Llorenç Barber / Montserrat Palacios: "La mosca tras la oreja"

Llorenç Barber / Montserrat Palacios

La mosca tras la oreja - De la música experimental al arte sonoro en España

(ISBN: 978-84-8048-815-0)

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"La mosca tras la oreja" propone un exhaustivo repaso a la historia de la música experimental y el arte sonoro en España. Publicado en 2009 en la colección Exploraciones de Ediciones Autor, de la Fundación Autor de la SGAE, el libro recoge las distintas corrientes de la música experimental presentes a lo largo de la geografía española durante el siglo XX y los primeros años del XXI, ofreciendo un crisol de enfoques, acercamientos y perspectivas musicales que ponen de manifiesto la extrema riqueza creativa de nuestros autores en lo que a manifestaciones musicales de vanguardia se refiere.

Hablar de "La mosca tras la oreja" es enfrentarse a un tránsito fundamental para entender el mundo radicalmente nuevo en el que vivimos: tránsito que va desde un concebir arte y música como recreo, virtuosismo o producto, sueño o especulación a otro, inconcreto y en perpetua disolución en el que el énfasis ya no se pone en el componer sino en el disponer, no en el concebir sino en el recibir, no en el sonido en sí (un sonido son todas las maneras de ser escuchado), no en el instrumento, ni siquiera en el tiempo, sino en la situación creada y en todas las conexiones que tal situación es capaz de generar en quien se adentra en ella.
"La mosca tras la oreja" expone ese (a veces) tortuoso y fluido "devenir" en el que tantos y tan disímiles músicos, a-músicos, no-músicos y demás propositores han confluido. Ordenar, exponer más que explicar, y, si acaso, explicitar subyacentes intenciones, prácticas, pensamientos y demás vicisitudes constituye el meollo de un libro que se nos hizo urgente y que nace ya viejo de tanto como corren los bárbaros tiempos presentes: ¡Oreja, más oreja!... ¡Muera el flit!

Al libro de 528 páginas le acompañan cuatro CDs con casi medio centenar de propuestas sonoras que ilustran el rico y diverso mapa sonoro que dibuja el texto.

CD-1: 1. Iury Lech 'Aturdidamente'; 2. Durán Vázquez 'Chernobil, mon amour'; 3. Edith Alonso 'Transmigration'; 4. Dj Amsia 'Aritmia'; 5. Equipo Elevador 'Pompeya Secreta'; 6. Orquesta Foco 's/t' (frag.); 7. Julio Sanz y Soundwork Players 'Equilibrio Ambivalente'; 8. Miquel Jordà 'El sueño de Herodoto'; 9. Francisco López 'Untitled #200'; 10. Sin Red 'Colibrís'; 11. Sin Red 'Campana sola'; 12. Carlos Galán 'Interludio Matérico IV, op. 42, Música matérica V'; 13. Ferran Fages, Ruth Barberán, Alfredo Costa Monteiro 'Uyoti'; 14. Alfredo Costa Monteiro 'Orée'. CD-2: 1. María de Alvear 'Libertad' (frag.); 2. Nilo Gallego 'Felipe vuelve a casa con sus ovejas sonando'; 3. Truna 'Anotaciones sobre el verdadero gas'; 4. Antorcha Amable 'Dentro de la Ballena'; 5. Dario Moratilla 'Real de Once'; 6. Rubén García 'Lomahueca'; 7. Jaime del Val 'Microdanza' (frag.); 8. Juan Cantizzani 'Glissandi'; 9. J. J. G. Roy 'Anatomía del ruido'; 10. Miguel Álvarez-Fernández 'Armónicos'; 11. Josep-Maria Balanyà 'Ritual of silence'; 12. Víctor Nubla 'Música Degenerada'; 13. Sergi Jordà 'OFF ICMC Part I'; 14. Coeval ‘Track 8’. CD-3: 1. Pelayo Fernández Arrizabalaga ‘La piel de un milenio’; 2. Antonio Murga ‘Creatus Angelus’; 3. Avelino Saavedra ‘Improvisación 39’; 4. Orquesta de las nubes 'Tiestos'; 5. Carles Santos 'Pianotrack: Bujaraloz by night'; 6. OCQ 'Muñeco'; 7. Javier Maderuelo 'Eco'; 8. Eduardo Polonio 'Improvisación con formas frías'; 9. Xavier Maristany 'Stratum'; 10. Bartomeu Ferrando 'A Fuenciscla Francés'. CD-4: 1. Fátima Miranda 'Nila Asilah Sea'; 2. Antoni Caimari 'Nocturnals'; 3. Tsukiko Amakawa 'Keys'; 4. Markus Breuss 'KoMoBi'; 5. Pep Llopis 'Xixarres'; 6. José Luis Carles 'Vuelta a Valencia'; 7. José Iges 'Seven Minutes Desert'; 8. Adolfo Núñez 'Yacimiento Ignorado'; 9. Wade Matthews 'Line Nine'; 10. José Manuel Berenguer 'Islands'; 11. Tres 'Cóctel Silencioso' (frag.).

