Natasha Barrett: "Peat + Polymer"

Natasha Barrett

Peat + Polymer
(+3DB020)

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Autora de notables producciones en los ámbitos de la música electrónica y del arte sonoro, Natasha Barrett (1972) es una compositora de origen británico que vive y trabaja en Noruega desde 1999. Entre los numerosos reconocimientos obtenidos a lo largo de su trayectoria destacan el Nordic Council Music Prize (Escandinavia, 2006) y el Giga-Hertz-Preis (Karlsruhe, Alemania, 2008).

"Peat + Polymer" (+3db, 2014) es su séptimo álbum en solitario. Contiene dos cedés con cuatro obras electroacústicas cada uno. Mientras que las incluidas en el primero de ellos, titulado 'Polymer', son resultado de ideas musicales diversas y fueron concebidas en formato 3D, mediante técnicas de síntesis espacial del sonido, las que reúne el segundo, 'Peat', surgen todas de la exploración de entornos sonoros específicos y responden a planteamientos composicionales variados.

Barrett ha presentado en concierto siete de las ocho propuestas. Tan solo 'Oslo Sound Space Transport System' (2014), ideada y difundida como trabajo instalativo, evita el marco tradicional del concierto electroacústico. Se trata de una instalación interactiva que permite viajar a través de la arquitectura propia de la ciudad de Oslo (su catedral, su ópera, su estación central de ferrocarriles) con la finalidad de explorar esos espacios sonoros reales junto a otros ficticios que la compositora sugiere a lo largo del recorrido.

Por la singularidad de lo atendido en ellas, resultan asimismo significativas: la secuencia de seis estudios paisajísticos, 'Sound Exposure in Peru' (2014), con los que se nos ofrece un encuentro subjetivo con la realidad sonora sociocultural del Perú, y también 'A Soundwalk through Shangai' (2014), un comprimido paseo sonoro efectuado por calles secundarias de la ciudad de Shangai.

Del conjunto de sonidos empleados por Barrett en la realización de estas ocho composiciones -la mayoría de ellos de índole ambiental-, merecen una referencia específica: la voz de Evdokija Danajloska y la percusión de Gilles Durot en 'Hidden Values' (2012), así como el órgano de Kare Nordstoga y la voz cantada de Jane Manning en la ya mencionada 'Oslo Sound Space Transport System'.

"Peat + Polymer"

CD 1 (Polymer): Hidden Values 1. 'Hidden Values I' (4:22); 2. 'Hidden Values II' (6:48); 3. 'Hidden Values III' (8:55); Kernel Expansion 4. 'Kernel Expansion I' (4:31); 5. 'Kernel Expansion II' (5:20); 6. 'Kernel Expansion III' (4:43); Reality and Secrets No. 2 7. 'Reality and Secrets No. 2, I' (8:43); 8. 'Reality and Secrets No. 2, II' (6:36); 9. 'Reality and Secrets No. 2, III' (2:50); 10. 'Untitled One' (4:49).

CD 2 (Peat): 1. 'Oslo Sound Space Transport System: Route No. 1' (22:38); Sound Exposure in Peru 2. 'Lima Mosaic' (6:11); 3. 'Cusco' (1:36); 4. 'Písac Heights' (2:47); 5. 'The Andes by foot' (10:22); 6. 'The Andes by train' (6:00); 7. 'Titikaka' (5:25); 8. 'A Soundwalk through Shanghai' (8:41); 9. 'Untitled Two' (7:44).

2CD: Duración total: 129:00

Patrick Dubost: "L'archéologue du futur"

Patrick Dubost

L'archéologue du futur
(GMVL CD027)

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Nacido en la ciudad francesa de Lyon en 1957, Patrick Dubost es autor de una considerable producción poética. Aunque estudió matemáticas y musicología, su pasión por la composición escrita pronto le llevó a dedicarse casi por entero a esta.

Su amistad con Bernard Fort, compositor acusmático y director del GMVL (Groupe Musiques Vivantes de Lyon), propició su acercamiento al ámbito de la creación sonora. Fundó en 1988 y lidera, desde entonces, Écrits/Studio, una asociación de autores convencidos de la necesidad de que la poesía exceda los límites de la publicación impresa. Un colectivo decidido a adoptar como propia una práctica poética destinada a la escucha. Una escritura, en definitiva, que pueda valerse sin complejos de los recursos empleados en la reproducción, grabación y transmisión del sonido.

