Mostrando entradas con la etiqueta electroacústica. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta electroacústica. Mostrar todas las entradas

jueves, 9 de febrero de 2012

Pete Stollery: "Scènes"

Pete Stollery
Scènes
(IMED11111)

15,95 EUR más gastos de envío - Pídelo

Pete Stollery (Halifax, Reino Unido, 1960) estudió composición con Jonty Harrison en la Universidad de Birminghan y fue uno de los primeros integrantes del grupo de música acusmática BEAST (Birminghan ElectroAcoustic Sound Theatre). A lo largo de su carrera ha colaborado con artistas adeptos a otras disciplinas, particularmente a la danza y a la escultura, y ha desarrollado el diseño acústico de espacios como Dynamic Earth (Edimburgo), Magna (Rotherham) y St Patrick World, en Downpatrick (Irlanda del Norte). Stollery es además profesor de composición y música electroacústica y director del Estudio de Música Electroacústica de la Universidad de Aberdeen (Escocia). En 1996, junto a Alistair MacDonald, Robert Dow y Simon Atkinson, fundó invisiblEARts, un colectivo de artistas dedicado a difundir la música acusmática producida por compositores escoceses.

Cinco años después de la aparición de su primer álbum de creaciones electroacústicas, "Un son peut en cacher un autre", en empreintes DIGITALes (IMED 0678, 2006), la firma editorial quebequesa repite con la publicación de este nuevo CD del compositor y artista sonoro inglés. "Scenes" contiene seis nuevas obras producidas en estudios en Escocia y Francia entre 2004 y 2007. Tres de ellas, 'Still Voices', 'Resound' y 'Fields of Silence', surgen como complemento de su Gordon Soundscape, proyecto con el que Stollery aspira a trazar un exhaustivo mapa de sonidos del antiguo distrito Gordon en Aberdeenshire, Escocia. Concebidas como piezas acúsmaticas, 'Still Voices' y 'Fields of Silence' exploran respectivamente los entornos acústicos de una destilería y de unos campos de cosecha sitos en el citado distrito. Por su parte, el testimonio oral de algunos habitantes de Aberdeenshire acerca de su paisaje sonoro sirvió al autor en la realización de 'Resound', creación presentada a la vez como documental y proyecto instalativo.

'Back to Square One' abre el disco con una original composición a propósito del énfasis y musicalidad inherentes al relato radiofónico y televisivo en algunos eventos deportivos. Los sonidos proferidos por algunos locutores y comentaristas así como otros producidos por una serie de aficionados parisinos celebrando el pase de Francia a la final del Mundial del Fútbol de 2006, constituyen el material básico con el que cuenta Stollery para mostrar su incuestionable maestría en el uso de los recursos morfológicos. Compuesta para ser incluida en la producción teatral Standing Wave (Reeling & Writhing y Tron Theatre Company, 2004), 'Serendipities and Synchronicities' rinde homenaje a la desaparecida creadora inglesa Delia Derbyshire, pionera en la composición de música electrónica y autora, entre otras obras, del tema de la conocida serie televisiva Dr Who. Manejando, entre otras fuentes, varios fragmentos de realimentación electroacústica sujetos a ligeras modificaciones tímbricas, el crujido que emana de la reproducción de discos de vinilo y alguna que otra referencia al repertorio musical de Derbyshire, Stollery propone aquí un breve encuentro con el pasado sugiriendo la atmósfera y sonoridades del ya mítico BBC Radiophonic Workshop. Por último, en 'Scènes, rendez-vous' acompañamos al artista en un dilatado paseo sonoro por las calles de París, desde Boulevard Périphérique hasta la basílica Sacré-Coeur. Alternando con elegancia grabaciones ambientales de los lugares transitados ('escenas') y elaboraciones acusmáticas de esos mismos sonidos ('episodios'), Stollery rememora aquí el corto cinématográfico C'était un rendez-vous, del realizador Claude Lelouch, coincidiendo con el itinerario que el protagonista de la película, un Ferrari 275 GTB, recorrió en ella a velocidad vertiginosa en 1976.