Formato: Libro+4CDs; Duración total CDs: 295:49

Pauline Oliveros and the University of Michigan Digital Music Ensemble

Pauline Oliveros and the University of Michigan Digital Music Ensemble

(DL-DVD-3)

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Pionera en la composición con instrumentos electrónicos, Pauline Oliveros (1932- ) es sin duda una de las figuras más sobresalientes de la amplia comunidad de artistas y compositores experimentales norteamericanos. Es asimismo una reputada intérprete de acordeón y artífice de dos concepciones o actitudes perceptivas ('Sonic Meditations' -meditaciones sónicas- y 'Deep Listening' -escucha profunda-) sobre las que ha fundamentado la mayor parte de su obra musical. Fundadora de la formación Deep Listening Band, desde 1985 preside The Pauline Oliveros Foundation, entidad que promueve y difunde la creación de numerosos artistas y formaciones experimentales. Por su parte, la Digital Music Ensemble (DME), dirigida por el profesor y compositor Stephen Rush y formada por estudiantes de música, arte, danza e ingeniería de la Universidad de Michigan, lleva veinte años colaborando con músicos y artistas contemporáneos en la interpretación y puesta en escena de innovadoras creaciones musicales, a menudo ignoradas en el ámbito académico. Además de instrumentos convencionales, sus actuaciones incorporan danza así como múltiples herramientas tecnológicas, objetos y utensilios domésticos. Entre otros, la DME ha presentado trabajos de compositores legendarios como La Monte Young, John Cage o Philip Glass y ha grabado con "Blue" Gene Tyranny y, como en el caso que nos ocupa, con Pauline Oliveros.

Publicado en 2010 por el Instituto Deep Listening, el presente DVD contiene la grabación videográfica del concierto que la DME ofreció, junto a la compositora estadounidense, el 24 de enero de 2003 en el Centro Duderstadt de la Universidad de Michigan. Un concierto cuyo programa incluyó 'Sound Piece', 'Heart of Tones' y ‘Sound Fishes’, tres composiciones experimentales escritas en los años noventa por Oliveros y que, como muchas otras de su repertorio, concibió a modo de meditaciones sónicas. Las partituras correspondientes a estas tres piezas, incluidas también en el DVD, sugieren fundamentalmente estrategias de atención para los participantes en la meditación o exploración sonora en cuestión. Siguiendo una serie de simples instrucciones escritas y sobre todo mediante el estímulo de una escucha atenta, el intérprete reacciona en consideración a sí mismo, a los demás participantes y al entorno. Con una puesta en escena que resulta tan sencilla como efectiva, y ya sea en el ejercicio de evocar una pesca de sonidos, una penetrante excursión musical microtonal o la celebración múltiple de un sonar desprejuiciado, Oliveros actúa aquí en comunión, como un miembro más de este original grupo de jóvenes intérpretes.

Además de las partituras y el concierto reproducible también en sonido envolvente 5.1, el DVD incluye notas biográficas, créditos y la posibilidad de escuchar 'Sound Piece' comentada por tres de sus intérpretes (Stephen Rush, Chris Peck y Jon Moniaci). Asimismo, ofrece la posibilidad de visualizar el espectrograma correspondiente a 'Heart of Tones'. "Pauline Oliveros and the University of Michigan Digital Music Ensemble" DVD: 'Sound Piece' (1998); 'Heart of Tones' (1999); 'Sound Fishes' (1992). DVD-Video NTSC, todas las zonas.

