lunes, 16 de mayo de 2011

Félix Ibarrondo: "L'oeuvre pour piano"



Félix Ibarrondo
L'oeuvre pour piano
(espacio sinkro 04)

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Félix Ibarrondo nace en Oñati, el 12 de junio de 1943, en el seno de una familia de tradición musical. Realiza sus primeras lecciones de solfeo y armonía con su padre Antonio. Posteriormente y junto a estudios de filosofía y teología, trabaja la composición musical con Juan Cordero Castaños. Obtuvo los diplomas de piano y composición en los Conservatorios de San Sebastián y Bilbao. En París, donde reside desde 1969, tuvo como profesores a Max Deutsch, Henri Dutilleux y Maurice Ohana. En esa misma ciudad se inició también en la música electroacústica en el marco del Groupe de Recherches Musicales. Su abundante y variada obra, en la cual prevalecen la música orquestal y vocal, ha sido interpretada por numerosos conjuntos e intérpretes como la Nouvel Orchestre Philharmonique de Radio France, la Orquesta Nacional de España, la Ensemble Intercontemporain, el Cuarteto Arditti, Jean-Claude Pennetier, Pierre Strauch o Alfonso Gómez. Entre los diversos galardones recibidos a lo largo de su carrera, destacan el "Óscar Esplá" y el "Lili et Nadia Boulanger de l'Académie française".

El sello Espacio Sinkro Records dedica su registro más reciente,
"L'oeuvre pour piano" a la producción exclusivamente pianística del compositor vasco. La edición contiene un libreto de veinticuatro páginas con varias fotografías, una nota biográfica a propósito del intérprete Alfonso Gómez y el espléndido texto del musicólogo y crítico Stefano Russomanno "La obra completa para piano de Félix Ibarrondo". Texto del cual me permito incluir a continuación los siguientes fragmentos:

"El piano, que considero como instrumento casi congénito, juega un papel importante, por no decir esencial en mi música", así escribía Ibarrondo a propósito de un instrumento que recorre con periódica puntualidad su catálogo: la primera pieza, Oviri, se remonta a 1976; la última, Alado Grito, es de 2009. Semejante fidelidad se explica fácilmente a la luz de las posibilidades que el piano aporta a una música que se alimenta de contrastes exacerbados, saltos abruptos y vehementes puntuaciones rítmicas. "Enérgico y tumultuoso", "frenético", "brusco y martilleado", "matices exagerados", son indicaciones recurrentes en sus partituras. Y no sólo eso. La capacidad para plasmar sobre el mismo teclado planos sonoros claramente diferenciados, la densidad de unas armonías cargadas de grumos disonantes y los efectos de resonancia creados por medio del pedal, constituyen las directrices esenciales de una escritura en donde los ecos debussystas conviven junto a reminiscencias del cante jondo.

El piano de Ibarrondo se mueve por terrenos escarpados; le encantan las altas pendientes y los barrancos profundos. Su vida más auténtica se desarrolla en los registros extremos del instrumento: en la región aguda, donde los sonidos adquieren un perfil duro y cristalino, y en la zona grave, donde las notas se impregnan de resonancias hoscas y oscuras.

Sus piezas hurgan en un poso inmemorial donde conviven -inseparables- luz y oscuridad, primitivismo y refinamiento, espíritu y cuerpo. El contraste y la tensión son desde luego sus modos más habituales de expresión, pero el motor que los mueve no es un sentimiento trágico, sino un afán abarcador, un fervor apasionado que intenta aferrar la vida en todas sus facetas y manifestaciones, por distantes que sean.

"L'oeuvre pour piano" CD:
1. 'Iris' (1991); 2. 'Oviri' (1976); 3. '..del allá de lejanías' (2002); 4. 'Preludio' (2006); 5. 'Barca Loca' (2001); 6. 'Silencios ondulados' (1977); 7. - 9. 'Alado Grito' (2008-2009).

