en París con ocasión de múltiples paseos efectuados en la ciudad; Julia Hanadi Al Abed (Francia, 1977) por 'Bilad El Cham', una sentida ofrenda acústica a Siria, país de origen del padre de la artista; y Alejandro Montes de Oca (México, 1980) por 'CorresponTrans', composición a propósito de la correspondencia de amor. Esta última realizada además con las voces de Frédérique Leroy, Sabine Revault D’Allones, Atsushi Sakai, Jean-Daniel Senesi, Yumiko Tanimura-Droy y Rebecca Tepfer.

Los tres trabajos fueron presentados en concierto el pasado 22 de marzo de 2013 en el marco del Festival Archipel (Ginebra, Suiza) y, seguidamente, incluidos en este registro de reciente publicación.

"10e concours international d’art radiophonique Luc Ferrari" CD: 1. Sam Salem 'Dérive'; 2. Julia Hanadi Al Abed 'Bilad El Cham'; 3. Alejandro Montes de Oca 'CorresponTrans'. El CD viene acompañado de un libreto bilingüe (en francés e inglés) que contiene descripciones de las piezas y notas biográficas de los autores seleccionados.


Formato: CD; Duración total: 53:44

lunes, 1 de julio de 2013

Christopher DeLaurenti: "Favorite Intermissions"

Christopher DeLaurenti
Favorite Intermissions
(GD STEREO GD019)

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"Favorite Intermissions: Music before and between Beethoven, Stravinsky and Holst" seguramente sea el disco más singular y conocido del compositor y artista sonoro Christopher DeLaurenti (Estados Unidos, 1967). Fue publicado en 2007 por GD Stereo, un pequeño sello neoyorquino fundado y dirigido por el arquitecto Geoff Dugan. Inicialmente, la portada y demás elementos gráficos del CD aparecieron ejecutados en clara imitación tanto del color como del distintivo y diseño tan característicos de la popular firma discográfica Deutsche Grammophon. Circunstancia por la cual, GD Stereo fue denunciada y obligada a retirar del mercado y destruir todas las copias existentes de esa edición. Al poco tiempo, sin embargo, Dugan preparó una reedición del registro, limitada a novecientas unidades, que ahora sí cumplía, en todos sus extremos, con el requerimiento de la plena originalidad.

¿Pero cuál fue el motivo por el que el artista, de acuerdo con el editor, pretendió asociar, a modo de parodia, la procedencia de "Favorite Intermissions" con la imagen del gigante alemán? La respuesta a esta cuestión se obtiene fácilmente al reconocer la naturaleza de las piezas contenidas en el disco.

DeLaurenti ofreció en él una selección de "grandes éxitos" de las algo más de cincuenta horas de grabaciones sonoras que efectuó, a lo largo de unos siete años, en el interior de auditorios. Grabaciones que únicamente documentaban los minutos previos al inicio de la ejecución de un concierto de música clásica así como los entreactos. El ambiente reinante en la espera, ese conjunto de sonidos tan típicos como ignorados (el chirriar de las butacas al ser ocupadas, el rumor del público, los músicos realizando aquellos últimos ejercicios interpretativos de distensión, etc.) fueron objeto de la más reverencial atención por parte del artista. Captadas todas ellas de forma clandestina, las grabaciones aquí incluidas tan solo pudieron surgir de un aliento explorador, del empecinamiento en hallar musicalidad en todo evento sonante.

Aunque en los títulos de las seis piezas se hiciera mención de los compositores o de las obras que fueron interpretadas en esas ocasiones ('Holst, hasta ahora'; 'Antes de Petrushka'...), en ningún caso se indicaron la fecha y lugar de los conciertos en cuestión ni tampoco las orquestas y solistas ejecutantes. La cautela del editor alcanzó también a la fotografía de la portada que, a pesar de mostrar el escenario de un auditorio en el que un músico aparece ensayando mientras DeLaurenti supuestamente graba en secreto a unos pocos metros de él, toda ella se presentó ligera y deliberadamente desenfocada.

