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miércoles, 28 de septiembre de 2022

Michael Pisaro-Liu: "Radiolarians"


Michael Pisaro-Liu
Radiolarians

(NW80836-2)


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1. 'Radiolarians 7' (4:46); 2. 'Radiolarians 9 & 11' (12:33); 3. 'Radiolarians 12' (7:55); 4. ‘Radiolarians 5, 4, 8 & 3’ (9:41); 5. ‘Radiolarians 13’ (5:47); 6. ‘Radiolarians 1, 2 & 10’ (12:39).

 

En la extensa pieza orquestal que incluye el álbum más reciente del Michael Pisaro-Liu (Buffalo, Nueva York, 1961), aparecido en New World Records el pasado mes de abril, el compositor experimental presenta una suerte de «transcripciones» de radiolarios –protozoos marinos unicelulares– que halló representados en el libro Die Radiolarien (1862), obra del zoólogo, naturalista y filósofo alemán Ernst Haeckel (1834-1919).

 

"Radiolarians" fue compuesta en 2018 por encargo del colectivo de instrumentistas La Grand Orchestre de Muzzix, el mismo conjunto que estrenó la obra y que además figura como intérprete en esta cuidadísima grabación. Liderados por el trompetista y líder del grupo Christian Pruvost, Muzzix grabó "Radiolarians" en Francia, en La rose des vents (Villeneuve d'Ascq), durante los tres primeros días de julio de 2019. El propio Pisaro-Liu estuvo presente en esas sesiones.

 

El siguiente enlace le dirige a la página web de New World Records donde puede obtener mayor información a propósito de este lanzamiento, leer el ensayo incluido en el libreto que acompaña al CD, escrito por Joe Panzner, y escuchar fragmentos del de la obra: https://www.newworldrecords.org/collections/recent-release-3/products/michael-pisaro-liu-radiolarians

CD; Duración total: 53:21

lunes, 30 de agosto de 2021

Tom Johnson: "Counting to Seven"


Tom Johnson
Counting to Seven

(NW80831-2)


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Cualquier nueva adición al catálogo de álbumes consagrados a la música de Tom Johnson (Colorado, 1939) es siempre una excelente noticia. El pasado mes de junio New World Records presentaba en disco, por primera vez, una grabación de "Counting to Seven", una singular partitura vocal que el compositor norteamericano completó en 2014 y cuyos principales antecedentes encontramos en otras dos antiguas composiciones suyas: "Counting Languages" y "Counting Duets", ambas de 1982.

 

Interpretadas por la formación francesa de música contemporánea Dedalus, las 18 piezas pertenecientes a la serie "Counting to Seven" que nos ofrece el disco fueron grabadas en estudio a finales de agosto del año pasado. El grupo ya había estrenado la obra el 20 de febrero de 2014 en una actuación celebrada en el espacio parisiense La Générale.

 

Johnson escribió "Counting to Seven" para siete voces y una treintena de lenguas del mundo. Lenguas más o menos conocidas, vivas y muertas, representativas en cualquier caso de los distintos continentes. Es característica común de todas y cada una de las piezas de la serie que los intérpretes cuenten hasta siete de viva voz –en ocasiones acompañándose de percusión–. Sin embargo, el ejercicio enumerativo concreto a desplegar en cada caso viene determinado en buena medida por la sonoridad propia de la lengua elegida. En el ensayo incluido en el libreto de la edición, la autora Christine Lucia analiza breve e individualmente las 18 propuestas. El libreto cuenta además con reproducciones en miniatura de las partituras correspondientes a 'Muruwari' y 'Russian'.

 

Dedalus: Didier Aschour, Amélie Berson, Cyprien Busolini, Alessandra Giura Longo, Tom Johnson, Thierry Madiot, Fabrice Villard y Deborah Walker.

 

“Counting to Seven” CD: 1. French [1:31]; 2. Maninke (o Malinke) [4:22]; 3. Okinawan [2:33]; 4. Irish Gaelic [2:20]; 5. Tajik (o Tadjik) [5:11]; 6. Amerindian [3:59]; 7. Muruwari [2:52]; 8. German & Turkish [4:34]; 9. Indonesian [4:39]; 10. Russian [1:23]; 11. Mandarin [2:14]; 12. Swahili [1:52]; 13. Japanese [1:17]; 14. Georgian [3:06]; 15. South Pacific [4:07]; 16. Hungarian [1:08]; 17. Crobo (o Krobo) [11:30]; 18. Hebrew [1:32].

 

A propósito de "Counting to Seven": Tom Johnson: Illustrated Music #13, Recounting Counting.

CD; Duración total: 60:09

miércoles, 2 de junio de 2021

Earle Brown: "Selected Works 1952–1965"



Earle Brown
Selected Works 1952–1965

(80650-2)


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Una selección de cuatro obras tempranas de Earle Brown (Estados Unidos, 1926-2002) fue objeto del LP "Music by Earle Brown", editado en 1974 por Composers Recordings Inc. El mismo sello reeditó la grabación en CD en el año 2000 con el título "Collected Early Works". Aprovechando la mayor capacidad del soporte digital, fueron añadidas en el disco cuatro trabajos más del compositor experimental. Seis años después, en 2006, New World Records volvía a reeditar el CD titulándolo ahora "Selected Works 1952-1965". Dispongo de unas cuantas unidades de este.

 

Dos de las obras contenidas en él, 'Times Five' (1963) y 'Novara' (1962), ambas escritas para conjunto instrumental, cuentan con la dirección del propio Earle Brown. "Selected Works" nos ofrece además 'Octet I' (1953), composición electroacústica concebida para ocho altavoces; 'December 1952' para piano, interpretada por David Tudor; 'Music for Violin, Cello and Piano' (1952); realizaciones a cargo de Michael Daugherty de tres piezas pertenecientes al ciclo 'Folio' (1952-54) ['November 1952', 'December 1952' y 'Four Systems']; y los duetos 'Music for Cello and Piano' (1954-55), y 'Nine Rare Bits' (1965) para dos clavicémbalos.

 

David Ryan es autor del texto Earle Brown: a sketch incluido en el libreto que acompaña el CD. Libreto en el que asimismo encontramos un breve escrito de Earle Brown firmado el 29 de enero de 2000.

 

Govert Jurriaanse, flauta; Arthur Moore, trombón; Teresia Tieu, arpa; Jaring Walta, violín; Harro Ruijsenaars, violonchelo; Ton Hartsuiker, piano; John Floore, trompeta, Harry Sparnaay, clarinete bajo; Roelof van Driesten, violín; Gerrit Oldeman, viola; Earle Brown, dirección; Matthew Raimondi, violín; David Soyer, violonchelo; David Tudor, piano; Michael Daugherty, piano, ordenador y electrónica; Dorothea von Albrecht, violonchelo; Christine Olbrich, piano; Antoinette Vischer y George Gruntz, clavicémbalos.

 

"Selected Works 1952–1965" CD: 1. ’Times Five’ (1963) 14:59; 2. ’Octet I’ (1953) 3:22; 3. ’December 1952’ (1952) 6:08; 4. 'Novara' (1962) 13:01; 5. 'Music for Violin, Cello and Piano' (1952) 3:02; 6. – 8. From Folio ['November 1952' (1952); 'December 1952' (1952); 'Four Systems' (1954)] 8:18; 9. 'Music for Cello and Piano' (1954-55) 9:31; 10. 'Nine Rare Bits' (1965) 6:04.