Un claro ejemplo de este planteamiento lo constituye justamente "L'archéologue du futur" (GMVL, Art & Lectures Diffusion, 2004), el debut discográfico de Dubost. Subtitulado como "Escritos para la voz", el álbum contiene realizaciones sonoras correspondientes a catorce poemas del autor que, en su mayor parte, figuraban ya incluidos en su libro "Cela fait-il du bruit?" (VOIX éditions, 2004). Un repertorio sugestivo, acerca de lo mundano y lo metafísico, que además Dubost ha presentado en diversas ocasiones como recital de poesía sonora.

Los suyos son fundamentalmente poemas de la palabra y de recitación ingeniosa. Su práctica poética parece rehuir la exploración fonética, para acogerse, en cambio, a una musicalidad expansiva del lenguaje verbal.

La grabación de una lectura pública y convencional del poema 'Tout ce foin' resulta ser la excepción a un conjunto de propuestas más elaboradas, en cuya composición el autor ha llegado a emplear dispositivos electrónicos de manipulación sonora, un sámpler, un dictáfono y múltiples grabaciones de audio. Con notable virtud comunicativa, Dubost lee, declama, replica y se multiplica. Acompañándose, ya sea de sonidos electrónicos, ruidos o registros ambientales, muestras de su propia voz transformada, e incluso de ciertos gestos o acciones premeditados. En 'El arqueólogo del futuro', poema estrella de la colección, nuestro poeta nos sorprenderá además al no pronunciar texto alguno. En su lugar, demanda del oyente que lea en voz alta la poesía impresa en el libreto del CD, mientras suena durante seis minutos una composición hecha de eventos particularmente estrepitosos.

Con posterioridad a este álbum, Dubost ha publicado junto a Bernard Fort el mini CD "La parole immobile" (GMVL, 2007) y, actuando con el seudónimo Armand Le Poête, "Mon premier CD" (GMVL, 2011).

"L'archéologue du futur" CD: 1. 'Le mot "poésie"' 3:09; 2. 'L'inventaire des théories' 2:28; 3. 'Une bibliothèque mal entretenue' 2:58; 4. 'Celle qu'on imagine' 2:10; 5. 'Nous les penseurs' 6:53; 6. 'L'archéologue du futur' 6:04; 7. 'Tout ce foin' 4:37; 8. 'Le désordre' 6:20; 9. 'On est Tous nés' 1:49; 10. 'Trente milliards d'années' 4:37; 11. 'Pour ne pas mourir' 8:32; 12. 'Je dis j'écris je t'aime' 2:57; 13. 'Trois heures du matin' 3:42; 14. 'La récreation des morts' 12:43.

CD; Duración total: 69:53

Len Lye: "Composing Motion. The Sound of Tangible Motion Sculpture"

Len Lye

Composing Motion. The Sound of Tangible Motion Sculpture
(ACD305)

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Wayne Laird, fundador y dueño del sello neozelandés Atoll, produjo en 2006 este registro dedicado a la figura de Len Lye (Christchurch, Nueva Zelanda, 1901 - Nueva York, Estados Unidos, 1980), uno de los representante notables del arte cinético. Tanto su cine experimental como sus trabajos escultóricos fueron resultado de una constante ambición: la de llegar a componer con el movimiento de manera similar a como los músicos componían con el sonido.

"Composing Motion. The Sound of Tangible Motion Sculpture" ofrece grabaciones modernas de los sonidos emitidos por algunas de las creaciones escultóricas que el artista diseñó en Nueva York desde finales de los años cincuenta. Creaciones a las que Lye denominó inicialmente como "esculturas de movimiento tangible" con intención de distinguirlas de los célebres "móviles" producidos por Alexander Calder. Hechas de metal y dotadas de una elasticidad esencial, las estructuras vibratorias de Lye resultaban impulsadas fundamentalmente por la acción de motores. En cuanto a su aspecto, rehuyendo del rigor geométrico característico del constructivismo, mostrábanse claramente maleables, inspiradas en formas naturales.

De los catorce ejemplos sonoros comprendidos en el CD, diez fueron grabados por el propio productor Wayne Laird entre 2001 y 2003; Dave Hurley captó en 1994 los sonidos de 'Blade', 'Roundhead #2' y 'Sea Serpent'; y, por último, 'Storm' fue extraído de la banda sonora perteneciente a la película "Len Lye: Two Studios" (1980, Point of View Productions).