Formato: CD; Duración total: 66:44

viernes, 27 de enero de 2012

Tod Dockstader & David Lee Myers: "Pond"

Tod Dockstader & David Lee Myers
Pond
(ReR TDDM1)

16,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

Figura pionera de la música concreta, Tod Dockstader (Minnesota, 1932) cuenta con una dilatadísima aunque intermitente trayectoria como compositor e ingeniero de sonido. Ya desde sus primeros montajes sonoros, llevados a cabo a finales de los años cincuenta en los estudios de grabación Gotham, Dockstader haría gala de una constante vocación autodidacta y de una admirable, casi obsesiva, minuciosidad organizativa. "Luna Park" (1961), "Quatermass" (1964) y el ciclo "Aerial" (2003) son algunas de sus creaciones electroacústicas más destacadas. Por su parte, el artista sonoro y visual David Lee Myers (1949- ) lleva produciendo música electrónica basada en sistemas de realimentación acústica desde 1987. Primero bajo el seudónimo Arcane Device y más recientemente utilizando su propio nombre, Myers es autor de una veintena de grabaciones y ha colaborado con músicos y artistas como Ellen Band, Asmus Tietchens y Thomas Dimuzio.

Publicada en 2004 por ReR Megacorp, "Pond" es fruto de la primera colaboración musical entre ambos creadores. Una formidable obra electroacústica concebida en trece secciones y que parte de una serie de grabaciones ambientales que Myers y Dockstader realizaron en distintas charcas y arroyos. Su idea consistió en la captación de los sonidos producidos por animales que habitan en esos entornos, particularmente ranas y sapos, con el propósito de utilizarlos como material esencial de sus exploraciones. Sometidos a ejercicios de severa transformación electrónica, esos sonidos naturales alcanzaron así una dimensión inaudita. Sin embargo, lejos de erigirse en un simple catálogo de sonidos extravagantes, "Pond" despliega una lógica musical asombrosa, repleta de matices tímbricos e hipnóticos apuntes rítmicos; un imaginario acústico representado con motivos recurrentes y de singular belleza. Myers y Dockstader han logrado crear un misterioso y, en ocasiones, alucinante universo de sonido que exhibe un grado imponente de intensidad y complejidad (Bill Tilland – BBC Review). 

"Pond" CD: 1. 'Crepitata'; 2. 'Slow Marsh'; 3. 'Horsefly'; 4. 'Chorus'; 5. 'Surge'; 6. 'Glottalk'; 7. 'Assembly'; 8. 'Twango'; 9. 'Swarm'; 10. 'Bellpool'; 11. 'Springers'; 12. 'Pterygota'; 13. 'Corridor'. La edición incluye un libreto de ocho páginas con la transcripción de una de las conversaciones que mantuvieron ambos artistas a propósito de la realización de la obra.

Formato: CD; Duración total: 63:37

miércoles, 18 de enero de 2012

David Rosenboom: "How Much Better if Plymouth Rock Had Landed on the Pilgrims"

David Rosenboom
How Much Better if Plymouth Rock Had Landed on the Pilgrims
(NW80689-2)

23,75 EUR más gastos de envío - Pídelo

Compositor, intérprete y artista interdisciplinar, David Rosenboom (1947- ) es una de las figuras pioneras de la música experimental americana. A lo largo de su brillante trayectoria ha explorado formas musicales de generación espontánea y lenguajes de improvisación; ha participado en colaboraciones artísticas interculturales, producciones de arte performativo y proyectos multimedia. Es autor de un modelo composicional denominado propositional music y ha desarrollado innovadoras técnicas de escritura para formaciones interpretativas, así como un interfaz musical que permite la interacción con el sistema nervioso humano. En la actualidad Rosenboom sigue componiendo y ejerce como docente en la escuela de música del California Institute of the Arts.

La presente edición en doble disco compacto contiene realizaciones recientes de las nueve secciones de "How Much Better if Plymouth Rock Had Landed on the Pilgrims", una singular creación que Rosenboom compuso y desarrolló entre 1969 y 1971. Documentada por primera vez en su totalidad, "...Plymouth Rock..." abraza diversos estilos musicales e influencias y fue concebida como una ambiciosa composición basada en la prescripción de procesos evolutivos y una intensa actividad de colaboración con experimentados músicos. Como el propio Rosenboom indica al referirse a 'Section V (humanity)', la sección más extensa y posiblemente más popular de la obra: requiere que los músicos aprendan a tocar una serie de patrones melódicos con tremenda fluidez y agilidad y trabajen con ellos hasta que emerja la forma y estructura derivada de la escucha compartida y el ejercicio interpretativo. Ragas indios, minimalismo, jazz, rock e improvisación libre, se dan cita en una aventura musical que tiene su inspiración en el medio electrónico y que evoluciona gradualmente con la integración de instrumentos acústicos y virtuosas interpretaciones. "...Plymouth Rock..." es una obra magna que demuestra que un proceso que comienza con un circuito electrónico, en el transcurso de cuarenta años, puede llegar a codificarse, ejercitarse y permutarse para abarcar un mundo entero de estilos musicales, técnicas y experiencias. (Chris Brown)