 

Aquí puede escuchar fragmentos de todas y cada unas de las piezas del disco.

CD; Duración total: 65:17

martes, 1 de junio de 2021

James Romig: "Still"


James Romig
Still

(NW80802-2)


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Inspirándose en las pinturas de Clyfford Still (1904-1980), uno de los representantes destacados del expresionismo abstracto americano, James Romig (Long Beach, California, 1971) completó en 2016 su composición para piano solo "Still". Desde entonces, la obra ha sido interpretada en decenas de ocasiones en salas de conciertos, museos, en el interior de edificios históricos y también a la intemperie, en diversos parques nacionales.

 

New World Records la publicó en disco en marzo de 2018 y la grabación, interpretada aquí por la pianista Ashlee Mack, fue distinguida como finalista del Pulitzer Prize de música de 2019: «...hipnótica pieza para piano solo compuesta de 43 secciones individuales cuyas sorprendentes implicaciones armónicas y sutiles efectos dramáticos devuelven la música a su esencia primaria».

 

Los propios protagonistas, James Romig y Ashlee Mack, produjeron la grabación del disco en el Kresge Recital Hall del Knox College (Galesburg, Illinois), en mayo de 2017.

 

Como es habitual en las ediciones de New World Records, el libreto que acompaña al CD nos brinda un ensayo con el que adentrarse en la obra y las ideas musicales del compositor. Su autor es en esta ocasión el también compositor e investigador estadounidense Bruce Quaglia.

 

“Still” CD: 1. 'Still' (2016) 54:00.

 

Aquí puede escuchar un fragmento de la obra.

CD; Duración total: 54:00

jueves, 26 de diciembre de 2019

Peter Thoegersen: "Three Pieces in Polytempic Polymicrotonality"

Peter Thoegersen
Three Pieces in Polytempic Polymicrotonality
(NW80812)

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En su álbum para New World Records, publicado el pasado mes de febrero, el músico y compositor Peter Thoegersen (Los Ángeles, 1967) nos brinda tres ejemplos de su sofisticadísima escritura musical: ‘Milko’ (2013-16), ‘Irrational Quartet’ (2018) y ‘Herniated Lumbar Discs Much Better Now’ (2018).

Son composiciones francamente sorprendentes, resultado de numerosos años de investigación en torno a una estética musical basada en el uso simultáneo de varios sistemas de afinación microtonal y diversos grados de celeridad interpretativa. De ahí el título del disco, “Three Pieces in Polytempic Polymicrotonality”, y de ahí, también, el título de la tesis doctoral que Thoegersen completó en 2012: “Polytempic Polymicrotonal Music: A Road Less Traveled”.

Aunque las tres piezas fueron concebidas para ser ejecutadas teóricamente por instrumentistas y grupos de instrumentistas –‘Milko’ para cuartetos de viento y metal, violonchelo solo y percusión; ‘Irrational Quartet’ para cuarteto de cuerda; y ‘Herniated Lumbar Discs Much Better Now’ para piano solo–, aquí llegan realizadas directamente en sintetizador por el propio Thoegersen. Todas ellas fueron grabadas en 2018 en la ciudad californiana de Ventura.

Como es costumbre en el sello estadounidense, la edición cuenta con un informativo libreto en inglés. Kyle Gann es autor de las notas que este incluye.

“Three Pieces in Polytempic Polymicrotonality” CD: 1. ‘Milko' (2013-16) 28:25; 2. 'Irrational Quartet' (2018) 30:17; 3. ‘Herniated Lumbar Discs Much Better Now' (2018) 8:10.

Aquí puede escuchar fragmentos de las tres obras.

CD; Duración total: 67:03

miércoles, 11 de diciembre de 2019

Charles Amirkhanian: "Loudspeakers"

Charles Amirkhanian
Loudspeakers
(NW80817-2)

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Anticipándose unas semanas a la celebración del 75 cumpleaños del compositor, poeta sonoro, percusionista y productor radiofónico Charles Amirkhanian (19 de enero de 1945, Fresno, California), el sello New World Records lanza ahora este nuevo registro, en doble disco compacto, dedicado a su música electroacústica.

Si con álbumes como “Lexical Music” (Other Minds, 2017) o “10+2: 12 American Text Sound Pieces” (Other Minds, 2003) descubrimos su faceta artística seguramente más conocida, la de poeta sonoro, con “Loudspeakers” Amirkhanian se nos presenta como creador de originales audio collages. Son obras extensas, basadas en grabaciones ambientales principalmente reconocibles y que concibe en torno a temas determinados. Las compone improvisando con esos sonidos directamente en el teclado de sintetizadores digitales como el Synclavier o el Kurzweil, y las completa con los recursos habituales del estudio de grabación, contando a menudo con la asistencia técnica de su amigo el guitarrista y compositor Henry Kaiser.

De las cuatro composiciones contenidas en esta referencia discográfica, tres fueron encargos de la Westdeutscher Rundfunk (WDR): ‘Pianola (Pas de mains)’, una serie de diez ensayos basados en el sonido y las técnicas de la pianola, realizada entre 1997 y 2000; la sinfonía medioambiental ‘Im Frühling’ (1989-90), compuesta con sonidos naturales bien diversos, captados por el propio Amirkahanian, Bill Fontana o Phil Perkins, entre otros; y, finalmente, ‘Son of Metropolis San Francisco’ (1997), el singular himno que nuestro protagonista dedica a la que ha sido su ciudad de adopción. El audio collage restante, ‘Loudspeakers’ (1988-90), surge por encargo de Meet the Composer/Reader’s Digest y consiste en un retrato vocal de Morton Feldman elaborado a partir de la grabación de una entrevista radiofónica que el compositor estadounidense concedió a Steve Cellum en septiembre de 1984.  

Kyle Gann, compositor y autor de textos tan destacados como “The Music of Conlon Nancarrow” (1995), “American Music in the Twentieth Century” (1997) o “The Arithmetic of Listening: Tuning Theory & History for the Impractical Musician” (2019), firma asimismo el ensayo que encontramos en el libreto incluido esta edición discográfica.

CD 11. - 10. ’Pianola (Pas de mains)’ (1997-2000) 39:51; 11. ’Im Frühling’ (1989-90) 30:06.

CD 21. 'Son of Metropolis San Francisco’ (1997) 26:38; 2. - 8. ’Loudspeakers’ [for Morton Feldman] (1988-90) 34:32.

2CD; Duración total: 131:33

martes, 25 de septiembre de 2018

James Tenney: "Harmonium"

James Tenney
Harmonium
(NW80803-2)

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La música de James Tenney (1934-2006) es objeto una vez más de una nueva referencia discográfica en el sello New World Records. Se trata, en esta ocasión, de “Harmonium”, una grabación aparecida el pasado mes de mayo en la que se reúnen algunas de las partituras que a lo largo de su trayectoria escribió el compositor estadounidense como resultado de sus esmeradas investigaciones en el terreno de la percepción auditiva.

Centradas principalmente en lo concerniente a su particular concepción de la armonía, estas obras fueron acogidas tiempo atrás por el tristemente desaparecido musicólogo, músico y escritor Bob Gilmore (1961-2015) como repertorio idóneo para ser interpretado y grabado por el Trio Scordatura, un grupo fundado en Amsterdam en 2006 por el propio Gilmore, especializado en la ejecución y divulgación de composiciones microtonales y, en general, de propuestas musicales basadas en sistemas de afinación alternativos. Con el fallecimiento de Gilmore en enero de 2015, Elisabeth Smalt Alfrun Schmid, las otras dos integrantes del Trio Scordatura, continuaron fieles a la misión del grupo, que pasó a llamarse Scordatura Ensemble, y llevaron a buen término la grabación de estos cinco trabajos, iniciada años atrás junto a aquel.