La edición en digipack contiene un libreto con fotografías de las esculturas de Lye y notas descriptivas de las mismas. Se incluyen además textos de Wayne Laird y Andrew Clifford. Para acceder a mayor información acerca del artista, su obra y legado, recomendamos visitar los siguientes enlaces: govettbrewster.com y lenlyefoundation.com

"Composing Motion. The Sound of Tangible Motion Sculpture" CD: 1. 'Blade' (1972-1976) 4:12; 2. 'Universe' (1963-1976) 8:12; 3. 'Roundhead' (1961) 5:24; 4. 'Flip and Two Twisters (Trilogy)' (1977) 7:15; 5. 'Big Blade' (1997) 6:52; 6. 'Grass' (1961) 2:41; 7. 'Storm' (1966-67, 1997) 1:32; 8. 'Stormking' (1966-67, 1997) 3:40; 9. 'Fountain' (1976) 2:48; 10. 'Roundhead #2' (1961) 1:29; 11. 'Witch Dance (components)' 1:16; 12. 'Bell Wand (components)' 1:13; 13. 'Sea Serpent' 0:16; 14. 'Blade #2' (1972-1976) 4:04.

CD; Duración total: 51:00

Jo Kondo: "Mulberry; In the Woods; In Summer; Under the Umbrella"

Jo Kondo

Mulberry; In the Woods; In Summer; Under the Umbrella
(CP2-123)

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Dispongo únicamente de cuatro ejemplares de este CD con música del compositor japonés Jo Kondo (Tokio, 1947) aparecido en 2007 en CP2 Recordings (Musical Observations, Inc.), sello discográfico perteneciente al violinista y director de orquesta americano Paul Zukofsky.

Incluye tres composiciones escritas para orquesta y una para cinco percusionistas tocando veinticinco cencerros y un gong. Grabadas durante los ensayos y celebración del "Jo Kondo Composer's Portrait Concert", el 7 de octubre de 2004, 'Mulberry' (1998), 'In the Woods' (1989) y 'In Summer' (2004) fueron interpretadas por la Orquesta Sinfónica Metropolitana de Tokio, dirigida por Paul Zukofsky. Por su parte, 'Under the Umbrella' (1976), escrita para el conjunto canadiense de percusión Nexus, fue grabada el 18 de agosto de 1980 en Ontario, Canadá.

"Cada sonido debe tener su propia entidad y vida. Lo que estoy haciendo en mis composiciones es crear una red de relaciones intertonales, mientras trato de salvaguardar la posibilidad de percibir la entidad individual y vida de cada una de las notas en esa relación". (Jo Kondo).

"Mulberry; In the Woods..." CD: 1. 'Mulberry' (1998) 12:17; 2. 'In the Woods' (1989) 14:03; 3. 'In Summer' (2004) 15:05; 4. - 7. 'Under the Umbrella' (1976) 23:48.

CD; Duración total: 65:42

Jean-Léon Pallandre, Joël Blondel: "Paysage de nuits et de vent"

Jean-León Pallandre, Joël Blondel

Paysage de nuits et de vent
(PP1214)

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"Paysage de nuits et de vent" (Editions Ouïe/Dire, 2012) ofrece en una versión estereofónica y ajustada a los cuarenta minutos de duración, el sonido de la instalación foto-fonográfica "Permutations", realizada por los artistas franceses Joël Blondel y Jean-Léon Pallandre. Fotógrafo el primero y fonografista el segundo, trabajaron juntos en 2002 en la concepción y creación de un ambiente imaginario y evocador, hecho de representaciones de la naturaleza.

Principalmente la nocturnidad, el viento, los árboles y la maleza fueron aquí los elementos paisajísticos tomados en consideración por ambos creadores a la hora de salir a captar las instantáneas fotográficas y sonidos con los que acabar ocupando el espacio instalativo. Sin embargo, una vez obtenidos las unas y los otros, y antes de que pasaran a quedar instalados, serían objeto de distintos ejercicios de fragmentación y recomposición aleatorias. Blondel y Pallandre pretendieron con ello sorprender al futuro visitante de la instalación -formada por tres grandes tablones con centenares de fotografías en blanco y negro, dispuestas a modo de mosaico, y un entorno sonoro multifocal- con una propuesta perceptiva orientada a disipar, en cierto medida, la linealidad de los eventos presentados.