"Favorite Intermissions" CD: 1. 'Holst, Hitherto'; 2. 'Before Petrushka'; 3. 'SF Variations'; 4. 'Holding Out for Ein Helden'; 5. 'Awaiting AGON'; 6. 'After Beethoven'.


Formato: CD; Duración total: 68:10

lunes, 17 de junio de 2013

Christian Marclay: "More Encores"

Christian Marclay
More Encores
(ReR CM1)

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Ganador del León de Oro por su obra audiovisual "The Clock" (2010), presentada en la 54 edición de la Bienal de Venecia, Christian Marclay (Estados Unidos, 1955) es un eminente artista del collage. Tanto en sus performances como en su creaciones instalativas, escultóricas, fotográficas y videográficas, acude siempre a elementos distintivos de nuestra cultura de masas, particularmente a aquellos que atañen al ámbito de la música y el cine, con voluntad de reorganizarlos, transformarlos y, en definitiva, componer con ellos un objeto de nueva significación.

En su faceta como artista sonoro e improvisador, lleva experimentando e interpretando con múltiples tocadiscos y discos de vinilo desde 1979. Ya sea en solitario o en colaboración con músicos como Elliott Sharp, John Zorn, Zeena Parkins, Otomo Yoshihide, Okkyung Lee, Christian Wolff o Shelley Hirsch, Marclay actúa mezclando numerosos discos, tocándolos al revés, modificando sus velocidades de reproducción y manipulando sus sonidos de mil y una maneras, propiciando así lo que alguien acertadamente ha denominado como su particular "teatro de sonidos encontrados".

"More Encores" (1988) es uno de los registros más emblemáticos de su discografía. Publicado originalmente en vinilo en el sello alemán No Man’s Land, el disco sería reeditado nueve años más tarde por ReR Megacorp, tanto en su versión de vinilo como en la de CD que aquí nos ocupa.

La grabación contiene doce piezas breves (tan solo una supera los tres minutos de duración) tituladas, cada una de ellas, sencillamente con el nombre de un músico o de un dúo de músicos. Grabadas en estudio entre enero de 1987 y mayo de 1988, las doce miniaturas fueron compuestas utilizando únicamente discos pertenecientes a esos artistas de estilos musicales francamente diversos. Además del propio Marclay, integran aquí la lista de representados: Johann Strauss, John Zorn, Martin Denny, Frederic Chopin, Fred Frith, Louis Armstrong, Arthur Ferrante y Louis Teicher, John Cage, Maria Callas, Jimi Hendrix, Jane Birkin y Serge Gainsbourg. De la apropiación, mezcla y experta manipulación de fragmentos de esos discos por parte de nuestro protagonista surgieron pues collages sonoros de un ingenio y humor merecedores de aplauso. Advierte Marclay, sin embargo, que la pieza dedicada a John Cage consistió simplemente en la reproducción de un disco resultante del ensamblaje y encolado de diversas secciones correspondientes a otros tantos fonogramas del compositor americano.

"More Encores" CD: 1. 'Johann Strauss'; 2. 'John Zorn'; 3. 'Martin Denny'; 4. 'Frederic Chopin'; 5. 'Fred Frith'; 6. 'Louis Armstrong'; 7. 'Arthur Ferrante & Louis Teicher'; 8. 'John Cage'; 9. 'Maria Callas'; 10. 'Jimi Hendrix'; 11. 'Jane Birkin & Serge Gainsbourg'; 12. 'Christian Marclay'.


Formato: CD; Duración total: 33:07

lunes, 10 de junio de 2013

Varios Artistas: "An Anthology of Noise & Electronic Music vol. 7"

Varios Artistas
An Anthology of Noise & Electronic Music vol. 7
(SR300)

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Con este séptimo volumen publicado en 2013, el sello Sub Rosa pone fin a su conocida antología dedicada a la música electrónica y a la música del ruido. Iniciada en 2001, la colección entera ha incluido un total de 176 trabajos cuyos años de realización van desde 1921 a 2012. Cerca de 18 horas de música originada y producida en 42 países distintos, ya sea en estudios oficiales o privados, en el ámbito puramente doméstico o en ocasión de concierto.