Formato: CD; Duración total: 70:21

viernes, 6 de mayo de 2011

John Luther Adams: "Four Thousand Holes"

John Luther Adams
Four Thousand Holes
(CB0035)

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El mundo natural y, en particular, la amplitud y belleza del paisaje del Ártico, así como un profundo sentido de arraigo, han estado siempre presentes en el ideario creativo y musical del compositor estadounidense John Luther Adams (1953- ). Desde 1978, año en el que fijó su residencia en el área de Fairbanks (Alaska), ha compuesto obras para orquesta, conjuntos de cámara, instrumentos solistas, instalaciones, cine, televisión y teatro. Su música ha sido interpretada, entre otros, por formaciones como The Paul Dresher Ensemble, Bang On A Can, The California Ear Unit, The Callithumpian Consort y Percussion Group Cincinnati. Desde 1982 a 1989 actuó como percusionista en la Orquesta Sinfónica de Fairbanks y en la Orquesta de Cámara del Ártico. Además de haber sido presidente del Centro de Música Americana, Luther Adams ejerció como profesor en la Universidad de Alaska, en el Conservatorio de Música de Oberlin y en el Bennington College. Cuenta con once grabaciones publicadas y es asimismo autor de los libros "Winter Music: Composing the North" y "The Place Where You Go to Listen: In Search of an Ecology of Music", aparecidos en la editorial Wesleyan University Press. Entre otros reconocimientos y galardones obtenidos a lo largo de su carrera musical, destacan los que ha recibido de The Foundation for Contemporary Arts, The Rockefeller Foundation, Rasmuson Foundation y National Endowment for the Arts.

"Four Thousand Holes" es el título del nuevo disco de Luther Adams (Cold Blue Music, 2011) y también de su pieza estelar. Compuesta en 2010 por encargo del pianista Stephen Drury, 'Four Thousand Holes' fue escrita para piano (interpretado aquí por el propio Drury), vibráfono y campanas de orquesta (Scott Deal) y auras electrónicos creados directamente por el compositor mediante la transformación de los sonidos de piano y percusión. Cuenta Luther Adams que en la gestación de la obra quiso, en cierto modo, reivindicar algún aspecto primordial de su pasado como músico de rock. Con tal propósito decidió ceñirse a dos de los elementos más básicos de la música occidental, tríadas mayores y menores y frases de cuatro compases, manejándolos como verdaderos objetos encontrados. Así pues y apostando por un personalísimo discurso musical que prioriza la sensualidad sobre cualquier otra cualidad, Luther Adams teje aquí un dilatado y evocador entramado de acordes pianísticos, regido únicamente por una variable disposición rítmica. En anómala procesión avanzan pues esos múltiples destellos pianísticos, secundados por la percusión y embellecidos misteriosamente por recurrentes brisas de resonancias electrónicas. 

'...and bells remembered...' es la otra propuesta musical incluida en el disco. Una pieza para quinteto de percusión que Luther Adams compuso en 2005 por encargo, en esta ocasión, de la Universidad de Wisconsin. Interpretada aquí por integrantes de la formación The Callithumpian Consort (Jeffrey Means, campanas tubulares; Joseph Baker, vibráfono; John Andress, campanas de orquesta; Joseph LaPalomento, vibráfono tocado con arco; Bill Holden, crótalos tocados con arco; Stephen Drury, dirección), la obra consiste básicamente en una discreta secuencia de tonos metálicos cuya propagación calmosa en el espacio bien podría sugerir la celebración de una exótica ceremonia de culto.

"Four Thousand Holes" CD: 1. 'Four Thousand Holes' (2010); 2. '...and bells remembered...' (2005).

Formato: CD; Duración total: 42:57

miércoles, 27 de abril de 2011

Theresa Transistor: "Theresa Transistor"


Theresa Transistor
Theresa Transistor
(ohm 052)

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Christian Bouchard (1968- ), Christian Calon (1950- ), Mario Gauthier (1957- ) y Monique Jean (1960- ), compositores canadienses experimentados en el ámbito de la creación acusmática, son los integrantes de Theresa Transistor, una singular formación musical que combina el despliegue de técnicas de espacialización sonora junto a una decidida inmediatez discursiva con el propósito de explorar una posible reformulación del concierto electroacústico. Su actuación inaugural, ofrecida en Montréal en el marco del festival Akousma de 2005, mereció el reconocimiento del Consejo Quebequés de la Música con la concesión de un Prix Opus al mejor concierto de música electroacústica del año.

Grabado en 2009 en las instalaciones de la Cooperativa Méduse durante una residencia del cuarteto en la comunidad artística Recto-Verso, el presente CD (OHM Éditions, 2010) supone su debut discográfico. Según señala el propio grupo, cada una de las nueve secciones musicales incluidas en el registro alude, en cierto modo, a alguno de los espacios ideados por el escritor francés Georges Pérec en su célebre obra "Espèces d'espaces" (1974). Espacios habitados aquí por sonidos hipertecnológicos e inquietantes. Ordenadores, sintetizadores analógicos y digitales, instrumentos electrónicos inventados, micrófonos y radios son recursos que el grupo emplea al servicio de diálogos apresurados y rebosantes de eventos. Una música, en definitiva, esencialmente libre, abierta a sugerir múltiples enigmas sin necesidad de resolverlos. "Theresa Transistor" CD:
1. 'critique'; 2. 'au bord'; 3. 'nuisible'; 4. 'dedans'; 5. 'compté'; 6. 'vécu'; 7. 'libre'; 8. 'littéraire'; 9. 'manque'.