Los cinco trabajos que el disco contiene son: 'Harmonium' (1976), escrito para formación variable, incluido aquí en una versión para voz, viola y teclado; 'For 12 Strings (rising)' (1971) que consiste en un arreglo para instrumentos de cuerda del clásico de música electrónica 'For Ann (rising)', compuesto por él mismo dos años antes, en 1969; 'Two Koans and a Canon' (1982) para viola y efecto de delay en cinta magnética; 'Voice(s)' (1984) para formación instrumental variable, voz/voces y múltiples sistemas de delay en cinta; y, por último, 'Blues for Annie' (1975), para viola sola, llega aquí como una transcripción de la interpretación que Jaybird Coleman ofreció en un registro de 1927 de la canción 'No More Good Water 'Cause the Pond is Dry'.

El libreto que acompaña al CD cuenta con espléndido ensayo que firma el compositor, improvisador y teórico musical, además de docente en el California Insitute of the Arts, Robert Wannamaker. Espléndida es también la reseña que del disco ha escrito recientemente Paco Yañez en Mundoclásico.com y de la que sugerimos su lectura.

"Harmonium" CD: 1. 'Harmonium #1' (1976) 10:25; 2. 'For 12 Strings (rising)' (1971) 8:30; 3. – 5. 'Two Koans and a Canon' (1982) 17:27; 6. 'Voice(s)' (1984) 24:11; 7. 'Blues for Annie' (1975) 3:25.

CD; Duración total: 64:20

miércoles, 10 de diciembre de 2014

Varios Artistas: "Music from the Tudorfest: San Francisco Tape Music Center, 1964"

Varios Artistas
Music from the Tudorfest: San Francisco Tape Music Center, 1964
(80762-2)

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Del conjunto de conciertos producidos por el colectivo americano de artistas experimentales San Francisco Tape Music Center (SFTMC) a lo largo de sus cinco años de existencia, los celebrados en la primavera de 1964, en el marco del denominado Tudorfest, fueron de los más significativos.

Pauline Oliveros, compositora e integrante fundadora del SFTMC, impulsó este festival con voluntad de homenajear al eminente músico David Tudor (1926-1996) por su maestría y constante apoyo prestado a la música de numerosos autores contemporáneos. Boulez, Stockhausen, Bussotti, Feldman, Brown, Wolff y, sobre todo, Cage, fueron algunos de los compositores afortunados de haberle tenido como intérprete de sus obras.

A solicitud pues de Oliveros, el homenajeado se encargó de elegir el repertorio con el que constituir su propio festival. Ofrecidos en doble sesión, los tres programas confeccionados incluyeron trabajos de John Cage (34'46.776''; 'Music for Amplified Toy Pianos'; 'Variations II'; 'Atlas Eclipticalis with Winter Music, Electronic Version'; 'Concert for Piano and Orchestra'; 'Cartridge Music'; 'Music Walk'), Pauline Oliveros ('Duo for Accordion and Bandoneon with Possible Mynah Bird Obbligato'), Toshi Ichiyanagi ('Music for Piano No. 4'; 'Music for Piano No. 4, Electronic Version'; 'Sapporo'), Alvin Lucier ('Action Music for Piano, Book I, 1962') y George Brecht ('Card Piece').

Tudor fue, cómo no, el ejecutante protagonista en todo el repertorio presentado, si bien contó, en no pocas ocasiones, con la colaboración interpretativa de músicos componentes o simpatizantes del SFTMC. Singularmente con la de Dwight Peltzer al piano en 34'46.776, la de Pauline Oliveros en 'Duo for Accordion and Bandoneon' así como en la versión no electrónica de 'Music for Piano No. 4', o la de ellos dos mismos junto a otros como Morton Subotnick, Ramon Sender, Stuart Dempster, Warner Jepson, etc... en las realizaciones participativas 'Music Walk', 'Atlas Eclipticalis...', 'Concert for Piano and Orchestra' y 'Catridge Music'.

La edición en triple CD que ahora presenta New World Records, "Music from the Tudorfest: San Francisco Tape Music Center, 1964", contiene grabaciones de nueve de las trece obras ofrecidas en el Tudorfest. Quedan fuera, al parecer por la excesiva preponderancia que el aspecto visual de los siguientes trabajos jugó sobre la propia música: 'Action Music for Piano', 'Card Piece', 'Sapporo' y 'Music for Amplified Toy Pianos'. Como ya es habitual en los registros que brinda el sello estadounidense, este también viene acompañado de un extenso y documentado libreto.

"Music from the Tudorfest: San Francisco Tape Music Center, 1964"

CD 1: 1. John Cage 34'46.776'' (1954); 2. Pauline Oliveros 'Duo for Accordion and Bandoneon with Possible Mynah Bird Obbligato' (1963-64); 3. Toshi Ichiyanagi 'Music for Piano No. 4' (1960).

CD 2: 1. Toshi Ichiyanagi 'Music for Piano No. 4, Electronic Version' (1960); 2. John Cage 'Variations II' (1961); 3. John Cage 'Music Walk' (1958).

CD 3: 1. John Cage 'Atlas Eclipticalis with Winter Music, Electronic Version' (1961); 2. John Cage 'Concert for Piano and Orchestra' (1957-58); 3. John Cage 'Cartridge Music' (1960).

Formato: 3CD: Duración total: 186:36

lunes, 18 de noviembre de 2013

The League of Automatic Music Composers: "The League of Automatic Music Composers 1978-1983"

The League of Automatic Music Composers
The League of Automatic Music Composers 1978-1983
(NW80671-2)

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Aparecido en New World Records en noviembre de 2007, este registro contiene una selección de la abundante producción musical llevada a cabo por el colectivo estadounidense The League of Automatic Music Composers a lo largo de sus cinco años de existencia, entre 1978 y 1983. Colectivo de creadores experimentales que fue pionero en la interpretación musical en vivo con microordenadores y otros circuitos electrónicos interconectados. Fundada en la ciudad de San Francisco por Jim Horton (1944-1998), John Bischoff (1949- ) y Rich Gold (1950-2003), también fueron miembros de la banda los músicos y compositores David Behrman (1937- ), Tim Perkis (1951- ) y Paul DeMarinis (1949- ).

A pesar de las innumerables limitaciones que ofrecían las herramientas electrónicas utilizadas en esos días, lo cierto es que el visionario planteamiento creativo desplegado por The League of Automatic Music Composers acabaría ejerciendo una influencia decisiva en el desarrollo de ulteriores formaciones musicales similares como The Hub o Fuzzybunny. Concebíamos la red de ordenadores como un gran instrumento musical interactivo formado por máquinas de música automática, programadas de forma independiente y que producían una música que era ruidosa, difícil, a menudo imprevisible y, en ocasiones, bella. (John Bischoff y Tim Perkis).