Una pequeña muestra del componente visual de "Permutations" queda reflejada en la portada y varias páginas del libreto (de formato 20,5 x 15 cm.) incluido en esta edición. Y en lo propiamente auditivo, aun admitiendo que de la escucha del CD nunca obtendremos la representación envolvente que la instalación proveía, debemos reconocer la excelente calidad de las grabaciones ambientales que brinda Pallandre en las cuatro secciones que integran aquel.

"Paysage de nuits et de vent" CD: 1. - 4. 'Paysage de nuits et de vent' (2012) 39:24.

CD; Duración total: 39:24

Alvin Lucier: "Broken Line"

Alvin Lucier

Broken Line
(mode 281)

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"Alvin Lucier es el gran poeta americano de los fenómenos acústicos". Pocas frases pueden resultar más apropiadas que esta para referirse de forma concisa al veterano compositor (1931, Nashua, New Hampshire), autor de genuinos hitos de la experimentación musical como son "Music for Solo Performer" (1965) o "I am Sitting in a Room" (1970). La escribió el musicólogo irlandés Bob Gilmore, tristemente fallecido el segundo día de este 2015, como inicio del texto que se incluye en el libreto de este reciente CD que ahora presentamos.

Producida en 2012 por Deutschlandradio Kultur y publicada en marzo de 2015 por el sello Mode Records, la grabación contiene cuatro trabajos de Lucier: tres compuestos durante la década de los ochenta, más el que da título al álbum, "Broken Line", escrito en 2006. Figuran aquí como intérpretes de las cuatro obras los músicos integrantes del Trio Nexus: Erik Drescher, Sebastian Berweck y Martin Lorenz.

La recreación con instrumentos musicales de sonidos captados en el entorno constituye la idea inspiradora de 'Carbon Copies' (1989), primera de las propuestas que el disco nos ofrece. Cuenta con una duración de veinte minutos y su ejecución requiere de la reproducción de registros ambientales efectuados con antelación por el trío de intérpretes. El flautista E. Drescher decidió captar los sonidos producidos por un pájaro encerrado en una jaula; S. Berweck (piano) eligió los de su cafetera haciendo café; y M. Lorenz (percusión) los de un grifo goteante en su cocina.

Durante la primera de las cuatro secciones que componen la obra -ocupan cinco minutos justos cada una- los músicos únicamente escuchan con atención la reproducción simultánea de esas tres grabaciones ambientales difundida en altavoces; en el transcurso de los siguientes cinco minutos siguen escuchando esos sonidos, ahora con auriculares, al mismo tiempo que tratan de imitarlos con sus respectivos instrumentos; en la tercera sección desaparecen los sonidos emitidos por altavoces pero los ejecutantes deben continuar imitándolos, pues siguen oyéndolos a través de los auriculares; y, por espacio de los últimos cinco minutos, la reproducción de las grabaciones ha cesado ya del todo pero los músicos han de seguir tocando, ya sea de memoria o imaginando como continuarían esos sonidos.

Originalmente compuesta para tres instrumentistas de viento -los miembros de la formación italiana Ex Novo Ensemble- y objeto resonante, 'Risonanza' (1982) llega ahora en una realización alternativa para objetos resonantes y electrónica. El trío Nexus tuvo aquí la misión de encontrar el elemento idóneo al que poder convertir en un ejecutante más en la pieza. Un simple objeto cuya sonoridad intrínseca aflorase exclusivamente por excitación sonora, sin que los músicos interviniesen frotándolo, percutiéndolo o tocándolo de algún modo. Al fin, tras no poca actividad explorando y experimentando, lograron dar no con uno, sino dos cuerpos resonantes ideales: un barril grande de aceite y un plato crash de percusión. De ambos objetos acabó emanando una música vibratoria propia, un sonar envolvente y prolongado del que fueron causa directa una serie de tonos lanzados con un sintetizador Nord G2, comandado, eso sí, por nuestros tres intérpretes de carne y hueso.