Formato: CD; Duración total: 58:35

lunes, 18 de abril de 2011

Diane Landry: "Plongeurs"



Diane Landry
Plongeurs
(merles 072a)

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Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Laval (Québec) y posgraduada en la Universidad Stanford de California, la artista canadiense Diane Landry (1958- ) cuenta con un amplio catálogo de instalaciones y performances, desarrolladas a lo largo de las últimas dos décadas. Un corpus creativo de calado poético e ilusorio que incide constantemente en la revelación de aspectos secretos de distintos objetos cotidianos mediante su descontextualización y/o modificación de algunos de sus elementos distintivos. Representada por la Galería SolwayJones de Los Ángeles, sus trabajos han sido presentados en Canadá, Estados Unidos, México, Argentina, Europa y Australia y, asimismo, han sido objeto de análisis y difusión en numerosas publicaciones. Además, Landry ha disfrutado de múltiples residencias artísticas y, en 2007, recibió en Québec el primer 'Prix Giverny Capital' en reconocimiento a la excelencia, originalidad y valor creativo de su producción.

Aunque a menudo la artista haya reconocido la relevancia que ha tenido la dimensión acústica de su obra intermedia, pocas han sido, sin embargo, sus creaciones exclusivamente sonoras. Gracias al sello quebequés Merles, contamos ahora con una interesante composición de Landry publicada en este registro de 2007. Excesivamente parca en información, la edición tan solo indica que
"Plongeurs" –así se titula la pieza- fue realizada con los sonidos de su trabajo instalativo 'École d’Aviation' (2000). En éste, nuestra protagonista dispuso sobre el suelo de un habitáculo oscuro, veinticuatro paraguas montados sobre unas bases mecanizadas que permitían la apertura y cierre intermitente de dichos utensilios. Situados asimismo en esas bases, unos pequeños acordeones accionados por motores, emitían sonidos cada vez que los paraguas se extendían y/o plegaban, al tiempo que tenues luces proyectaban evocadoras siluetas en el techo de la sala. El movimiento mecanizado de la instalación, semejante al ritmo de la respiración, era controlado con la ayuda de un ordenador.

Pues bien, sin ningún aditamento significativo y merced a los sonidos de su particular Escuela de Vuelo, Landry compuso esta eficaz meditación. Una música nítida y flotante a la vez, en la que confluyen múltiples silbos en diálogo parsimonioso. Delicada e invariable a lo largo de sus cuarenta minutos, "Plongeurs" constituye, desde luego, un verdadero canto a una suerte de experiencia contemplativa. "Plongeurs" CD:
1. 'Plongeurs'.

Formato: CD; Duración total: 40:04

lunes, 11 de abril de 2011

Varios Artistas: "25 años del Laboratorio de Música Electroacústica - Vitoria-Gasteiz"



Varios Artistas
25 años del Laboratorio de Música Electroacústica - Vitoria-Gasteiz
(espacio sinkro 03)

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El Laboratorio de Música Electroacústica se creó en 1985 en el nuevo edificio del Conservatorio de Música Jesús Guridi de Vitoria-Gasteiz. Impulsado por el entonces director del centro, el compositor Carmelo A. Bernaola, el Laboratorio supuso un elemento clave para el desarrollo de la música electroacústica en la ciudad y su entorno. Al mismo tiempo significaba el primer paso en la incorporación de esta especialidad a las clases de Composición e Instrumentación, siendo ésta una experiencia pionera del país al implantar estas enseñanzas en sus planes de estudios.

Con ocasión del vigésimo quinto aniversario del Laboratorio de Música Electroacústica del Conservatorio Superior de Música 'Jesús Guridi' de Vitoria-Gasteiz, Espacio Sinkro Records ha publicado este espléndido registro que reúne algunas de las obras más destacadas de las producidas en dicho laboratorio. Incluye composiciones electroacústicas mixtas de
Ignacio Monterrubio, Ana Barrio, Enrique Vázquez, Sergio Gutiérrez Rodríguez, Maite Aurrekoetxea, Zuriñe F. Gerenabarrena, Alfonso García de la Torre y Carmelo Bernaola, y cuenta además con la contribución interpretativa de miembros de la formación instrumental Ensemble Sinkro. A la edición en CD le acompaña un libreto trilingüe (castellano, euskera e inglés) de treinta y dos páginas con un texto introductorio, breves descripciones de las piezas, biografías de los compositores y varias fotografías.