Formato: DVD; Duración total: 58:33

Charlemagne Palestine: "Strumming Music for Piano, Harpsichord and Strings Ensemble"

Charlemagne Palestine

Strumming Music for Piano, Harpsichord and Strings Ensemble

(SR297)

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El compositor, intérprete y artista visual Charlemagne Palestine nace en Brooklyn, Nueva York, en 1947. Cursó estudios musicales y artísticos en las Universidades de Nueva York y Columbia, la Mannes College of Music y el Instituto de Artes de California (CalArts). Será precisamente en el CalArts, tras haber compuesto unas primeras piezas electrónicas en Nueva York, donde descubrirá su devoción por el piano Bösendorfer y desarrollará su famosa técnica de strumming music. De vuelta a Nueva York, a principios de los setenta, protagonizará numerosos maratones pianísticos en su loft de North Moore Street así como en el Experimental Intermedia Center y The Kitchen. Actuaciones que alternará con breves y repetidas estancias en Europa y con un paulatino impulso a su creación visual. Considerado por la crítica como uno de los máximos representantes del minimalismo musical estadounidense, Palestine, sin embargo, ha rehuido siempre de esa distinción. No en vano, a finales de los setenta, cuando el minimalismo pasa quizá por su momento de mayor popularidad, gracias a la obra de músicos como Philip Glass o Steve Reich, Palestine decide abandonar por unos años la música, residir fundamentalmente en Europa y concentrarse en sus actividades como pintor, escultor, creador videográfico y performer. A partir de los noventa reanudará su carrera compositiva e interpretativa, grabará múltiples discos y abundarán también los recitales de su particular música repetitiva y de trance.
Reunidos en este triple disco compacto, publicado recientemente en el sello Sub Rosa, encontramos tres espléndidos ejemplos de strumming music realizados entre 1974 y 1977. Un término con el que Palestine alude tanto a la técnica interpretativa como al resultado de unas piezas pianísticas de alto contenido repetitivo. En palabras del compositor Ingram Marshall, autor de un interesante texto contenido en el libreto de esta edición: La rápida alternancia entre notas individuales y acordes y diferentes registros, se convirtió en una técnica que él (Palestine) parecía poseer... "Strumming" era la técnica física; las melodías y armonías que resultaban hacían que la música respirara y se mantuviera viva. Al cabo de un rato, el oído no distingue entre las notas que suenan a causa de los macillos y aquellas que son armónicos generados por la resonancia natural del piano y que sólo aparecen por la situación acústica.

Palestine siempre ha preferido ser él el intérprete de su propias piezas y, en más de una ocasión, ha manifestado que esta música sólo debería ser tocada en un piano Bösendorfer Imperiale Grand. Sin embargo, y a pesar de que la primera de las obras aquí incluidas, 'Strumming for Bösendorfer piano' (1974), cumpla con esos dos requisitos y sin duda se erija en el ejemplo más genuino y refinado de strumming, la edición también cuenta con dos sorpresas. Una de ellas consiste en una versión para clavicordio, 'Strumming for Harpsichord', que el compositor preparó para su amiga Elizabeth Freeman y que, interpretada por ella, llega aquí en una grabación de un concierto celebrado en el Carnegie Recital Hall de Nueva York, en 1977. La otra, fechada también en 1977, es una realización para instrumentos de cuerda, 'Strumming for Strings', que surge del trabajo que Palestine llevó cabo junto a doce alumnos del Conservatorio de Música de San Francisco, en un evento organizado por el conocido compositor John Adams.

"Strumming Music for Piano, Harpsichord and Strings Ensemble" CD 1: 1. 'Strumming for Bösendorfer piano'. CD 2: 1. 'Strumming for Harpsichord'. CD 3: 1. 'Strumming for Strings'. La edición, presentada en digipack, incluye diversas fotografías y un libreto de catorce páginas con el texto ‘Charlemagne Palestine the orignal Titinnabulist’ y la reproducción de una nota periodística de John Rockwell a propósito de un recital que Palestine ofreció en enero de 1974 en Nueva York.