De la conjunción de cuerpos resonantes y osciladores electrónicos surge también 'Music for Pure Waves, Bass Drums and Acoustic Pendulums', el trabajo más longevo del registro. Lucier lo compuso en 1980. Las ondas de baja frecuencia que aquí arrojen los osciladores, siempre manejados por los músicos, cumplirán ahora la función de excitar las pieles de cuatro bombos cuyas vibraciones pondrán en movimiento una serie de péndulos suspendidos frente a ellos. De cada uno de esos péndulos, hechos con hilo pescar, cuelga una bola de ping-pong cuyo balanceo por la acción vibratoria de los cuatro parches conllevará el golpeo dulce y rítmico de esas superficies percusivas. Aunque la que aquí se nos ofrece sea la ejecución concebida para su presentación en concierto, el autor previó asimismo una versión instalativa de 'Music for Pure Waves, Bass Drums and Acoustic Pendulums'.

Por último, el disco concluye con 'Broken Line' (2006), partitura para flauta, piano y vibráfono que Lucier escribió por encargo expreso del Trio Nexus. Durante los doce minutos que dura la pieza el flautista, E. Drescher, ejecuta sin apenas pausa una sucesión de glissandi ascendentes y descendentes en frases de cuatro, ocho y doce segundos. Por su parte, tanto el piano de Berweck como el vibráfono de Lorenz responden al paso de esas frases en continuo movimiento con tonos de larga duración. Del encuentro entre ambas líneas interpretativas aparecerán leves golpes o sacudidas audibles producidos al interferirse entre sí sonidos de frecuencias ligeramente distintas.

"Broken Line" CD: 1. 'Carbon Copies' (1989) 20:06; 2. 'Risonanza' (1982) 13:12; 3. 'Music for Pure Waves, Bass Drums and Acoustic Pendulums' (1980) 18:52; 4. 'Broken Line' (2006) 11:55.

CD; Duración total: 64:27

Christopher DeLaurenti: "To the Cooling Tower, Satsop"

Christopher DeLaurenti

To the Cooling Tower, Satsop
(GD024)

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El pasado 15 de mayo GD Stereo presentaba, en una edición limitada a las 250 unidades, el nuevo álbum de Christopher DeLaurenti (Estados Unidos, 1967). Se trata de "To the Cooling Tower, Satsop", segunda referencia discográfica de la serie "Improvisational Architecture", iniciada por el sello neoyorquino en noviembre de 2013 con la publicación del CD "Cycloïdes" de Jocelyn Robert.

Conocido, entre otros trabajos, por su selección de intrépidas captaciones en auditorios de música clásica, contenidas en un registro sorprendente del que ya dimos cuenta aquí oportunamente, este artista y fonografista americano nos invita ahora a escuchar el resultado de otra singular exploración sonora: la que efectuó en el interior de uno de los túneles portadores de agua de la fallida planta nuclear de Satsop (Washington). Una instalación cuya edificación impulsó el Washington Public Power Supply System (WPPSS) a finales de los años setenta y que quedaría definitivamente paralizada en 1983 a causa de reiterados retrasos en la obra y sobrecostes injustificados.

Entre los remanentes construidos figuró precisamente el paso subterráneo de hormigón objeto de esta inspección y al que el propio DeLaurenti se refiere como una de las maravillas sónicas de Washington. Constituye, ciertamente, un espacio de una cualidad resonante extraordinaria. Un descubrimiento de significación similar a la que en su día pudo tener para los integrantes de la Deep Listening Band el hallazgo de la cisterna Dan Harpole en Fort Worden (Port Townsend, Washington).

La grabación nos ofrece completo el recorrido que el artista lleva a cabo en el túnel por espacio de unos tres cuartos de hora. Advertimos claramente como entra en él y también como lo abandona. Accede ahí -nos dice- sin linterna y se desplaza hacia la torre de refrigeración guiándose únicamente por sus oídos. De su interacción con lo que en él encuentra resulta la composición del lugar. Envuelto en una inquietante atmósfera a la que principalmente contribuye esa magnificente sonoridad del recinto, DeLaurenti avanza entre agua y escombros. De estos podría obtener algún objeto contundente con el que golpea las paredes de ese gran cilindro para hacernos notar su poder reverberante. Además le acompañan ocasionalmente los sonidos de una sirena lejana y los producidos por lo que parece un receptor radiofónico.

Por lo que al aspecto de la edición se refiere, destacamos que el CD viene resguardado en una elegante cubierta de cartulina cuyo diseño cuenta con la reproducción de un detalle de "Axis", un dibujo a bolígrafo del artista visual Robert Lansden.