"The League of Automatic Music Composers 1978-1983" CD: 1. 'Dense Drone' (1980); 2. 'Martian Folk Music' (1980); 3. 'Finnish Hall' (1979); 4. 'Oakland One' (1980); 5. 'Radio Air Check 1981'; 6. 'Oakland Three' (1981); 7. 'Oakland Four' (1981); 8. 'Blind Lemon' (1978); 9. 'Pedal with Twitter' (1980)'; 10. 'Oakland Two' (1980). La edición también incluye un libreto con diversas fotografías del grupo y escritos a cargo de John Bischoff, Tim Perkis y Jon Leidecker.


Formato: CD; Duración total: 54:39

lunes, 28 de octubre de 2013

Alvin Lucier: "Orchestra Works"

Alvin Lucier
Orchestra Works
(NW80755-2)

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La contemplación del comportamiento físico del sonido y una vocación artística decididamente experimental informan, en gran medida, la abundante obra musical de Alvin Lucier (Estados Unidos, 1931). A lo largo de sus seis décadas de actividad compositiva, ha sido pionero en el uso de ondas cerebrales en la interpretación en vivo, en la generación de imágenes visuales a partir de las vibraciones de los sonidos, en la notación de la gestualidad de los ejecutantes y, también, en el empleo de las resonancias de diferentes espacios acústicos con fines musicales. Entre sus trabajos más recientes, destacan instalaciones sonoras y múltiples composiciones para instrumentos solistas, conjuntos de cámara y orquesta, en las que a menudo combina de, forma simultánea, tonos puros y afinaciones justas con el propósito de que los sonidos resultantes se muevan dando vueltas en el espacio.

En 1995, la editorial alemana MusikTexte publicó "Reflections/Reflexionen", una edición bilingüe que reúne algunas de las partituras, entrevistas y escritos más destacados del compositor. "Music 109: Notes on Experimental Music" es, por otra parte, su libro más reciente (Wesleyan Press, 2012).

Aunque todavía más reciente es la novedad discográfica del autor que presenta el sello New World Records. Aparecida este mes de octubre, la grabación "Orchestra Works" contiene tres de sus composiciones para orquesta. Obras con las que, una vez más, Lucier luce una inventiva y originalidad deliciosas.

Escrita en 1999, 'Diamonds for 1, 2, or 3 Orchestras' abre aquí el disco con una realización grabada en 2001 en la que intervienen tres conjuntos instrumentales surgidos de una misma orquesta, la Janácek Philharmonic Orchestra, y los directores Christian Arming, Petr Kotik y Zsolt Nagy. Lucier describe lo que en ella ocurre con la simple frase: dibujando formas de diamante en el aire. Los tres conjuntos tocarán al mismo tiempo y cada uno de ellos se encargará de trazar una de estas figuras. Lo harán mediante la ejecución de una sucesión continuada de sonidos deslizantes en los instrumentos de cuerda a los que se agregarán, intermitentemente, notas largamente mantenidas de la sección de viento, así como el eventual tintineo, también repetitivo, de unas campanillas. En avance lento y ligeramente asincrónico las tres representaciones asomarán, dejando a su paso evocadores batimientos audibles ocasionados por la reiterada interferencia entre esos sonidos sostenidos y los otros deslizantes.

En 'Slices' (2007), para violonchelo solo (Charles Curtis) y una orquesta formada por instrumentistas de cuerda y viento (miembros de la San Diego Symphony Orchestra), un cluster cromático de cincuenta y tres notas emergerá feroz y mantenido ante el violonchelista. Este, conocedor de que cada una de las cincuenta y tres notas ha sido asignada a un instrumentista en función de su tesitura, responderá iniciando de inmediato la interpretación de una secuencia melódica surgida de esa masa sonora. Con cada nota que Curtis ejecute, el músico orquestal al que ese sonido corresponda silenciará su instrumento. De esta manera, una vez recorridas las cincuenta y tres notas del cluster original, este quedará completamente apagado. Tras un instante de silencio, el solista reanudará su melodía aunque siguiendo aquí una ordenación distinta a la empleada en la primera ocasión. El proceso recomenzará ahora en sentido inverso: con cada nota ejecutada en el violonchelo, el músico de la orquesta al que ese sonido corresponda lo tocará de nuevo con ánimo de ir sumando, y así hasta que se complete el entramado inicial de cincuenta y tres notas. Lucier dispone que esta actuación de alternancia entre el apagado y la reaparición graduales del cluster se repita siete veces en total.

Por último, con 'Exploration of the House' (2005) el autor nos remite a algunas de sus anteriores creaciones musicales, especialmente la célebre 'I am sitting in a room' (1970), en las que exploró la actividad resonante de diversos espacios acústicos. Lucier tomará como punto de partida la música de otra renombrada obra como es, en este caso, 'La Consagración de la Casa' de Beethoven. De la partitura escogerá diecisiete breves fragmentos e invitará al director de la orquesta que debe interpretar su composición a que elija de ellos también una selección. Una vez obtenida esta, se ejecutará el primer fragmento en el espacio en cuestión (el auditorio de la Casa de Cultura de la ciudad de Ostrava, República Checa) y se registrará; la grabación resultante será allí reproducida y, asimismo, se volverá a grabar; esta se reproducirá de nuevo y, nuevamente se registrará; así seguirá la sucesión hasta que se alcance un punto de saturación tal que las frecuencias de resonancia de la sala en la que todo ello tiene lugar modifiquen sustancialmente los sonidos orquestales originales. El proceso descrito se repetirá con los restantes seis fragmentos de la selección efectuada por el director. Esta realización de 'Exploration of the House' corrió a cargo de la Filarmónica Janácek, dirigida por Petr Kotik, y fue presentada en concierto el 23 de agosto de 2005 en el mencionado auditorio.

"Orchestra Works" CD: 1. 'Diamonds for 1, 2, or 3 Orchestras' (1999, para tres orquestas; Janácek Philharmonic Orchestra; Christian Arming, Petr Kotik y Zsolt Nagy, directores); 2. 'Slices' (2007, para violonchelo y orquesta; Charles Curtis - violonchelo solo, Demarre McGill - flauta, Andrea Overtuf - oboe, Anthony Burr - clarinete, Valentin Martchev - fagot, Benjamin Jaber - trompa, John Wilds - trompeta, Kyle Covington - trombón, Jonathan Piper - tuba, Jeff Thayer - violín, Jisun Yang - violín, Che-Yen Chen - viola, Yao Zhao - violonchelo y Jeremy Kurtz-Harris - bajo; 3. 'Exploration of the House' (2005; Janácek Philharmonic Orchestra; Petr Kotik, director). El libreto del CD incluye un texto escrito por el propio Charles Curtis y notas biográficas de Lucier, Curtis, los tres directores de orquesta y la Janácek Philharmonic Orchestra.


Formato: CD; Duración total: 76:04

martes, 1 de octubre de 2013

Joseph Byrd: "NYC 1960-1963"

Joseph Byrd
NYC 1960-1963
(NW80738-2)

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Como compositor siempre fui ecléctico. De hecho, eso fue un impedimento a la hora de encontrar mi propia voz en la vanguardia, ya que cambiaba de estilo en casi cada pieza. (Joseph Byrd en una declaración contenida en el libreto del CD "The United States of America", Sundazed SC-11124, 2003).