Formato: 3CD; Duración total: 112:04

Tristram Cary: "It's time for Tristram Cary"

Tristram Cary

It's time for Tristram Cary

Works for film, television, exhibition and sculpture

(JBH035CD)

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Nacido en Oxford en 1925, Tristram Cary fue el tercer hijo del famoso escritor irlandés Joyce Cary. Desde pequeño ya mostró interés por la ciencia, el sonido y la electrónica. Cursó estudios musicales en la Winchester School y el Trinity College. Durante la Segunda Guerra Mundial se alistó en el cuerpo militar de la Marina Real Británica donde desempeñó, entre otras, la función de operador de radar. Allí descubrió algunos de los primeros dispositivos tecnológicos para la grabación de sonido. A su regreso continuó estudiando y estableciendo gradualmente su propio estudio de música electrónica. En 1955 recibió el encargo de escribir la banda sonora para la película "The Ladykillers" del cineasta Alexander MacKendrick. Un primer trabajo que propiciaría nuevas colaboraciones musicales, no sólo en el ámbito del cine sino también en el del teatro, la radio y la televisión. En 1967 fundó el Royal College Of Music Electronic Studio, compuso la música para la película de ciencia ficción "Quatermass And The Pit" y, junto a Peter Zinovieff y David Cockerell, fundó los EMS (Electronic Music Studios), la primera compañía que diseñó y fabricó sintetizadores en el Reino Unido. En 1974, tras una gira que el compositor realizó por tierras australianas, le ofrecieron ejercer de compositor residente en la Universidad de Adelaida. Cary aceptó y se mudó a esa ciudad decidido a permanecer en ella. Trasladó allí su estudio de música electrónica y trabajó en el ámbito universitario hasta 1986. Posteriormente siguió activo en calidad de compositor free lance. En 1991 el gobierno australiano le condecoró con la Medal Of The Order of Australia en reconocimiento a los servicios prestados en favor del desarrollo de la música de ese país. Murió en 2008 a la edad de ochenta y dos años.

Aunque uno de los principales logros en la trayectoria de Cary fue, sin duda, la invención del legendario VCS3, sintetizador que posteriormente popularizarían grupos y artistas como Pink Floyd, Roxy Music o Brian Eno, el verdadero legado del compositor reside en su importante y prolífica producción musical.

Con la misión de difundir su obra, particularmente la electrónica, Tall Poppies y Electronic Music Foundation aunaron esfuerzos en la edición, en 2000, de un excelente doble disco compacto monográfico titulado "Soundings". Por su parte y con el mismo propósito, Johny Trunk en su sello Trunk Records ha publicado recientemente el CD que presentamos: "It’s time for Tristram Cary". El disco contiene una variada selección de piezas breves y fragmentos de obras, también primordialmente electroacústicas, que Cary produjo en los años sesenta y setenta en cumplimiento fundamentalmente de encargos de diversa índole. Entre ellas, encontramos el acompañamiento musical para una obra escultórica; la música que realizó para la Exposición de 1967, celebrada en Montreal; composiciones para documentales televisivos y producciones cinematográficas; y las que escribió como soporte publicitario de varios productos empresariales. Al margen del puro encargo compositivo, la grabación incluye además dos clásicos de su repertorio electroacústico como son: '3 4 5 - A Study on Limited Resources' (estrenada el 15 de enero de 1968 en el que fue el primer gran concierto de música electrónica celebrado en Gran Bretaña) y 'Narcissus', para flauta y dos magnetófonos, seguramente una de las composiciones más interpretadas e influyentes del compositor. Con algunas creaciones de ingeniosa elaboración y otras algo más incidentales, "It’s time for Tristram Cary" constituye, en cualquier caso, un documento histórico y una estupenda introducción al trabajo desarrollado por este, quizá demasiado olvidado, compositor y pionero de la música electrónica.

"It's time for Tristram Cary - Works for film, television, exhibition & sculpture" CD: 1. 'Music for Light (Red / White)'; 2. 'Music for Light (Short Orange)'; 3. 'Music for Light (Red / Green / White dubbing track)'; 4. 'Visible Manifestations (E1 A - D)'; 5. 'Visible Manifestations (F 31)'; 6. 'Visible Manifestations (E11, E12, E13, E14, A - E)'; 7. 'A Hill, Some Sheep And A Living (1M 1 take 2)'; 8. 'A Hill, Some Sheep And A Living (1M 2A)'; 9. 'A Hill, Some Sheep And A Living (M6 take 3)'; 10. 'Opus (M1 - Electronic Titles, montage of metal sounds)'; 11. 'Opus (House Sequence / Cocktail Party Montage)'; 12. 'Opus (House Sequence continued)'; 13. 'Opus (M6 A take 3)'; 14. 'Opus (Green, drum track with reverb)'; 15. 'Tests, for Casino Royale (Opening section)'; 16. 'Tests, for Casino Royale (Torture SFX Part 1 - persuasion by pain)'; 17. 'Tests, for Casino Royale (Torture SFX Part 2)'; 18. 'Tests, for Casino Royale (Further SFX)'; 19. 'Centre Music'; 20. 'Escalator Music'; 21. 'Shaped For Living (1M1, 7 sounds)'; 22. 'Shaped For Living (1M5, 8 sounds)'; 23. 'Shaped For Living (1M6 sounds 5 - 9)'; 24. 'Shaped For Living (1M7, 18 sounds)'; 25. 'Shaped For Living (2M8, 5 sounds)'; 26. 'Shaped For Living (mixed track)'; 27. 'The Curious History Of Money (effects Part 11)'; 28. 'The Curious History of Money (M12)'; 29. 'Divertimento (Start)'; 30. 'Divertimento (Performance Tape section)'; 31. '3 4 5 - A Study On Limited Resources'; 32. 'Narcissus'.