"To the Cooling Tower, Satsop" CD: 1. 'To the Cooling Tower, Satsop' (44:05).

CD; Duración total: 44:05

Jean-Léon Pallandre & Laurent Sassi: "Berger d'Aubrac"

Jean-Léon Pallandre & Laurent Sassi

Berger d'Aubrac
(CP9704)

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Dentro de la colección de postales sonoras que edita la Compagnie Ouïe/Dire, la correspondiente a la creación "Berger d'Aubrac" destaca por ser una de las más atractivas. Fue realizada en 1997 por los artistas y fonografistas Jean-Léon Pallandre (Albi, Francia, 1962) y Laurent Sassi (Abiyán, Costa de Marfil, 1973) y publicada en soporte mini CD ese mismo año. Consiste en un retrato sonoro de Raymond Redon, personaje a quien las breves notas de la edición le atribuyen la condición de último pastor de ovejas en Aubrac, localidad perteneciente al departamento francés de Lozère.

Provistos de sus herramientas de captación sonora, los artistas siguieron al pastor en plena actividad diaria al frente de su rebaño, pero también escucháronle atentos en la cocina de su hogar rural mientras contaba anécdotas relativas a su oficio. De la serie de grabaciones obtenidas resultó esta composición de escasos veinte minutos de duración. Las seis secuencias que la integran, ocasiones todas vividas junto a Redon, nos acercan no solo a la propia persona -un hombre sencillo, hecho a si mismo, cuya voz grave y tosca le confiere un especial carácter-, sino que además nos descubren la singularidad de su entorno, ese conjunto acotado de circunstancias que han dado sentido a su vida. Sin caer en dulcificación ninguna, Pallandre y Sassi logran representar todo ello pródigo en calidades.

"Berger d'Aubrac" mini CD: 1. - 6. 'Berger d'Aubrac' (1997).

Mini CD; Duración total: 18:40

John Cage: "John Cage Anniversary 1912-2012, The Number Pieces"

John Cage

John Cage Anniversary 1912-2012, The Number Pieces

(MDC 7793)

39,00 EUR más gastos de envío - Pídelo

Entre 2002 y 2007, Megadisc Classics publicó cuatro álbumes dedicados por completo a la extensa serie de "Number Pieces" de John Cage (1912-2012): "The Fives (x)" (MDC 7815), "Eight-Two-One^4" (MDC 7803), "Fourteen-Seven-Ten-Three^2" (MDC 7801) y "Thirteen-Four⁶-Four^3" (MDC 7799). En 2012, para conmemorar el centenario del nacimiento del autor estadounidense, la firma discográfica belga reunió esos cuatro CDs en una envoltura de cartón y presentó la nueva referencia (MDC 7793) con el título "John Cage Anniversary 1912-2012, The Number Pieces".

A lo largo de sus últimos seis años de vida Cage escribió cuarenta y ocho "number pieces", obras conocidas también con la denominación de "time-bracket pieces". Cada una de estas obras lleva por título un número escrito con letras que designa la cantidad de intérpretes para los que fue compuesta. Cuando al final del título, en la parte superior derecha, figura un superíndice numérico, este indica el orden cronológico de la composición. Así, 'One^4' representaría la cuarta de las piezas escritas para un solo intérprete. La notación es esencialmente la misma en todas las piezas de la serie y el material musical empleado en ellas lo constituyen principalmente simples sonidos aislados o acciones de sencilla realización. Son todos ellos trabajos ejecutados sin la intervención de una dirección musical. Cada intérprete es responsable de seguir minuciosamente su juego de instrucciones, respetando lo señalado en su propio esquema temporal ("time brackets"). Precisamente con los paréntesis temporales, Cage advierte al intérprete tanto del intervalo dentro del cual debe empezar a tocar, como del intervalo dentro del cual la interpretación del evento concreto debe quedar completada.