"How Much Better if Plymouth Rock had Landed on the Pilgrims" CD1: 1. 'Section I esential tension to universe' (Erika Duke-Kirkpatrick, violonchelos); 2. 'Section II symmetrical harmonies in chaotic orbits' (David Rosenboom, electrónica y ordenador); 3. 'Section III world' (Vinny Golia, saxofones contrabajo); 4. 'Section IV life' (Erika Duke-Kirkpatrick, violonchelos; Vinny Golia, instrumentos de viento; David Rosenboom, grabaciones de campo); 5. 'Section V humanity' (Swapan Chaudhuri, tabla; Vinny Golia, instrumentos de viento; Aashish Khan, sarode; Daniel Rosenboom, trompeta; David Rosenboom, piano y ordenador; I Nyoman Wenten, pemade). CD2: 1. 'Section VI culture' (las bandas de rock PLOTZ y DR. MiNT); 2. 'Section VII impression' (David Rosenboom, piano; I Nyoman Wenten, pemade; William Winant, jegog y calung); 3. 'Section VIII unification' (Daniel Rosenboom, trompetas; David Rosemboom, piano, órgano y ordenador); 4. 'Section IX links' (David Rosenboom, piano y ordenador; I Nyoman Wenten, kendang; William Winant, marimba. La edición cuenta con un libreto de treinta páginas que incluye ensayos de Chris Brown y Sande Cohen a propósito de la pieza, así como notas biográficas del compositor e intérpretes.

Formato: 2CD; Duración total: 117:26


miércoles, 2 de noviembre de 2011

Jon Rose: "Perks"



Jon Rose
Perks
(ReR JR3)

16,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

De formación esencialmente autodidacta, el músico y compositor Jon Rose (1951- ) cuenta con una trayectoria artística admirable. Guiado por una particular concepción de arte total en torno al violín, ha llevado a cabo numerosos proyectos encaminados a la exaltación de su instrumento de instrumentos. Ha sido una figura clave en el desarrollo de la improvisación libre en Australia y la lista de sus colaboraciones musicales es interminable. Su nombre aparece en más de sesenta grabaciones y, entre otros muchos artistas y músicos, ha trabajado con Derek Bailey, Alvin Curran, Evan Parker, David Moss o Christian Marclay. Rose es asimismo autor de una treintena de obras radiofónicas y dos libros, "The Pink Violin" y "Violin Music in the Age of Shopping", publicados en NMA Publications, Melbourne. Desde 2008, colabora con Robin Fox en el proyecto Transmission, una iniciativa destinada a la investigación y desarrollo de tecnologías y planteamientos de interacción interpretativa en entornos con precarias condiciones para la circulación y transferencia de información.

Aparecido en ReR Megacorp, este registro constituye la versión en estudio de "Perks", una singularísima performance producida en 1995 en el conocido centro holandés para la música electrónica en vivo STEIM. Curiosamente, Rose concibió la obra como un partido de bádminton interactivo en el que la cancha de juego representaría el cerebro humano y los dos jugadores, cada uno de los hemisferios de éste. Aquí, el cerebro era el de Percy Grainger (1882-1961), pianista y compositor australiano al que Rose se refiere como el creador de algunas de las más ingeniosas y bellas innovaciones en la música del siglo XX y, al mismo tiempo, como un individuo capaz de la más deprimente intolerancia racial. De hecho, más allá de evocar, en cierto modo, la dimensión mas física de la música y asimismo celebrar el empleo de la tecnología, "Perks" sobre todo indaga en aspectos del fascinante y controvertido legado dejado por Grainger (el libreto del CD contribuye asimismo a tal propósito al incluir un interesante perfil del personaje y la transcripción de unas cartas que éste envío a principios del pasado siglo a su amante Karen Holten y otras a su madre Rose Grainger).

Una serie de micrófonos de contacto y acelerómetros ubicados en las raquetas de cada uno de los jugadores así como en la red de la pista, incidirán en el desarrollo de una trepidante composición que cuenta con múltiples ingredientes musicales. Además del violín y la voz de Rose, "Perks" incluye las contribuciones de Stevie Wishart (zanfonía), Butch Morris (corneta) y Phil Minton (voz). Con un sintetizador analógico controlado por ordenador, el artista Rainer Linz participa también ofreciendo diversas representaciones digitales de instrumentos encontrados en el museo autobiográfico que Grainger tiene en Melbourne. Elise Lorraine, por su parte, pone voz a los pensamientos de los jugadores (Tom Demeyer y Frank Baldé) e interpreta algunas secuencias adicionales de piano y armonio. Completan la colección de sonidos utilizados en la obra, un brevísimo fragmento de la voz de Grainger y otro correspondiente a una canción folclórica maorí que él mismo grabó en las Islas Cook, supuestamente en 1908.