La edición contiene además varias fotografías del compositor y un libreto de ocho páginas con una reseña biográfica, notas a las piezas incluidas en el CD y un breve escrito de su hijo John Cary.

Formato: CD; Duración total: 67:21

Varios Artistas: "An Anthology of Noise & Electronic Music vol. 6"

Varios Artistas

An Anthology of Noise & Electronic Music vol. 6

(SR290)

21,00 EUR más gastos de envío - Pídelo

Sexta y, por lo que parece, penúltima entrega de esta singular antología de grabaciones a propósito de la música electrónica y de la creación sonora basada en el empleo y amplificación de muy diversas fuentes de ruido. 

De la mano de Guy Marc Hinant y el sello Sub Rosa, "An Anthology of Noise & Electronic Music" inició su andadura en el año 2001 con una edición en doble disco compacto, presentada en un atractivo digipack, provisto de un extenso libreto. En aquellos discos se incluían obras iniciales del arte sonoro, clásicos y no tan clásicos de la música electroacústica, así como otras propuestas, más o menos emergentes, de estilos musicales relacionados con lo que podríamos denominar como ruidismo. Esa misma presentación y selección del repertorio ha persistido en los ulteriores volúmenes de la colección y acaso puede observarse en ellos, un ligero y paulatino incremento de las piezas ruidistas. En el caso de la entrega que nos ocupa, la mayor presencia del noise es incuestionable. Algunas creaciones pioneras de la música electrónica, representadas aquí por compositores como Dick Raaijmakers, Else Marie Pade o Tzvi Avni, conviven con trabajos electroacústicos mucho más actuales (particularmente destacados los de Israel Martínez, Ata Ebtekar y Manuel Rocha Uturbide) y una considerable exploración de géneros y subgéneros del noise, deteniéndose especialmente en la escena japonesa.

En definitiva, "An Anthology of Noise & Electronic Music Vol. 6" incluye un total de veintiséis piezas, doce de ellas inéditas, abarcando un periodo comprendido entre 1957 y 2010. De reciente publicación, la edición contiene además un libreto de cincuenta y dos páginas con datos biográficos de los compositores y artistas participantes, descripciones de las piezas y algunas notas adicionales a cargo del impulsor y coordinador del proyecto.

CD 1: 1. Israel Martínez 'Mi Vida' (2007); 2. Ata Ebtekar / Sote 'Gas in Ice' (2008); 3. Joseph Nechvatal 'Ego Masher' (1983); 4. Oliver Stummer & Leisl Ujvary 'Trautonium Jetztzeit #4' (1930 > 2008); 5. Henry Cowell 'The Banshee' (1925 > 1957); 6. Dick Raaijmakers 'Piano-forte' (1959-60); 7. Manuel Rocha Iturbide 'Estudio Antimatierico No. I' (1989); 8. Tetsuo Furudate 'You are the man who crucified him' (2008); 9. Kohei Gomi / Pain Jerk 'Aufheben' (1993); 10. Hijokaidan 'Untitled' (1994); 11. Incapacitants 'Shall we die?' (1990); 12. Torturing Nurse 'Yes or No' (2010); 13. Sachico M '2808200' (2000); 14. Ultraphonist 'How to practice scales' (2000).