A diferencia de las seis anteriores entregas, presentadas en doble CD, "An Anthology of Noise & Electronic Music vol. 7" cuenta con un disco adicional que le convierte en el volumen más generoso de la antología, alcanzando prácticamente las cuatro horas de contenidos. En cuanto a estos, casi huelga decir que continúan alternándose básicamente obras pioneras y/o emblemáticas de la experimentación musical electrónica ('Thema, Ommaggio a Joyce' de Luciano Berio, 'Collage' de Eugeniusz Rudnik, 'Electronic Music' de Bülent Arel...) con varios ejemplos de creaciones actuales de arte sonoro (Slavek Kwi + Siobhan McDonald 'Lava Samples', Alma Laprida + Juan José Calarco 'Contorso', Erin Sexton 'Suspend / 2 Electromagnetic Amplifiers'), algún que otro documento sonoro histórico ('Au clair de la lune', grabada por Édouard-Léon Scott de Martinville, o la recreación de 'Radio Pravda' de Dziga Vertov) y, sobre todo, abundantes piezas surgidas de planteamientos ruidistas (Israël Quellet 'Pour percussions et saturation', The Rita 'Skate', The New Blockaders 'Blockade is Resistance'...).

De los 38 temas que contiene en total "An Anthology of Noise & Electronic Music vol. 7", 19 han sido publicados aquí por primera vez. El digipack viene además con un libreto de 84 páginas que incluye varios textos a cargo del impulsor y coordinador de la antología, Guy Marc Hinant, así como información acerca de todas y cada una de las piezas del programa.

CD 1: 1. Henry Jacobs 'Sonata for Loudspeakers' (1953-4); 2. Dziga Vertov 'Radio Pravda' (1930); 3. Bebe & Louis Barron 'Bells of Atlantis' (1952); 4. Luciano Berio 'Thema (Omaggio a Joyce)' (1958); 5. Bülent Arel 'Electronic Music' (1961); 6. Don Preston 'Analog Heaven #6' (1975); 7. Slavek Kwi + Siobhan McDonald 'Lava Samples' (2012); 8. Benjamin Thigpen 'Thread0' (2011); 9. Helmut Schäfer 'Infuse' (2005-6); 10. Thanasis Kaproulias / Novi_sad 'The insolence of a poppy' (2011); 11. Saule 'Paperfilm' (2002); 12. Édouard-Léon Scott de Martinville 'Au clair de la lune' (1860).

CD 2: 1. John Oswald 'Vertical Time' (1973); 2. Israël Quellet 'Pour percussions et saturation' (2007); 3. Dennis Wong / Sin:Net 'Decomposition' (2011); 4. Alan Courtis 'Mind Broncoespasmo' (1992); 5. Fausto Romitelli 'Trash TV Trance' (2002); 6. Justin K. Broadrick 'Guitar Three' (1995); 7. Storm Bugs 'Cash Wash/Eat Good Beans' (1980); 8. E.A.R. 'Beyond the Pale' (1992); 9. Henry Cow 'From Trondheim' (1976); 10. Osso Exótico 'Rota de inverno' (1994).