"25 Años del Laboratorio de Música Electroacústica - Vitoria-Gasteiz" CD:
1. Ignacio Monterrubio 'Ex nihilo' (2009 - flauta y electrónica en vivo); 2. Ana Barrio 'Aglaura' (2001 - clarinete bajo, violín y electrónica en vivo); 3. Enrique Vázquez 'Kordia' (2000 - violonchelo y electrónica en vivo); 4. Sergio Gutiérrez Rodríguez 'De viento, cristal y bronce' (2009 - Ensemble Sinkro y cinta); 5. Maite Aurrekoetxea 'Estela' (1996 - viola y electrónica en vivo); 6. Zuriñe F. Gerenabarrena 'Aize-Ontzi' (2010 - Ensemble Sinkro y electrónica en vivo); 7. Alfonso García de la Torre 'Xuxuria' (2004 -guitarra y electrónica en vivo); 8. Carmelo Bernaola 'Superposiciones variables' (1976 - clarinete y cinta).

Formato: CD; Duración total: 70:54

lunes, 4 de abril de 2011

Henri Pousseur: "Parabolique d'Enfer"



Henri Pousseur
Parabolique d'Enfer
(SR318)

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El compositor Henri Pousseur (1929-2009) cursó estudios musicales en los Conservatorios de Lieja y Bruselas. Desde 1950 participó activamente de la escena musical de vanguardia junto a Luciano Berio, Pierre Boulez y Karlheinz Stockhausen, entre otros. Asistió a los célebres cursos de Darmstadt y también trabajó en los estudios de música electrónica de Colonia y Milán. A partir de 1960, Pousseur decidió prescindir de ciertas ataduras estilísticas de la época y reformuló su propio discurso composicional. Época en la que conoció al escritor y polifacético creador francés Michel Butor con quien colaboró en obras tan destacadas como "Votre Faust" (1961-68) o "La Rose Des Voix" (1982). Pousseur contó también con una importante actividad docente que desarrolló en Conservatorios, Universidades y centros pedagógicos de Alemania, Suiza, Bélgica, Francia y Estados Unidos. Además de su importante repertorio musical (unas 180 obras de estilos diversos), fue autor de numerosos artículos y varios libros. Alejado de sus empleos oficiales, desde 1994 vivió retirado junto a su esposa Théa Schoonbrood en la localidad de Waterloo.

"Parabolique d'Enfer" es el sexto de una serie de ocho registros que el sello Sub Rosa viene dedicando, desde el año 2000, a la producción experimental y electrónica del compositor belga. Además, esta grabación completa la publicación, junto a "8 Etudes Paraboliques" (1972; SR174, 2001) y "Four Parabolic Mixes" (2001; SR199, 2002), de su trilogía de composiciones parabólicas.

Realizada en 1992 en la Universidad de Colonia, esta última entrega constituye la versión estereofónica de una creación compuesta originalmente para ocho pistas, en la que combina elementos de sus iniciales estudios de 1972 con material sonoro surgido de otro de sus proyectos ambiciosos, "Leçons d’Enfer". En 1991, conmemorando el centenario de la muerte del célebre poeta Arthur Rimbaud, Pousseur presentó "Leçons d'Enfer" como una extensa pieza músico-teatral concebida para dos actores, tres cantantes, ocho músicos (clarinete, saxofón alto, tuba, arpa, piano y dos percusiones), dispositivos electroacústicos y cintas con grabaciones ambientales y fragmentos de música tradicional etíope. Fueron precisamente estas grabaciones y fragmentos los que el compositor rescató en "Parabolique d'Enfer" para engalanar un asombroso
tour de force musical nutrido principalmente de vigorosos sonidos sintetizados. Modulados y doblegados obsesivamente a lo largo de la obra, esos sonidos parecerían evocar del mismo modo el universo endiablado de Rimbaud como los efectos de una posible experiencia psicodélica. "Parabolique d'Enfer" CD: 1. - 13. 'Parabolique d’Enfer'.