CD 2: 1. Z'ev '12 november 1980, Melkweg, Amsterdam' (1980); 2. Daniel Menche 'Fulmination' (2009); 3. John Wiese 'New Wave Dust' (2004); 4. Rico Schwantes / The Pain Barrier 'Virus' (2003); 5. Julie Rousse 'Flesh Barbie Techno Fuck' (2008); 6. Bird Palace / Christian Vogel & Pablo Palacio 'PHing' (2009); 7. Robert Piotrowicz 'Lincoln Sea Ice Walk' (2009); 8. Tzvi Avni 'Vocalise' (1964); 9. Else Marie Pade 'Syv Cirkler' (1958); 10. John Duncan 'The Nazca Transmissions #2' (2005); 11. Stephen O'Malley 'Dolmens & Lighthouses' (2009); 12. ILIOS 'The continuum of emanation from the One' (2009).

Formato: 2CD; Duración total: 157:41

Robert Iolini: "Songs from Hurt"

Robert Iolini

Songs from Hurt

(ReR RI2)

16,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

Compositor, productor y artista multidisciplinar, Robert Iolini (1960- ) es autor de un repertorio innovador y estilísticamente diverso. Titulado en composición avanzada en la Universidad Macquarie, en Sydney, Australia, su actividad creativa incluye aspectos de la música, el cine, la poesía, la antropología, la creación videográfica, el documental y el arte sonoro. 'The Hong Kong Agent' (2008), 'The Wounding Song' (2006) y 'Black Sheep' (2001) son algunos ejemplos representativos de su original trabajo multiforme. Desde 1994 ha colaborado con la Australian Broadcasting Corporation produciendo numerosas obras radiofónicas para el programa 'The Listening Room'. Además, ha recibido encargos compositivos de la Radio Nacional Danesa, el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, el Netherlands Program Service y Big hArt Inc. Su composición 'Hong Kong: City in Between' fue una de las ganadoras en el festival 'Soundscapes be)for(e 2000', celebrado en Amsterdam en noviembre de 1999.

Publicado en 2005 en ReR Megacorp, el CD "Songs from Hurt" contiene tres de sus destacados trabajos radiofónicos, realizados entre 1998 y 2001, para la Australian Broadcasting Corporation.

Compuesta para piano e instrumentos electrónicos de teclado, la voz de la actriz Virginia Baxter y los sonidos de varios proyectores cinematográficos y de un fotoplayer de 1927 (un antiguo instrumento mecánico, fabricado para acompañar musicalmente las películas mudas), 'Silent Motion' discurre a propósito del papel de la música en el cine. Más allá de reafirmar la importancia de ésta a la hora de acompañar o ilustrar una secuencia fílmica, el texto que Virginia Baxter lee con absoluta pulcritud, propone también algo así como un manual de buenas artes para el músico de bandas sonoras. Por su parte, y dando aquí el mejor ejemplo posible, Iolini engalana ese relato con una espléndida música de teclados y mecanismos sonantes. Partiendo de la archiconocida y festiva melodía 'Funiculi, funicula' del italiano Luigi Denza, 'Silent Motion' transcurre animosa entre efectivos juegos rítmicos y ciertos pasajes de misteriosa introspección. Todo ello como expresión evocadora de un pasado de ilusión.

De signo claramente distinto son las dos restantes obras incluidas en el disco. 'Songs from Hurt' tiene su origen en la recopilación de una serie de entrevistas que formarían parte del docudrama "Hurt", dirigido en 1999 por el realizador Phillip Crawford. Con este material grabado, Iolini compuso una impactante creación radiofónica para voces y banda de rock a propósito de experiencias de marginalidad juvenil. Así es, dividida en siete canciones o episodios de escasos tres minutos de duración cada uno, 'Songs from Hurt' cuenta en un estilo directo, casi desafiante, distintas historias de desolación, desapego familiar, maltrato y actividad delictiva, vividas por jóvenes adolescentes de zonas rurales y pequeñas ciudades australianas. Testimonios que aquí el compositor arropa en todo momento con impecables montajes de un contenido vigor rockero, interpretados por él mismo y el batería Hamish Stewart. Por último, 'Black Sheep' incide de nuevo en la exploración de situaciones de marginalidad. En esta ocasión, los protagonistas de este trabajo radiofónico concebido en 2001, son antiguos, actuales y potenciales presos del Centro de Detención Juvenil Don Dale, en Darwin, Australia. Con su testimonio y el de algún que otro educador y trabajador de aquella comunidad, Iolini compone un excelente y crítico documento, orquestado electroacústicamente con sonidos obtenidos de la vida cotidiana en prisión y otros generados por los propios intervinientes en el relato.