Basta con echar una ojeada a la trayectoria del veterano compositor estadounidense para constatar, asimismo, la variedad de actividades e iniciativas en las que se ha implicado. Entre ellas: formar parte, en la década de los sesenta, de las escenas de experimentación artística de Nueva York y Los Ángeles; fundar los grupos de rock psicodélico The United States of America y Joe Byrd and the Field Hippies; arreglar y producir la música de diversas grabaciones para el sello Capitol Records; escribir también música para cine, radio, televisión y agencias de publicidad, y para artistas como Linda Ronstadt, Phil Ochs, Miles Anderson o Ry Cooder; diseñar el sonido de juguetes producidos por la compañía Mattel Inc., así como algunos componentes para los fabricantes de sintetizadores analógicos Tom Oberheim y Donald Buchla.

Además de formarse en las Universidades de Arizona y Stanford, Byrd tuvo ocasión de estudiar también con los compositores John Cage y Morton Feldman, y de ejercer brevemente como secretario del también compositor y crítico musical Virgil Thomson. En la Universidad de California Los Ángeles (UCLA) formó, junto al trompetista Don Ellis, el New Music Workshop con el que presentaron numerosas performances y conciertos de música experimental. Y en 1966 organizó el primer festival de artes experimentales de la Costa Oeste.

Por primera vez han quedado reunidas en un álbum, "NYC 1960-1963" (New World Records, 2013), una buena parte de las composiciones tempranas de Byrd. Obras de juventud realizadas durante sus tres años de residencia en Nueva York, desde 1960 a 1963, y que son fruto tanto de las enseñanzas recibidas de Cage y Feldman como de la influencia que tuvieron en él las ideas artísticas de algunos colegas y colaboradores suyos integrantes del movimiento Fluxus. A este último respecto conviene señalar que en esa época Byrd mantuvo una buena amistad con los músicos La Monte Young y Charlotte Moorman y que incluso la célebre artista Yoko Ono cedería su loft neoyorquino para que aquel pudiera presentar en concierto algunos de los trabajos incluidos precisamente en este registro. Música experimental magníficamente interpretada aquí por instrumentistas de la American Contemporary Music Ensemble y el percusionista Alan Zimmerman.

El CD incluye composiciones para piano preparado, 'Three Aphorisms' y 'Animals', esta última con el acompañamiento animado de cuatro instrumentos de cuerda y dos de percusión; el dueto de violonchelo y piano 'Loops and Sequences'; 'Densities I' para viola solo y cuatro instrumentos sopranos; un trío de violín, viola y violonchelo en dos movimientos; cuatro breves poemas sonoros dedicados, cada uno, a una mujer en activo en la escena artística experimental de Nueva York (la compositora Lucia Dlugoszewski, la pianista Judy Winkler, la poetisa Diane Wakoski y la chelista Charlotte Moorman); la creación electroacústica 'Water Music', combinando cinta y sonidos de percusión (escrita originalmente para ser ejecutada por Max Neuhaus); y, por último, el gracioso preludio a su ópera de cámara 'The Mystery Cheese-Ball' consistente en desinflar manualmente un conjunto de globos de goma lo más lentamente posible.

El libreto que acompaña al disco contiene varias fotografías y el texto del profesor de música Eric Smigel: "The Singularity of Sound in a Plurality of Vision: The Early Works of Joseph Byrd".

"NYC 1960-1963" CD: 1. 'Animals' (1961); 2. 'Loops and Sequences' (1961); 3 - 5. 'Three Aphorisms' (1960); 6. 'Densities I' (1962); 7. 'Four Sound Poems' (1962); 8 - 9. 'String Trio' (1962); 10. 'Water Music' (1963); 11. 'Prelude to The Mystery Cheese-Ball' (1961).


Formato: CD; Duración total: 62:30

martes, 26 de marzo de 2013

David Rosenboom: "In the Beginning"

David Rosenboom
In the Beginning
(NW80735-2)

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Compositor, intérprete y artista interdisciplinar, David Rosenboom (1947- ) es una de las figuras pioneras de la música experimental americana. A lo largo de su trayectoria ha explorado formas musicales de generación espontánea y lenguajes de improvisación, ha participado en colaboraciones artísticas interculturales, producciones de arte performativo y proyectos multimedia. También es autor de un modelo composicional denominado propositional music y ha desarrollado innovadoras técnicas de escritura para formaciones interpretativas, así como un interfaz musical que permite la interacción con el sistema nervioso humano. En la actualidad, Rosenboom sigue componiendo y ejerce como docente en la escuela de música del Instituto de las Artes de California.

"In the Beginning" es el tercer registro monográfico que New World Records dedica al compositor estadounidense. (Los otros dos fueron: "Future Travel", publicado en 2007, y "How Much Better if Plymouth Rock had Landed on the Pilgrims", aparecido en 2009).

Compuestas entre 1978 y 1981 para grupos instrumentales y solistas ejecutantes de música instrumental o electrónica, las ocho piezas que integran la serie "In the Beginning" constituyen un claro ejemplo de su idea de propositional music, esto es, de la voluntad del autor de equiparar el propio acto de componer con la elaboración de un modelo musical. Todas ellas son resultado del desarrollo de un lenguaje único basado en la utilización de proporciones armónicas simples. Así es, un conjunto de relaciones numéricas básicas regirán aquí la estructura esencial de las composiciones, si bien los intérpretes tendrán, en cualquier caso, la facultad de reaccionar expresivamente ante aspectos musicales cualitativos dimanantes de la propia ejecución de las mismas. Variaciones en la calidad tonal y contenido dinámico de la música que interpretan serán pues algunos de esos recursos expresivos que el compositor alentará al contemplar, en las propias partituras, diversas cualidades de índole emocional asociadas a la disciplina vertebradora de las ratios. En ocasiones, Rosenboom se servirá también de métodos estocásticos con los que definir transiciones regulares entre las distintas secciones que conforman cada uno de los trabajos de la serie.

El registro, en doble disco compacto, incluye dos realizaciones electrónicas captadas en vivo en 1979 y 1980 y seis trabajos instrumentales de estudio grabados en diversas sesiones en 2008, 2009 y 2012. La nómina de músicos la integran: David Rosenboom, Buchla & Associates 300 Series Electric Music Box, piano y ordenador; Mike Svoboda, trombón; William Winant, percusión; Erika Duke-Kirkpatrick, Aniela Perry, Derek Stein y April Guthrie, violonchelos; Quinteto de viento Midnight Winds; Jane Grothe, arpa; Jerónimo Rajchenberg, requinto, charango y muestras de coco banjo; David Rosenboom, piano; Amy Tatum, flauta; Claire Chenette, oboe; Andrew Leonard, clariente; Briana Lehman, fagot; Daniel Rosenboom, trompeta 1; Marissa Benedict, trompeta 2; Steven Suminsky, trombón; Doug Tornquist, tuba; Danny Holt, piano 1; Richard Valitutto, piano 2; Nicholas Terry, percusión 1; Matthew Cook, percusión 2; Andrew Tholl, violín; Mark Menzies, viola, Derek Stein, violonchelo, Maggie Hasspacher, contrabajo y David Rosenboom, director.

A la edición, le acompaña un libreto de treinta y seis páginas con un detallado análisis de la obra que firma el compositor Chris Brown, así como biografías, créditos y la reproducción gráfica de fragmentos pertenecientes a las partituras de la serie.

CD-1: 1. 'In the Beginning I: (Electronic)' (1978); 2. 'In the Beginning II: (Song of Endless Light + Sextet)' (1979); 3. 'In the Beginning III: (Quintet)' (1979).