Formato: CD; Duración total: 78:01

lunes, 21 de marzo de 2011

Albert Mayr: "Hora Harmonica"



Albert Mayr
Hora Harmonica
(AG02)

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Albert Mayr (1943- ) estudió música en los conservatorios de Bolzano y Florencia (Italia) y, ocasionalmente, en Darmstadt (Alemania). Su trayectoria compositiva, claramente influenciada por los primeros experimentos en música electrónica realizados en Italia, tiene como principal mentor al compositor Pietro Grossi (1917-2002), con quien colaboró en el Estudio de Fonología Musical de Florencia (S 2F M) entre 1964 y 1969. Entre 1973 y 1990 Mayr fue profesor de música electrónica en el Conservatorio de Florencia. En 1975 también colaboró con investigadores del World Soundscape Project, colectivo canadiense fundado y dirigido por R. Murray Schafer. Autor de múltiples proyectos instalativos, Mayr ha recibido encargos artísticos de instituciones y festivales tan prestigiosos como Sudtiroler Kunstlerbund, Brixner Iniziative Musik y Sound Art at Mobius. Miembro del Gruppo Aperto Musica, del Forum fur Klangslandschaft y de la Sociedad Internacional para el Estudio del Tiempo, sus disertaciones acerca de la ecología acústica, la música especulativa y la estética del tiempo han sido presentadas en numerosos países europeos y en América del Norte.

La aplicación de criterios musicales a la organización del tiempo es precisamente el motivo de exploración del trabajo sonoro incluido en este CD de edición limitada (Ants, 2002). Evocando, aunque sea remotamente, la concepción kepleriana del movimiento de los planetas en el sistema solar y rehuyendo de una dimensión excesivamente visual-espacial del tiempo, Mayr propone en "Hora Harmonica" un modelo de orden temporal alternativo, basado en el sonido como fenómeno físico y perceptivo. Con este propósito plantea el siguiente ejercicio: Cuando desaceleramos mucho un sonido, hasta aproximadamente por debajo de los 15 ciclos por segundo, lo percibimos como una serie de pulsos discretos. En un sentido puramente físico sigue siendo un sonido, aunque no audible para el hombre. Intenta ahora imaginar un sonido extremadamente lento cuya frecuencia fundamental tenga un periodo de 60 minutos. Los armónicos 'virtuales' serían divisiones enteras de ese periodo, esto es: 30', 20', 15' y así sucesivamente. Este es el principio estructural de Hora Harmonica. Acompañando a la fundamental, utilizaremos las 'oscilaciones' múltiples hasta el duodécimo armónico.

Mayr obtiene así una estructura rítmica que hace audible al asignar a cada uno de esos periodos un sonido correspondiente a uno de los componentes sinusoidales de un espectro de audio. En definitiva, se trata de algo parecido a un reloj musical que procurará proporcionar una nueva forma de cadencia a las actividades de las personas en su ámbito auditivo y, acaso, originará algunas nuevas relaciones entre ellas. "Hora Harmonica" fue realizada en 1983 en el Centro di Sonologia Computazionale de la Universidad de Padua.

"Hora Harmonica" CD:
1. 'Hora Harmonica' (1983). La edición incluye un libreto bilingüe (en italiano e inglés) de dieciséis páginas con una descripción de "Hora Harmonica" a cargo del propio Mayr y un diagrama de la composición.

Formato: CD; Duración total: 60:30

jueves, 10 de marzo de 2011

Varios Artistas: "Sleppet"



Varios Artistas
Sleppet
(+3db006)

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La Corporación Grieg 07 fue fundada por la ciudad noruega de Bergen al objeto de iniciar, coordinar y llevar a cabo las celebraciones y eventos destinados a conmemorar el centenario de la muerte de Edvard Grieg (1843-1907). En el marco de las actividades desarrolladas en 2007 con ese propósito, destacó "Sleppet" (El Sonido de la Primavera Noruega), un proyecto artístico concebido con la voluntad de generar reflexión y debate acerca de la influencia que el paisaje sonoro natural de Noruega y ciertas tradiciones folclóricas tuvieron en la música del compositor homenajeado. "Sleppet" culminaría en una interesante exposición de trabajos sonoros creados por seis artistas internacionales: Chris Watson, Jana Winderen, Natasha Barrett, Bjarne Kvinnsland, Steve Roden y Marc Behrens. Durante diez días de los meses de abril y mayo de ese año, estos seis artistas junto al comisario del proyecto, Jorgen Larsson, recorrieron distintos lugares de la costa oeste de Noruega grabando sonidos del mismo entorno natural que en el pasado había inspirado a Grieg. Con las grabaciones obtenidas a lo largo de ese viaje, los artistas produjeron sus propias composiciones paisajísticas para la exposición.