CD 3: 1. Eugeniusz Rudnik 'Collage' (1965); 2. Eduardo Polonio 'Transparencias' (2011); 3. Cabaret Voltaire 'Chance versus Causality' (1979); 4. Mika Vainio 'Transformer in 7' (2011); 5. Alma Laprida + Juan José Calarco 'Contorso' (2011); 6. Klangkrieg 'Korpus I' (1996); 7. Gintas Kraptavicius '4m' (2011); 8. Warong Rachapreecha 'Shambles' (2012); 9. The New Blockaders 'Blockade is Resistance' (1983); 10. GX Jupitter-Larsen / The Haters 'Fuechen' (1985); 11. The Rita 'Skate' (2009); 12. To Die / Indra Hermawan 'Terhempas Iuka / Jurang nestapa' (2011); 13. Agro / Brandon Spivey + Richie Anderson 'Only Those Who Attempt The Impossible Will Achieve The Absurd' (1995); 14. Jamka 'Wild Rose Trees' (2010); 15. Erin Sexton 'Suspend / 2 Electromagnetic Amplifiers' (2011); 16. Gustavo H. Serpa 'Astro Metal' (2008) 17. Anónimo 'Untitled' (?).


Formato: 3CD; Duración total: 236:23

martes, 28 de mayo de 2013

Trino Zurita: "Obres per a violoncel i electrònica"

Trino Zurita
Obres per a violoncel i electrònica (Col·lecció Phonos 2)
(1CM0316)

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Trino Zurita (Antequera, 1976) se encuentra entre los violonchelistas españoles más versátiles. Su actividad se circunscribe tanto al marco del violonchelo moderno como del histórico. En este sentido, interesado por el estilo interpretativo del periodo romántico, concretamente por el que se practicó en la segunda mitad del siglo XIX, desarrolla actualmente su tesis doctoral "La interpretación violonchelística en la era pre-Casals" en la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid, bajo la dirección de Alicia Díaz de la Fuente. También es destacable en este campo su estrecha colaboración con el pianista Antonio Simón, con quien ha registrado la primera integral de la obra para violonchelo y piano de Franz Liszt (Columna Música).

Por otro lado, el interés por la creación de vanguardia siempre ha estado presente en su trayectoria. Consolidado como un especialista en la interpretación de música contemporánea en sus diversas expresiones, numerosos compositores han escrito para él. Entre ellos: Manuel Hidalgo, Eneko Vadillo, Eduardo Polonio, Edson Zampronha, Diana Pérez Custodio, Tomás Marco, José López-Montes, Javier Campaña o Enrique Busto.

Trino Zurita comenzó sus estudios de violonchelo a los once años. Formado en Málaga con Antonio Campos y Urmas Tammik, amplió estudios en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú con Dmitri Miller. En la música de cámara ha tenido a maestros como Alexander Bonduriansky, Alexander Galkovsky, Dmitri Shebalin o Bretislav Nobotny.

Con su violonchelo Francesco Lazzaretti, construido en Vicenza en 1983, ejecuta las piezas comprendidas en este registro que constituye el segundo volumen de la "Col·lecció Phonos", serie iniciada en Columna Música en febrero de 2012 con un monográfico dedicado al compositor Gabriel Brncic. Elegidas por el propio instrumentista, "Obres per a violoncel i electrònica" incluye una pieza para violonchelo solo, perteneciente al catalán Oriol Saladrigues, y seis composiciones para ese mismo instrumento y electrónica de los autores: Eneko Vadillo (dos de ellas), Teresa Carrasco, Jesús Villa-Rojo, José Iges y Gabriel Brncic. Acompaña al CD un libreto trilingüe (catalán, castellano e inglés) de veintidós páginas con breves descripciones de cada una de las obras contenidas en el disco y notas biográficas de los autores e intérprete.

"Obres per a violoncel i electrònica" CD: 1. Gabriel Brncic 'Violonchelo-Concert I' (2009); 2. Eneko Vadillo 'Requies' (2004); 3. Teresa Carrasco 'Seguiriyas de cielo, tierra y aire' (2009); 4. Oriol Saladrigues 'Inclinations vers l'instable' (2010); 5. Jesús Villa-Rojo 'Glosario III' (2009); 6. Eneko Vadillo 'Evocación' (2010); 7. José Iges 'Nihil Obstat' (2005).