En uno de los cuatro libretos contenidos en esta caja con CDs que ahora ofrecemos, James Fulkerson, trombonista, compositor y codirector artístico de The Barton Workshop, la formación encargada de interpretar los quince trabajos aquí reunidos, se permite reproducir el último párrafo del libro “The Music of John Cage” del autor James Pritchett en el que justamente se refiere a las “Number Pieces”. A continuación transcribimos traducido un fragmento del mismo:

"Estos trabajos son tan bellos porque retornan a las cualidades compositivas de John Cage: concentración, espaciosidad, simplicidad. Porque cada paréntesis contiene un único sonido, hay una intensidad en todas y cada una de las notas, una concentración focalizada en cada evento. Nada aquí es de relleno, cada nota es sumamente a propósito. El silencio que rodea los sonidos es crucial: provee tanto la cualidad flotante de los paréntesis temporales como la espaciosidad que Cage amaba y que había buscado ya desde el 'Concerto for Prepared Piano'. Finalmente, dado que los materiales son tan simples -tonos individuales- las relaciones entre ellos pueden surgir de ellos mismos, pueden aparecer del silencio. La música es natural y transparente. Estas son todas cualidades encontradas en algunas de las músicas más inspiradas de Cage a lo largo de una carrera de sesenta años como compositor".

"John Cage Anniversary 1912-2012, The Number Pieces" 4CD:

CD 1: The Fives (x) 1. 'Five' (1988) para cualesquiera cinco instrumentos (versión para cinco clarinetes) (5:05); 2. 'Five' (1991) para corno inglés, dos clarinetes, clarinete bajo y timbales (5:03); 3. 'Five' (1991) para trombón y cuarteto de cuerda (40:11); 4. 'Five' (1991) para saxofón soprano, saxofón alto y tres percusiones (5:10); 5. 'Five' (1991) Flauta, 2 clarinetes sopranos, clarinete bajo y percusión (5:01).

CD 2: Eight-Two-One⁴ 1. 'Eight' (1991) para flauta, oboe, clarinete, fagot, trompa, trompeta, trombón y tuba (59:42); 2. 'Two' (1987) para flauta y piano (10:00); 3. 'One^4' (1990) para batería solo (6:55)

CD 3: Fourteen-Seven-Ten-Three² 1. 'Fourteen' (1990) para piano, flauta/flautín, flauta bajo, clarinete, clarinete bajo, trompa, trompeta, dos percusiones, dos violines, viola, violoncelo y bajo (19:51); 2. 'Seven' (1988) para flauta, clarinete, percusión, piano, violín, viola, violoncelo (19:59); 3. 'Ten' (1991) para flauta, oboe, clarinete, trombón, percusión, piano, dos violines, viola, violoncelo (29:56); 4. 'Three^2' (1991) para tres percusionistas (9:00).

CD 4: Thirteen-Four⁶-Four³ 1. 'Thirteen' (1992) para flauta, oboe, clarinete soprano, fagot, trompeta en Do, trombón tenor, tuba, dos percusiones, dos violines, viola y violoncelo (30:00); 2. 'Four^6' (1992) para cualquier medio de producir sonidos (30:09); 3. 'Four^3' (1991, fragmento) para cuatro intérpretes (uno o dos pianos, doce palos de lluvia, violín u oscilador y silencio) (19:27).

4CD; Duración total: 295:42

Varios Artistas: "Voooxing Poooêtre"

Varios Artistas

Voooxing Poooêtre
(Recital Twelve)

14,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

"Disco Internacional de Poesía Sonora". Con este subtítulo el poeta Enzo Minarelli presentó "Voooxing Poooêtre", un álbum antológico que él mismo se encargó de producir y publicar en 1982 en Bondemo (Italia). El LP contenía veintidós propuestas diversas de experimentación oral y vocal -de "vocoralidad", según acuñó el propio Minarelli- efectuadas, la mayoría, durante la segunda mitad de los años setenta y principio de los ochenta del pasado siglo. Los poetas, músicos y artistas representados en la grabación fueron: Enzo Minarelli, Giovanni Fontana, Agostino Contò, Adriano Spatola, Santo S.A., Giovanni A. Bignone (Italia); Bernard Heidsieck, Jean Jacques Lebel (Francia); Rod Summers (Holanda); Klaus Groh (Alemania); Richard Kostelanetz (Estados Unidos); Vladan Radovanovic (Yugoslavia); Peter R. Meyer (Suecia), Tibor Papp (Hungría); y Grupo Texto Poético (España).