Aparecida en 2009 gracias a la formidable labor llevada a cabo por el sello +3dB, la presente publicación compuesta de
un libro y dos discos compactos documenta con lujo de detalles el proyecto "Sleppet". El libro, de sesenta y seis páginas y edición bilingüe (en noruego e inglés), incluye un prólogo a cargo de la directora de Grieg 07 Ragna Sofie Grung Moe, el texto de Jorgen Larsson 'Sleppet - The Sound of Norwegian Spring', entrevistas con los artistas, breves biografías y numerosas fotografías. Por su parte, los CDs contienen versiones revisadas de las creaciones sonoras presentadas en la exposición. Una obra ideal para todo aquel interesado en la composición con sonidos ambientales, el paisaje sonoro y la ecología acústica.

"Sleppet":
CD I: 1. Chris Watson 'Sleppet'; 2. Jana Winderen '+4ºC'; 3. - 6. Natasha Barrett 'Microclimate (Glacial Loop; Wet Face; Water Fall; 6 Remote Gale)'. CD II: 1. - 3. Bjarne Kvinnsland "Bra Bre I-III'; 4. Steve Roden 'Three Landscapes (Part II A Waterfall for Bjornstjerne Bjornson)'; 5. Marc Behrens 'Sleppet (2) Avalanches, Water and Stones'.

Formato: Libro+2CD; Duración total CDs: 84:19

lunes, 28 de febrero de 2011

Michel Chion: "Diktat"



Michel Chion
Diktat
(NUUN1)

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Compositor, realizador de cine y video, profesor e investigador, Michel Chion nace en Creil (Francia) en 1947. Tras haber cursado estudios literarios y musicales, trabajó en la Oficina de Radiodifusión-Televisión Francesa (ORTF), colaboró con Pierre Schaeffer en el Conservatorio Nacional de Música de París y ejerció como productor de las emisiones del Groupe de Recherches Musicales (GRM). También fue responsable de las publicaciones del INA-GRM, institución de la que fue miembro desde 1971 a 1976. Fue allí donde conoció a Robert Cahen, compositor y video-artista con el que colaboró asiduamente. Chion es autor de numerosos trabajos de música concreta y melodramas electroacústicos. Entre ellos destacan: "Le prisionner du son" (1972), "Requiem" (1973), "La tentation de Saint-Antoine" (1984), "Tu" (1977-85), "Gloria" (1994) o "L'Isle Sonante" (1998-2010). Como teórico trabaja en el estudio sistemático de las relaciones audiovisuales, materia de la que imparte clases en varios centros universitarios y escuelas de cine. Además de contar con veinticinco publicaciones a propósito de la música y el cine, Chion ha escrito multitud de artículos en la prensa francesa e internacional y ensayos acerca de compositores y realizadores como Pierre Henry, François Bayle, Charlie Chaplin, Jacques Tati, David Lynch y Stanley Kubrick. Su composición "Requiem" obtuvo en 1978 el Grand Prix du Disque de l'Académie du Disque Français y su creación audiovisual "La Messe de terre" (1996) fue galardonada asimismo con el Grand Prix de la ciudad de Locarno.

En estos días en los que parecen imponerse hábitos de manejo y escucha de la música algo insulsos, celebro la iniciativa del nuevo sello francés Nuun, que decide debutar en el panorama discográfico con la reciente publicación de un espléndido registro en doble CD, conteniendo una obra de Michel Chion inédita en el mercado. Compuesta en 1979 y revisada en 2006,
"Diktat" fue un encargo del Grupo de Música Experimental de Marsella. En los estudios de grabación habilitados por dicho grupo, Chion concibió y realizó el que posiblemente sea el melodrama electroacústico más delirante de su carrera. Articulado en siete movimientos (Despertar; Amor; El profeta; La virgen loca; El trabajo; Agitación; Noche) correspondientes a escenas de la vida del personaje central -Del alba a la noche, Melquisedec, clochard-profeta, monologa y recuerda fragmentos reales o imaginarios de una vida de epopeya, de amor y de trabajo, la misma que le lleva a la decadencia- "Diktat" descubre un relato de obsesiones. Sin apuntar siquiera la posibilidad de que la obra contenga algún ingrediente autobiográfico, no resulta descabellado pensar que el autor pudiese componerla en un momento de cierto desconcierto emocional. Su discurso musical parece aquí atolondrado y dictado por una suerte de fuerza oculta; llevado por la necesidad de revelar cuantas perturbaciones del ánimo sobrevengan. Un políglota Melquisedec, encarnado por el propio Chion, habla, canta, vocifera, gruñe, gime y susurra, acompañado de su perro Iago, una máquina de escribir, una recurrente caja de ritmos, el ronroneo de un gato o la presencia ocasional de Donna Podorowski (en la voz de Lanie Goodman) su anhelado amor de Indianápolis o, acaso, su mismísimo doble femenino. Personajes todos ellos que encontrarán cobijo ideal en una laberíntica y, por momentos, sobrecogedora composición, obrada magistralmente por Chion mediante su inagotable poética de sonidos fijados.