Formato: CD; Duración total: 71:10

martes, 21 de mayo de 2013

Luca Forcucci: "Fog Horns"

Luca Forcucci
Fog Horns
(SR359)

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En la primavera de 2011, el compositor, artista sonoro y performer italo-suizo Luca Forcucci viajó a Estados Unidos con el ánimo de ofrecer diversos conciertos en las ciudades de Los Ángeles y San Francisco. A su llegada a esta última localidad, quedó pronto cautivado por un sonido distinguido que, proveniente de la bahía, iba repitiéndose a intervalos iguales de unos cuantos segundos. Era el sonido producido por las llamadas sirenas de niebla o fog horns: aparatos instalados en algunos puertos, puentes o faros cuya función consiste en emitir señales acústicas, a modo de bufidos profundos, para advertir al navegante de posibles escollos en días de bruma.

Aprovechando pues su estancia en la ciudad, el artista recorrió esa área de la bahía y realizó múltiples captaciones sonoras. Con el material acústico obtenido compondría, un año después, las tres piezas incluidas en este registro titulado precisamente "Fog Horns" (Sub Rosa, new series Framework, 2013).

Tres creaciones electroacústicas concebidas alrededor de tres elementos básicos de ese entorno visitado: el mar, el viento y, por supuesto, las mentadas sirenas de niebla. Una música del paisaje que parte de lo reconocible o familiar para acabar explorando en lo recóndito. Así es, apenas asomen unos instantes las fuentes ambientales su devenir resultará aquí en un sonar transfigurado e intrigante. Forcucci situará al oyente ante escenarios de ensoñación, confiando en una elaboración detenida de los materiales, sometiendo los sonidos a ejercicios manipulativos, estirándolos prolongadamente, filtrándolos, saturándolos, enmascarándolos, en definitiva, entre marañas brumosas. Una música altamente sugestiva que contará además con las aportaciones ocasionales de los intérpretes Goo Le Gooster (tocadiscos y echoplex en 'Fog Horns') y Michael Kott (violonchelo electrónico en 'Winds').

"Fog Horns" CD: 1. 'Fog Horns'; 2. 'L'Ecume des Jours'; 3. 'Winds'.


Formato: CD; Duración total: 37:47

lunes, 6 de mayo de 2013

Marcel Duchamp: "Musical Erratum + In Conversation"

Marcel Duchamp
Musical Erratum + In Conversation
(LTMCD 2504)

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Tres son las obras musicales que el incomparable artista Marcel Duchamp (Francia, 1887-1968) ideó y compuso a lo largo de su vida. Las tres, al parecer, en 1913: 'Erratum Musical' (pieza para tres voces cuya partitura fue incluida en su "Caja verde"); 'La Mariée mise à nu par ses célibataires, même: Erratum Musical' (perteneciente a la serie de notas y proyectos que Duchamp realizó con vistas al conocido "Gran vidrio"); y, finalmente, 'Sculpture Musicale' (una simple nota escrita en un pequeño papel que también encerró en su "Caja verde").

La segunda de ellas sería objeto de este estupendo registro, "Musical Erratum + In conversation" (LTM Recordings, 2007), en el que se incluyen dos realizaciones de la misma: la primera, de 1981 (Mats Persson y Kristine Scholz, piano preparado) y la segunda, fechada en 2007 (Tom Feldschuh, piano). Acerca de 'La Novia desnudada por sus novios, incluso: Erratum Musical', el músico checo Petr Kotik, a quien se le atribuye una primera y completa ejecución/realización de la obra junto a la S.E.M. Ensemble, en 1974, comenta:

Existen dos partes en el manuscrito (la partitura escrita por Duchamp). Una contiene la composición para un instrumento mecánico. La pieza consta como inacabada y está escrita utilizando números en lugar de notas, aunque Duchamp explica claramente el significado de esos números, facilitando así su transcripción a notas musicales. Además, también indica el/los instrumento/s en el/los que debería se interpretada: piano mecánico, órganos mecánicos u otros nuevos instrumentos que no precisen de un intermediario virtuoso. La segunda parte incluye una descripción del sistema composicional. El título de Duchamp para el sistema es: un aparato que graba automáticamente los periodos musicales fragmentados. El aparato se compone de tres partes: un embudo, varias vagonetas, y un juego de bolas numeradas. Cada número en una bola representa una nota. Duchamp sugirió 85 notas de acuerdo con el rango estándar de un piano de esa época; hoy, todos los pianos tienen 88 notas. Las bolas caen, a través del embudo, en las vagonetas que pasan por debajo a velocidades variables. Cuando el embudo queda vacío se ha completado un periodo musical.