Como el propio Grainger, "Perks" deconstruye un amplio abanico de vocabularios musicales basados en elementos a menudo dispares... desde una melodía tradicional irlandesa a una caótica versión del concierto para piano de Grieg. (Jon Rose)

"Perks" CD: 1. 'Intro Game'; 2. 'Game 1'; 3. 'Game 2'; 4. 'Game 3'; 5. 'Game 4'; 6. 'Game 5'; 7. 'Piano Pedal Missionary'; 8. 'Game 6'; 9. 'Game 7 S & M'; 10. 'Game 8'; 11. 'Porridge'; 12. 'Butch’s Badmo'; 13. 'J.R.’s Badmo'; 14. 'Grieg’s Old Warhorse'; 15. 'Country Games 9'; 16. 'Game 10'; 17. 'Game 11'; 18. 'Phil's Badmo'; 19. 'Free Irish'; 20. 'End Game'; 21. 'A Bit From The Steim Badmo Concert 27/4/95'.

Formato: CD; Duración total: 55:46

lunes, 4 de abril de 2011

Henri Pousseur: "Parabolique d'Enfer"



Henri Pousseur
Parabolique d'Enfer
(SR318)

16,55 EUR más gastos de envío - Pídelo

El compositor Henri Pousseur (1929-2009) cursó estudios musicales en los Conservatorios de Lieja y Bruselas. Desde 1950 participó activamente de la escena musical de vanguardia junto a Luciano Berio, Pierre Boulez y Karlheinz Stockhausen, entre otros. Asistió a los célebres cursos de Darmstadt y también trabajó en los estudios de música electrónica de Colonia y Milán. A partir de 1960, Pousseur decidió prescindir de ciertas ataduras estilísticas de la época y reformuló su propio discurso composicional. Época en la que conoció al escritor y polifacético creador francés Michel Butor con quien colaboró en obras tan destacadas como "Votre Faust" (1961-68) o "La Rose Des Voix" (1982). Pousseur contó también con una importante actividad docente que desarrolló en Conservatorios, Universidades y centros pedagógicos de Alemania, Suiza, Bélgica, Francia y Estados Unidos. Además de su importante repertorio musical (unas 180 obras de estilos diversos), fue autor de numerosos artículos y varios libros. Alejado de sus empleos oficiales, desde 1994 vivió retirado junto a su esposa Théa Schoonbrood en la localidad de Waterloo.

"Parabolique d'Enfer" es el sexto de una serie de ocho registros que el sello Sub Rosa viene dedicando, desde el año 2000, a la producción experimental y electrónica del compositor belga. Además, esta grabación completa la publicación, junto a "8 Etudes Paraboliques" (1972; SR174, 2001) y "Four Parabolic Mixes" (2001; SR199, 2002), de su trilogía de composiciones parabólicas.

Realizada en 1992 en la Universidad de Colonia, esta última entrega constituye la versión estereofónica de una creación compuesta originalmente para ocho pistas, en la que combina elementos de sus iniciales estudios de 1972 con material sonoro surgido de otro de sus proyectos ambiciosos, "Leçons d’Enfer". En 1991, conmemorando el centenario de la muerte del célebre poeta Arthur Rimbaud, Pousseur presentó "Leçons d'Enfer" como una extensa pieza músico-teatral concebida para dos actores, tres cantantes, ocho músicos (clarinete, saxofón alto, tuba, arpa, piano y dos percusiones), dispositivos electroacústicos y cintas con grabaciones ambientales y fragmentos de música tradicional etíope. Fueron precisamente estas grabaciones y fragmentos los que el compositor rescató en "Parabolique d'Enfer" para engalanar un asombroso
tour de force musical nutrido principalmente de vigorosos sonidos sintetizados. Modulados y doblegados obsesivamente a lo largo de la obra, esos sonidos parecerían evocar del mismo modo el universo endiablado de Rimbaud como los efectos de una posible experiencia psicodélica. "Parabolique d'Enfer" CD: 1. - 13. 'Parabolique d’Enfer'.

Formato: CD; Duración total: 78:01