CD-2: 1. 'In the Beginning: Etude I (Trombones)' (1979); 2. 'In the Beginning: Etude II (Keyboard-Plucked Strings)' (1980); 3. 'In the Beginning: Etude III (Keyboard & Two Oranges)' (1980); 4. 'In the Beginning IV: (Electronic)' (1980); 5. ˆ 10. 'In the Beginning V: (The Story)' (1981).


Formato: 2CD; Duración total: 127:00

martes, 28 de agosto de 2012

David Rosenboom: "Future Travel"

David Rosenboom
Future Travel
(NW80668-2)

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Compositor, intérprete y artista interdisciplinar, David Rosenboom (1947- ) es una de las figuras pioneras de la música experimental americana. A lo largo de su brillante trayectoria ha explorado formas musicales de generación espontánea y lenguajes de improvisación; ha participado en colaboraciones artísticas interculturales, producciones de arte performativo y proyectos multimedia. Es autor de un modelo composicional denominado propositional music y ha desarrollado innovadoras técnicas de escritura para formaciones interpretativas, así como un interfaz musical que permite la interacción con el sistema nervioso humano. En la actualidad, Rosenboom sigue componiendo y ejerce como docente en la escuela de música del California Institute of the Arts.

'Future Travel' (1981) fue la última de una serie de nueve piezas denominadas genéricamente In the Beginning que Rosenboom compuso entre 1978 y 1981. Asimismo fue una de las primeras creaciones musicales realizada primordialmente con un sintetizador digital, el Buchla Touché. Un innovador instrumento que permitía interpretar música experimental utilizando ritmos, afinaciones, timbres y texturas hasta ese momento inauditos. Combinando el Buchla Touché, el 300 Series Electric Music Box, piano, violín y diversos instrumentos de percusión, Rosenboom organiza una extensa expedición futurista en la que convergen felizmente, minimalismo, música estocástica, improvisación pianística y cierta estética pop. Tres de las siete secciones que constituyen 'Future Travel' incluyen la lectura de breves textos de Rosenboom a cargo de su esposa, la cantante y compositora Jacqueline Humbert. Por su parte, 'And Out Come the Night Ears' (1978), la otra pieza recogida en este registro, consiste en una enérgica improvisación pianística acompañada de sonidos electrónicos generados por el Buchla 300 Series Electric Music Box. Algunas veces pienso en el piano como si fuera una orquesta, y en esa ocasión el Buchla 300 me proporcionó un medio para expandir esa orquesta


"Future Travel" CD: 1. - 7. 'Future Travel' (Station Oaxaca, Time Arroyo, Corona Dance, Nazca Litoff, Desert Night Touch Down, Palazzo, Nova Wind); 8. 'And Out Come the Night Ears'. Toda la musica incluida en este CD fue compuesta, interpretada y producida por el propio David Rosenboom. La edición incluye un libreto de veinte páginas con un ensayo a cargo de Chris Brown, notas del propio compositor, biografías y créditos.

Formato: CD; Duración total: 72:06

lunes, 25 de junio de 2012

Annea Lockwood: "In Our Name"

Annea Lockwood
In Our Name
(NW80729-2)

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Nacida en Nueva Zelanda, Annea Lockwood (1939- ) se trasladó a Inglaterra en 1961, donde estudió composición en el Royal College of Music de Londres. Asistió también a cursos de verano en Darmstadt y completó su formación en Colonia y Holanda, estudiando música electrónica con Gottfried Michael Koenig.

Durante la década de los sesenta exploró las sonoridades del vidrio en "The Glass Concert" (1966-72) y las de pianos deteriorados en "Piano Transplants" (1967-72). Además colaboró con el poeta sonoro Bob Cobbing y empezó su gran Archivo de Ríos (1966-70), producción que con el tiempo derivó en los mapas sonoros de tres grandes ríos: el Hudson (1982), el Danubio (2005) y el Housatonic (2010). Invitada por la compositora Ruth Anderson, en 1973 se traslada a Estados Unidos para ejercer como docente en el Hunter College (CUNY). El acceso al estudio de música electrónica de ese centro y la oportunidad de formar parte de la escena de la música experimental de ese país, significaron un gran estímulo para ella. Desde entonces se han sucedido numerosos trabajos, entre otros: "World Rhythms" (1975), composición multicanal realizada con sonidos ambientales; "Thousand Year Dreaming" (1990), una suerte de ceremonia ancestral para múltiples instrumentos de viento y percusión; "Duende" (1998), una experiencia de transformación chamánica, escrita para voz barítono y cinta; y la obra encargo de la pianista Jennifer Hymer "Ceci n’est pas un piano" (2002), para piano amplificado, video, electrónica y sonidos grabados. Profesora emérita del Vassar College, en Nueva York, en la actualidad Lockwood sigue componiendo. Su música ha aparecido en grabaciones publicadas en sellos como Lovely Music, XI Records, Pogus Productions o EM Records.

"In Our Name" es el primer registro monográfico que la firma editorial estadounidense New World Records dedica a la compositora. El CD contiene tres de sus creaciones musicales más recientes.

Compuesta en 2007 para la coreografía "eyeSpace", perteneciente a la compañía de danza de Merce Cunningham, 'Jitterbug' combina interpretación en vivo, manipulación electrónica y sonidos grabados. Aunque originalmente fue concebida para dos intérpretes, un mezclador y cinta, la versión incluida aquí cuenta con las ejecuciones musicales de tres músicos: John King (guitarra eléctrica, viola y procesamiento), David Behrman (cítara, salterio, carraca, rainstick y procesamiento) y William Winant (birimbao, tamtan, timbales, gongs, platillos y otros pequeños instrumentos de percusión). Debidamente instruidos para llevar a cabo una especie de improvisación guiada, estos tocarán sus respectivos instrumentos interpretando una partitura gráfica que consiste únicamente en una serie de fotografías de gran formato reproduciendo piedras encontradas y recogidas por la compositora en el lecho de un riachuelo, en Montana Rocky Mountains. Con el propósito de establecer diálogos con esas ejecuciones musicales, de por sí ricas en matices tímbricos, Lockwood elaboró asimismo una cinta, distribuida en seis canales de audio, conteniendo sonidos de tamtan, gongs y piano, así como grabaciones de insectos acuáticos y terrestres.

Además de dar título al álbum, 'In Our Name' (2009-10) surge por encargo del cantante Thomas Buckner, quien además es intérprete en la pieza junto al violonchelista Theodore Mook. Con ella, la compositora rinde homenaje a todas aquellas personas que por un motivo u otro han visto, en alguna ocasión, vulnerados sus derechos fundamentales. En concreto, refiere aquí los casos de Jumah al-Dossari, Emad Abdullah Hassan y Osama Abu Kabir, tres ciudadanos de Bahréin, Yemen y Jordania respectivamente, cuyas vidas resultaron truncadas al ser detenidos injustamente como sospechosos terroristas y posteriormente encarcelados y torturados en Guantánamo. Durante su reclusión allí, los tres expresaron su desesperación y terribles experiencias mediante breves relatos poéticos. Tres poemas que Lockwood utilizará como material básico de la composición: La principal motivación para llevar a cabo este trabajo tuvo su origen en el hecho de que, tanto Tom (Buckner) como yo misma, sentimos que estábamos oyendo mucha información y desinformación acerca de los prisioneros y que, por el contrario, las voces decisivas, las de éstos, eran desoídas.