Gracias a la estrecha y reciente colaboración entre Minarelli (3ViTre Archive of Polypoetry) y el joven compositor y artista experimental Sean McCann, dueño del sello americano Recital, se publica ahora en CD, en una reedición limitada a las 500 unidades, este álbum de incuestionable valor para todo aquel interesado en conocer algunas de las voces pretéritas de una práctica artística que tiene en la imaginación y la exploración del lenguaje sus principales premisas. La reedición respeta la concepción gráfica del LP e incluye en un extenso libreto todos los textos, fotografías y reproducciones de partituras poéticas contenidos en la edición original. Además, el CD cuenta ahora con un escrito introductorio adicional de Minarelli.

"Voooxing Poooêtre (International Record of Sound Poetry" CD:

1. - 2. Bernard Heidsieck 'Canal Street n. 3' (3:20), 'Canal Street n. 9' (0:43) 1973-1976; 3. Rod Summers 'Rat Sense' (4:14) 1982; 4. - 5. Klaus Groh 'Dadadance' (2:42) 1979-1982, '100 Drops' (1:47) 1982; 6. - 8. Enzo Minarelli 'Sinergicoral a.' (2:22), 'Sinergicoral b.' (1:46) 1981, 'Lablingdent' (0:52) 1982; 9. Giovanni Fontana 'Pomeridiana' (4:07) 1979; 10. - 12. Agostino Contò 'Don'ana' (1:36), 'Quarantoto' (1:36), 'Nina ò' (1:36) 1978; 13. - 14. Richard Kostelanetz 'Dialogue 2' (0:28), 'Excelsior' (1:34) 1976; 15. Adriano Spatola 'Seduction Seducteur' (2:53) 1979; 16. Vladan Radovanovic 'Recorded' (4:55) 1977; 17. Grupo Texto Poético 'Un Cierto Tiempo de Desconcierto' (3:02) 1982; 18. Peter R. Meyer 'Ektoplasma' (3:24) 1982; 19. Tibor Papp 'Pogany Ritmusok' (4:54); 1964-1981; 20. Santo S.A. 'C.S. n. 2' (2:51) 1982; 21. Giovanni Bignone 'Maschinengewehr' (2:14) 1981; 22. Jean Jacques Lebel 'P.o.e.m.e.T.r.o.u.v.é n. 2' (3:22) 1981.

CD; Duración total: 55:15

Muntadas: "21.3.1998 Mercat de Vilafranca (audio per a una intervenció)"

Muntadas

21.3.1998 Mercat de Vilafranca
(GPD-MUNTADAS-CD)

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Dispongo únicamente de seis ejemplares de este CD editado en 1998 por Galeria d'Art Palma Dotze (Vilafranca del Penedès, Barcelona).

Durante los años setenta, las "experiencias subsensoriales" a través de las cuales  Antoni Muntadas (Barcelona, 1942) exploró los componentes estéticos del gusto, del olfato y el tacto, lo llevaron a considerar los mercados como lugares privilegiados de intercambios sensoriales a la vez que de transacciones sociales y económicas.

En "21.3.1998 Mercat de Vilafranca" es el oído el sentido que se privilegia y es a través del sonido que se evidencia la complejidad y la riqueza de las transferencias que tienen lugar en el ámbito de un mercado semanal. Muntadas interviene en la Plaça de la Constitució de Vilafranca del Penedès (una de las calles ocupadas cada sábado por las paradas del mercado local) activando el sonido pregrabado de un día de mercado y enfrentándolo a los sonidos cotidianos del resto de la semana, cuando no hay mercado. Los días de mercado el mecanismo sonoro se desactiva y el sonido de la intervención participa de la transformación semanal de la ciudad: una parada del mercado lo distribuye en este CD.

Con la adquisición del CD ofrecemos gratuitamente un ejemplar del catálogo "(d)'oïda" (60 páginas; textos en catalán y con traducciones al castellano e inglés) publicado asimismo por Galeria d'Art Palma Dotze con el propósito de documentar, sucintamente, una serie de propuestas artísticas que tuvieron lugar entre octubre de 1997 y junio de 1998 en varios espacios públicos de Vilafranca del Penedès. Los artistas incluidos en el catálogo son: Eugènia Balcells, Mestres Quadreny, Muntadas, Roman Opalka, Perejaume, Núria Solsona, Rosa Tarruella y Antònia Vilà.

"21.3.1998, Mercat de Vilafranca" CD: 1. '21.3.1998, Mercat de Vilafranca (audio per a una intervenció)' (30').

CD; Duración total: 30:00