El CD cuenta además con cuatro documentos sonoros del artista. Se trata de fragmentos originales, dichos todos en inglés, correspondientes a: "The Creative Act", conferencia que Duchamp presentó durante la Convención de la Federación Americana de las Artes, celebrada en Houston (Texas), en abril de 1957; la lectura de un texto contenido en "À l’infinitif (The White Box)" grabada en Nueva York en 1967; y, por último, dos extensos pasajes de una entrevista que concedió a George Heard Hamilton en Londres en 1959. El libreto del CD viene con diversas fotografías, la reproducción de la partitura de ‘La Mariée mise à nu par ses célibataires, même' y un texto introductorio a cargo de James Hayward.

"Musical Erratum + In conversation" CD: 1. 'Musical Erratum. La Mariée mise à nu par ses célibataires, même' (piano preparado); 2. 'The Creative Act'; 3. 'A l’infinit'; 4. Interview; 5. Interview; 6 - 13. 'Musical Erratum. La Mariée mise à nu par ses célibataires, même' (piano).


Formato: CD; Duración total: 71:19

lunes, 15 de abril de 2013

José Antonio Sarmiento: "El ojo del silencio"

José Antonio Sarmiento
El ojo del silencio
(CDCE001)

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El Centro de Creación Experimental de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (Universidad de Castilla-La Mancha) publicó en 1999 este registro de audio con cuatro fragmentos pertenecientes a "El ojo del silencio", obra del profesor y artista español José Antonio Sarmiento (Las Palmas, 1952). Concebida al mismo tiempo como acción e instalación sonora, su ejecución tuvo lugar en el estudio de Radio Fontana Mix entre los días 22 y 31 de septiembre de 1999.

A propósito de ella, su autor comenta: Creo en la radio como laboratorio de investigación y de creación. En "El ojo del silencio" utilizo la radio como medio y como instrumento. La obra se desarrolla de la siguiente manera: En una mesa de forma oblonga donde se sitúa normalmente el presentador de un programa radiofónico he dispuesto 110 aparatos de radio sintonizados en las diferentes emisoras que se pueden escuchar en la ciudad de Cuenca. La emisión concluye cuando se agotan las baterías de cada uno de los transistores. La mesa donde están situadas las radios tiene forma de ojo, aunque esto para mi no es lo más importante. Lo que me interesa destacar, ante todo, es que aquí los escuchantes de esta emisión radiofónica pueden ser espectadores, pueden entrar en el estudio de radio y permanecer en él. Estos espectadores además de escuchar pueden ver el sonido/silencio que se genera por la superposición de las diferentes emisiones. En definitiva, el ojo del oyente termina percibiendo el silencio. Al final, el silencio se impone. Como decía Cage, refiriéndose a su obra "Il treno di Cage. Alla ricerca del silenzio perduto" (1978), cuanto más ensordecedor es el ruido, más próximo y vecino parece el silencio. La saturación es para el oído/ojo otra forma de silencio.

A la edición en CD le acompaña un libreto de veinte páginas que incluye diversas fotografías tomadas durante la preparación y ejecución de la obra.

"El ojo del silencio": 1. 22 septiembre (19:01:39 - 19:16:39); 2. 25 septiembre (02:10:40 - 02:34:40); 3. 29 septiembre (08:15:20 - 08:28:20); 4. 30 septiembre (16:53:16 - 16:59:16).


Formato: CD; Duración total: 58:16