Acompañando a Buckner en el canto de uno de los poemas, 'Brothers, bear the weight', y en la recitación melodramática de los otros dos, 'Death Poem' e 'Is it true?', el violonchelo de Mook fundamentalmente subrayará su expresividad, permaneciendo atento sin embargo a la sobriedad general que la obra parece demandar. De nuevo, Lockwood combina música en vivo con material pregrabado. En esta ocasión, la cinta contiene sonidos de los propios intérpretes, la ocasional aparición de una transmisión radiofónica de onda corta, las voces de los músicos Bill Hart y Bruce Odland, y un fragmento musical de didjeridu, ejecutado por Stuart Dempster en la pieza 'Didjerilayover' de su disco "Underground Overlays from the Cistern Chapel" (New Albion Records, 1995).

Cierra el programa, 'Thirst', creación electroacústica pura concebida para cinta de cuatro pistas. Compuesta en 2008, la obra básicamente contrasta el alboroto captado en la Gran Estación Central de Ferrocarriles de Nueva York, en horas punta, con la serenidad dimanante del testimonio oral de la escultora libanesa Simone Fattal al relatar recuerdos de su infancia en los jardines de la casa de sus abuelos, en la ciudad de Damasco. Según Lockwood: esas memorias crean un refugio para la mente ante el omnipresente ruido de la crisis que nos rodea.

A lo largo de la alternancia entre ambos ambientes, la compositora agregará también otros sonidos grabados diversos: los de una canción de amor serbia titulada 'Jutros mi je ruza procvetala', los producidos al pasar las páginas de un libro manuscrito de la época medieval, los que Bruce Odland obtuvo al tocar algunos de los originales instrumentos diseñados y construidos por los hermanos Baschet y, finalmente, resonancias de gong y piano. 'Thirst' fue un encargo del centro estadounidense de producción artística Issue Project Room.

"In Our Name" CD: 1. 'Jitterbug' (2007); 2. 'In Our Name' (2009-10); 3. 'Thirst' (2008). Al CD le acompaña un libreto de dieciséis páginas con notas escritas por la profesora de Historia de la Música y Literatura Sabine Feisst, fotografías de dos de las piedras utilizadas en la partitura de 'Jitterbug', la transcripción de los tres poemas incluidos en 'In Our Name', créditos y biografías de la compositora e intérpretes.


Formato: CD; Duración total: 60:51

lunes, 12 de marzo de 2012

John Bischoff: "Audio Combine"

John Bischoff
Audio Combine
(NW80727-2)

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Compositor, intérprete y profesor, John Bischoff (1949- ) ha sido una figura destacada en la escena de la música experimental de San Francisco desde finales de los años setenta del pasado siglo. Estudió composición con Robert Moran, James Tenney y Robert Ashley. Junto a Jim Horton y Rich Gold fundó, en 1978, The League of Automatic Music Composers, considerada como la primera formación de música electrónica que utilizó diversos ordenadores conectados en red. Posteriormente fundó también The Hub, otro grupo similar con el que ha actuado desde 1985. Sus trabajos han sido presentados en conciertos en Estado Unidos y Europa y, además, cuenta con grabaciones publicadas en sellos como Artifact Recordings, 23Five y Lovely Music. En 1999, la Fundación para las Artes Contemporáneas en Nueva York reconoció su obra musical, otorgándole un premio dotado con 25.000 dólares. En la actualidad, sigue componiendo y ejerce como profesor asociado de música en el Mills College, en Oakland, California.

Más allá de su importante contribución al desarrollo de diversas herramientas informáticas destinadas a la ejecución de música electrónica en vivo, así como a la creación de formaciones musicales cuyos miembros actúan interconectados en redes de ordenadores y sintetizadores, Bischoff es además un magnífico compositor. Una buena prueba de ello la tenemos en su último registro, "Audio Combine".

Publicado en New World Records este 2012 y grabado en la sala de conciertos Littlefield, del mencionado Mills College, en enero de 2010 y mayo de 2011, el CD incluye una selección de cinco trabajos electrónicos pertenecientes a su producción más reciente. Creaciones musicales surgidas de la investigación y el ejercicio empírico y a las que el propio autor se ha referido, en ocasiones, como análogas a esculturas sonoras. Una música que reconoce elaborar desde el análisis y uso de las características intrínsecas del medio electrónico a su alcance: componentes de ruido de alta definición, márgenes tonales, imperfecciones, transiciones, matización digital y movimiento no lineal. Cualidades, todas o varias de ellas, evolucionando en el contexto variable de la interpretación en vivo.

A diferencia de otros compositores electroacústicos que en su habitual proceder emplean los sonidos ejecutados en instrumentos convencionales u otras fuentes acústicas con el propósito exclusivo de expandir los matices tímbricos de esos instrumentos o fuentes, Bischoff parece renunciar aquí a esta posibilidad. En su lugar, propone integrar ese material acústico en sus sistemas electrónicos e interactuar con él, de tal manera que cualquier sonido originado en la interpretación de un instrumento o en la manipulación de un objeto sea analizado en tiempo real y desencadene, por su parte, una respuesta autónoma en forma de nuevo sonido electrónico. En "Audio Combine" el principal valor composicional a considerar radica fundamentalmente en lo que Ed Osborn, en el ensayo contenido en libreto del CD, denomina como contrapunto expandido. Efectivamente, cualquier réplica electrónica generada por el sistema dará pie una vez más a la yuxtaposición de nuevos eventos interpretativos, y así continuará el proceso hasta que el compositor de por finalizada cada pieza.

Osciladores, una campana de juguete, una caja de música, un ukelele desafinado, un tambor de mano, un circuito analógico denominado crackle box, campanas acústicas y sintetizadas, una vara de metal amplificada y varios sistemas electrónicos informatizados, son básicamente los instrumentos y objetos generadores del material sonoro que Bischoff utiliza en estas realizaciones. Sonidos que, en definitiva, trata y combina con asombroso esmero.

"Audio Combine" CD: 1. 'Audio Combine' (2009); 2. 'Sidewalk Chatter' (2010); 3. 'Local Color' (2004); 4. 'Decay Trace' (2006); 5. 'Surface Effect' (2011). El CD viene con un libreto de dieciséis páginas incluyendo el ensayo de Ed Osborn 'Things Which Are Imperfect, and Things to Which the Term Imperfect Does Not Apply', una nota biográfica y créditos de la producción.


Formato: CD; Duración total: 60:00

lunes, 2 de agosto de 2010

David Dunn: "Autonomous and Dynamical Systems"



David Dunn
Autonomous and Dynamical Systems
(NW80660-2)