"Diktat"
CD I: 1. 'Réveil'; 2. 'Amour'; 3. 'Le prophète'; 4. 'La vierge folle'. CD II: 1. 'Le travail'; 2. 'Agitation'; 3. 'Nuit'. Al doble CD le acompaña un libreto de doce páginas, escrito en francés, con un breve ensayo a cargo de Lionel Marchetti, una nota de Michel Chion sobre "Diktat", así como una biografía del compositor.

Formato: 2CD; Duración total: 83:19

lunes, 14 de febrero de 2011

Chris Cutler: "Twice around the Earth"

Chris Cutler
Twice around the Earth
(ReR CC2)

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Percusionista, compositor y letrista, Chris Cutler (1947- ) cuenta con una dilatada trayectoria en los ámbitos de la improvisación y la música experimental. Junto a Dave Stewart fundó The Ottawa Music Company, una singular orquesta formada exclusivamente por veintidós compositores de rock; fue batería y miembro destacado del legendario grupo experimental Henry Cow; también cofundaría otras formaciones como Art Bears, News from Babel, Cassiber, The (ec) Nudes, P53 y The Science Group; asimismo, fue integrante de las bandas americanas Pere Ubu, Hail y The Wooden Birds y, esporádicamente, trabaja con Jon Rose, Fred Frith, Peter Blegvad, David Thomas, Zenna Parkins, Iancu Dumitrescu y Ana Maria Avram, entre otros. Su lista de colaboraciones musicales es interminable y ha participado en más de cien grabaciones publicadas. Además, se le conoce por haber fundado Recommended Records (actualmente ReR Megacorp) y por ser autor de numerosos artículos musicales y de la colección de ensayos "File Under Popular".

Entre los meses de julio de 2002 y julio de 2003, Cutler produjo 'Out of the Blue Radio' para la radio londinense Resonance FM. Un programa diario de media hora de duración concebido con el propósito de abrir una ventana virtual a un paisaje sonoro distinto cada día; poner al oyente durante treinta minutos en los oídos de otra persona en algún lugar del mundo. Escribí a potenciales participantes –aquellos que nos prestarían sus oídos- y les pedí que realizaran una grabación continua de treinta minutos en cualquier lugar que eligieran, a la hora de emisión del programa (entre las 23:30 y las 00:00, hora de Londres) independientemente de la hora local de los distintos lugares en que se llevaban a cabo las captaciones. Después me enviaron las grabaciones y, sin modificarlas, las emití tal como llegaron. Las piezas contenidas en el presente CD (ReR Megacorp, 2004) surgieron como derivación de este proyecto.

'Twice around the Earth' fue producida para el programa Kunstradio de la radio pública austríaca ORF y emitida por primera vez el 1 de junio de 2003. Se trata de una composición de media hora de duración realizada a partir de breves fragmentos de las grabaciones enviadas para su programación en 'Out of the Blue Radio'. Cutler seleccionó al azar cuarenta y tres de esas grabaciones, las ordenó por razón geográfica y, utilizando fracciones de unos cincuenta segundos de cada una de ellas (de 0:00 a 0:50" de la primera, de 0:50" a 1:40’" de la segunda, y así sucesivamente) planeó algo así como una doble vuelta acústica alrededor de la tierra. 'Blue Winter' es la otra creación sustantiva de este registro y constituye una versión alternativa a 'Twice around the Earth'. Para esta nueva compilación, Cutler tomó al azar otras treinta y cuatro grabaciones y las dispuso por orden cronológico. Curiosamente, todas ellas resultaron haber sido realizadas en periodo invernal (de ahí, supongo, el título de la pieza). Sin escucharlas en ningún caso y asistido aquí por el músico e ingeniero de sonido Bob Drake, Cutler y él llevaron a cabo la selección de los breves fragmentos que emplearían en el montaje atendiendo únicamente al aspecto de las formas de onda de las grabaciones en una pantalla de ordenador. Por último, a modo de mero documento sonoro, el CD también nos ofrece un fragmento de la que fue la contribución de Cutler a 'Out of the Blue Radio'. Fue grabada desde una de las mesas de una cafetería del aeropuerto de Luxemburgo y lleva por título 'Lux'.