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El compositor y artista sonoro David Dunn nace en San Diego, California, en 1953. Desde 1970 a 1974 fue asistente del célebre músico y creador Harry Partch. Miembro asimismo de la Harry Partch Ensemble durante algo más de una década, Dunn cuenta además con una extensa trayectoria creativa que abarca la composición para cine y vídeo, música experimental y electroacústica, trabajos instalativos, creación radiofónica e investigación bioacústica y paisajística. Una destacada producción, a menudo regida por su recurrente idea de considerar la música como fuente comunicativa con el entorno viviente. Sus composiciones y grabaciones ambientales han sido objeto de análisis y debate en numerosos foros internacionales y presentadas en conciertos y emisiones radiofónicas. En 1992 organizó en la ciudad austríaca de Linz, "Eigenwelt der Apparate-welt", una ambiciosa exposición retrospectiva a propósito de la historia del arte electrónico. Además, es autor de "Music, Language and Environment", un CD-ROM publicado en 1999 que documenta con sonidos, imágenes, partituras y escritos, el desarrollo y principales logros de su carrera artística, hasta ese momento, de treinta años. En la actualidad, Dunn sigue componiendo, ejerce como profesor del Programa de Música Contemporánea en el College of Santa Fe (Nuevo México) y preside el Laboratorio del Arte y la Ciencia en esa misma ciudad.
"Autonomous and Dynamical Systems", publicado en New World Records en 2007, constituye el séptimo álbum del compositor estadounidense y contiene cuatro originales trabajos electroacústicos producidos entre 1999 y 2006. El primero de ellos lleva por título
'Lorenz' y surge de la colaboración de Dunn con el científico del caos James Crutchfield. Combinando una serie de osciladores electrónicos con una interconexión entre el programa para la exploración de ecuaciones del caos 'MODE' (Multiple Ordinary Differential Equations) y otro destinado a la síntesis de sonido, Dunn dispone un espacio acústico asombroso. A lo largo de algo más de veinte minutos, múltiples y delicados rugidos, gemidos y silbidos electrónicos inundan ese espacio en un sugestivo y autónomo vaivén hecho sólo para la observación y deleite del oyente. En ese juego musical de correspondencias entre procesos matemáticos y ejercicios de síntesis sonora, Dunn propone en 'Nine Strange Attractors' otra nueva realización. Utiliza nuevamente el programa ‘MODE’ y, en esta ocasión, exhibe, durante veinte minutos exactos, el comportamiento imprevisible de nueve ecuaciones del caos (Duffing, Lorenz, nScroll, Owl, Pendulum, ProtoLorenz4, Rikitake, Rossler y Van der Pol), cada una ellas dueña de su particular universo de sonidos.
'Autonomous Systems: Red Rocks' (2003) es, hasta la fecha, el resultado más reciente de una larga serie de trabajos en los que el compositor explora aspectos de la actividad intercomunicativa en entornos naturales. Concebida a modo de instalación al aire libre y valiéndose de micrófonos y un discreto sistema informático con los que captar y procesar información acústica de un determinado entorno para luego devolverla a ese mismo lugar, Dunn propicia un revelador y felizmente caótico sonar, protagonizado fundamentalmente por aves, insectos y múltiples destellos electrónicos. Por último, 'Gradients' cierra este audaz repertorio electroacústico con una sucesión de tres palíndromos auditivos para sonidos generados por ordenador, todos ellos basados en una transformación estructural común de tres imágenes gráficas diferentes. Dunn emplea un simple programa freeware destinado a la conversión de información gráfica en sonido para acabar creando, en una sola pieza, tres misteriosos ambientes cargados de vigorosas y, en su mayoría, ondulantes texturas electrónicas en permanente diálogo.

"Autonomous and Dynamical Systems" CD:
1. 'Lorenz' (2005); 2. 'Autonomous Systems: Red Rocks' (2003); 3. 'Nine Strange Attractors' (2006); 4. 'Gradients' (1999). La edición incluye un libreto de dieciséis páginas con un ensayo a cargo de Warren Burt y notas del propio compositor.

Formato: CD; Duración total: 67:24

lunes, 5 de julio de 2010

Charles Dodge: "A Retrospective (1977-2009)"



Charles Dodge
A Retrospective (1977-2009)
(NW80701-2)

15,95 EUR más gastos de envío - Pídelo

Alumno de Richard Herving y Philip Bezanson en la Universidad de Iowa, de Darius Milhaud en Aspen, y de Gunther Schuller en Tanglewood, Charles Dodge (1942- ) lleva componiendo música con ordenador desde mediados de los años sesenta. Integrado en el departamento de música de la Universidad de Columbia, ejerció como docente entre 1970 y 1980. Posteriormente, fundó el Centro para música con ordenador del Brooklyn College, en la City University de Nueva York y durante dieciséis años fue también profesor visitante en el Dartmouth College. Conocido fundamentalmente por sus múltiples trabajos electroacústicos que incorporan síntesis de la voz hablada y por su serie de composiciones que combinan música con ordenador e interpretación instrumental o vocal, Dodge es además autor, junto a Thomas A. Jerse, del libro "Computer Music: Synthesis, Composition and Performance" (1985, Schirmer Books). Su música ha sido grabada en sellos como Nonesuch, CRI, New Albion, Wergo, Neuma Recordings y New World Records. En la actualidad, Dodge sigue componiendo y vive en Putney, Vermont, lugar en el que regenta con su esposa Katherine las bodegas Putney Mountain Winery.

"A Retrospective (1977-2009)" es una reciente grabación monográfica del compositor americano con tres de sus destacadas producciones electroacústicas. La primera y más extensa de ellas es 'Cascando', una realización basada en la obra radiofónica de mismo título, creada por Samuel Beckett en 1963. Escrita originalmente en francés y con música de Marcel Mihalovici, 'Cascando' constituye un inquietante relato de tono existencialista que gira en torno a tres personajes: Opener, Voice y Music. En la versión que nos ocupa, la que Dodge finalizó en 1977 tras un periodo de cinco años de producción, Opener, interpretado en la excelente voz del actor John Nesci, es algo así como la autoridad que discrecionalmente abre, concluye o incluso interrumpe las apariciones de los otros dos personajes; Voice, en la voz sintetizada del también actor Steven Gilborn, representa al creador desconsolado que intenta desesperadamente contar y sobre todo completar una historia, la historia de un aventurero desafortunado llamado Woburn; por último, Music carece de atribución específica y acaso puede simbolizar la sombra de Voice con una mezcla de resonancias electrónicas obtenidas precisamente de su propia intervención. Los tres personajes habitan, no con fácil acomodo, en un discurso musical aparentemente monótono, realizado desde una omnipresente austeridad composicional y evocando esa atmósfera de desesperación serena que el texto beckettiano parece abrazar.

Por su parte,
'Fades, Dissolves, Fizzles' fue compuesta en 1995 por encargo del Groupe de Musique Experimentale de Bourges. Según cuenta Dodge, la pieza discurre a lo largo de cinco secciones e incluye tres únicos elementos musicales: acordes, tintineos y gamelan. Elementos que aquí compartirán un mismo origen: todos los intervalos armónicos y melódicos de la pieza parten de una sola serie armónica. De delicadísima factura y vocación eterna, 'Fades Dissolves, Fizzles' es un nuevo ejemplo de su elegancia organizativa y recurrente austeridad en el manejo del material sonoro. Escrita en 2009 para violín y ordenador, 'Violin Variations' concluye este interesante CD retrospectivo de Dodge. La obra consta de cuatro breves movimientos e incide nuevamente en la microtonalidad, vinculando todo su desarrollo a una misma escala de treinta y un tonos. Una sugestiva textura electrónica hecha de discretos sonidos metálicos acompañará en todo momento al violín interpretado por Baird Dodge, hijo de nuestro protagonista. Con la excepción del tercer movimiento, de mayor expansión lúdica, la pieza fluye sosegada en un diálogo musical de concordia, cercano a la meditación.

"A Retrospective (1977-2009)" CD:
1. 'Cascando' (1977); 2. 'Fades, Dissolves, Fizzles' (1995); 3. - 6. 'Violin Variations' (2009). La edición incluye un libreto de doce páginas con un breve ensayo a cargo de Frances White y notas biográficas de Charles y Baird Dodge.

Formato: CD; Duración total: 55:18