Participantes en 'Out of the Blue Radio' incluidos en las composiciones de este CD: John Scott, David Lee Myers, Tom Dimuzio, Hardy Fox, Nicholas Frances Chase, Daniel Van Beers, Brian Woodbury, Otomo Yoshihide, Brian Labycz, Haco & Christopher, Dickson Dee, Daniel Beban, Peter Cusack, David Kerman, Udi Koomran, Michael Northam, Marzio Carlessi, Michael Maksymenko, Andreas Hagelüken, Chris Cutler, Will Menter, E.M. Thomas, Andrea Rocca, John Levak Dreever, Tony Whitehead, Andrew Mckenzie, Richard Windeyer, Jack Vees, Steve Mclean, Phil Zampino, Carmen Borgia, Warren Burt, Annie Gosfield, Nic Collins, Chris Delaurentis, Toby Paddock, Bill Harkelroad, John Kennedy, Jim Denley, Philip Mar, Jon Rose & Warrick Swinney, Robert Iolini, Gino Robair, Kevin Green, Stevan Tickmayer, Serhat Koksal, Adam Overton, Paulo Griguolo, Maggi Payne, Floris Van Manen, Aaron Zim, Ireneusz Socha, Marcelo Radulovich, Eric Muhs, Caroline Kraabel, Ana Maria Avram & Iancu Dumitrscu, Philip Tagney & Robert Worby, Gary Butler, Martin Singleton, Amy Denio, Michael Ruisenberg, Raynald Glandien, Bret Hart, Andy Ditzler, Junya Onoda, Jim Pugliese, Wadi Gysi, Brian Leber & Tony Whitehead.

"Twice around the Earth" CD: 1. - 47. 'Twice around the Earth'; 48. 'Lux'; 49. - 81.  'Blue Winter'. Al CD le acompaña una libreto de dieciséis páginas con diversas fotografías, descripciones detalladas del proyecto y de las piezas incluidas, así como breves anotaciones de todas las grabaciones utilizadas.


Formato: CD; Duración total: 67:22

Otro título de interés: "There and Back Again" (CD)

lunes, 7 de febrero de 2011

Alfredo Costa Monteiro: "Aura"


Alfredo Costa Monteiro
Aura
(etude021)

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Residente en Barcelona desde 1992, el artista portugués Alfredo Costa Monteiro (1964) viene desarrollando una actividad múltiple que abarca el trabajo instalativo, la práctica poética y la creación sonora. La mayoría de sus obras, a menudo de factura doméstica, tienen en común un interés por procesos inestables en los que la manipulación de objetos como instrumentos o la de instrumentos como objetos, adquiere un marcado carácter fenomenológico. Participa en diversos proyectos de improvisación musical y en el ámbito de la poesía sonora, trabaja habitualmente en solitario realizando lecturas políglotas y ruidistas. Cuenta con numerosas grabaciones publicadas en sellos como Antifrost, Monotype Records, Another Timbre, Entr'acte o No Fun Productions. 

Compuesta entre los meses de febrero de 2009 y marzo de 2010, "Aura" es una extensa y meditativa creación que surge de la edición y montaje de múltiples grabaciones de sonidos de percusión ejecutados por la intérprete Pilar Subirà. Sonidos a los que Costa Monteiro amputaría su inicio o ataque con el propósito de obtener de ellos únicamente su curso resonante. Sin hacer uso de recursos de transformación electroacústica y atendiendo fundamentalmente al contenido armónico y a la diversidad tímbrica del material, el autor trató esas texturas resonantes con exquisita sensibilidad e intuición, combinándolas en un enigmático mosaico. «Debido precisamente a la ausencia de impacto en esos sonidos que flotaban lentamente en el espacio, la pieza empezó a adquirir una forma espectral; una esencia fantasmal hecha de fuentes casi irreconocibles que cristalizó en lo que podríamos denominar como una segunda presencia de los instrumentos de percusión: su resonancia y reverberación. A partir de ahí, mi intención fue la de la de conferir a esa segunda presencia un cuerpo sonoro autónomo». 

"Aura" CD: 1. 'Aura'. Etude Records, 2010.

CD; Duración total: 51:13