"Songs from Hurt" CD: 1. 'Silent Motion' (1998); ('Songs from Hurt' - 2001) 2. 'Lines on Face'; 3. 'Exiled'; 4. 'Boy Fire Police'; 5. 'Girl Boxer Father'; 6. 'Drug Murder'; 7. 'Mum Beats Son'; 8. 'Mum Dad Strangle'; 9. 'Black Sheep' (2001). La edición contiene un libreto de dieciséis páginas con los textos originales incluidos en las tres piezas del CD.

Formato: CD; Duración total: 58:12

Crawling With Tarts: "Ochre Land, Blue Blue Skies; Grand Surface Noise Opera Nr. 7"

Crawling With Tarts

Ochre Land, Blue Blue Skies; Grand Surface Noise

Opera Nr. 7

(P21039-2)

16,85 EUR más gastos de envío - Pídelo

Unidos por afinidades artístico-musicales y por su decidida voluntad experimental, Michael Gendreau y Suzanne Dycus-Gendreau fundaron en 1983 la formación estadounidense Crawling With Tarts. A lo largo de sus quince años de actividad llegaron a publicar una veintena larga de grabaciones en distintos formatos y además contribuyeron con múltiples creaciones sonoras en otros tantos álbumes recopilatorios. En su trabajo, de marcada vocación conceptual, utilizan instrumentos diversos y poco convencionales, objetos amplificados, motores eléctricos, voces, músicas y sonidos grabados con el propósito de procurar originales discursos musicales, a menudo devotos de lo irracional. En este sentido, merecen especial mención sus "Grand Surface Noise Operas", una serie de siete collages sonoros surrealistas de los cuales el disco que presentamos incluye su última entrega.
Aunque Gendreau y Dycus compusieran 'Grand Surface Noise Opera Nr. 7' en 1994 y dos años más tarde grabaran esta espléndida realización de treinta y cinco minutos, manejando un antiguo magnetófono de casete de cuatro pistas, no fue hasta 2006 cuando Al Margolis decidió publicarla en CD en su sello Pogus Productions. Un registro que además contiene la también extensa 'Ochre Land, Blue Blue Skies' (1996-7), seguramente una de las últimas piezas compuestas por Crawling with Tarts.

En la misma esencia de 'Grand Surface Noise Opera Nr. 7' y de los demás episodios de la serie está el empleo de aparatos tocadiscos, discos fonográficos de vinilo y, sobre todo, la casi omnipresencia de ese ruido crepitante de superficie que produce el tránsito de la aguja sobre los surcos del disco. Aunque en ocasiones Dycus y Gendreau hayan incorporado en estas singulares 'óperas' alguna que otra incursión instrumental, lo que verdaderamente trasciende de ellas es el montaje con los sonidos grabados. En la que nos ocupa, el collage propuesto es sencillamente delirante. Tras una introducción que combina breves resonancias cristalinas con un piano de juguete y diversos ruidos ambientales, se sucederán varias secuencias con los montajes más ingeniosos y amenos de la obra: discos de transcripción y otro material fonográfico reproduciendo voces y más voces leyendo cartas o practicando idiomas; antiguas músicas populares y de baile acompañadas de anuncios publicitarios y fragmentos de entrevistas y otras emisiones radiofónicas; bandas sonoras de viejas películas que darán paso a un todavía más extravagante pasaje hecho de persistentes golpes metálicos y del sonar de unos tonos o indicadores electrónicos; seguidamente, abundantes grabaciones y melodías de órgano junto a nuevas voces y una última aparición del inicial piano de juguete, concluirán tan denso programa.

Por su parte, 'Ochre Land, Blue Blue Skies' fue realizada en solitario por Gendreau aunque con cierta colaboración conceptual de Dycus y empleando útiles diseñados por ambos. La pieza fue presentada orginalmente en abril de 1997, en una actuación que tuvo lugar en San Francisco. En ciertos pasajes de esta posterior realización de estudio, Gendrau utilizaría fragmentos grabados durante ese concierto. Lejos de ese espíritu más lúdico e hipercombinatorio de 'GSNO Nr. 7', 'OLBBS' discurre por cauces de mayor templanza e introspección. Aquí, Gendreau experimenta con el contraste de dilatadas texturas formadas por los sonidos de objetos, pequeños mecanismos amplificados y distintas fuentes de ruido electroestático. Así, su interés parece residir, en esta ocasión, en la mera exploración tímbrica de esos sonidos que, gozando de un amplio rango dinámico, habitan holgados un entorno pseudoindustrial.

"Ochre Land, Blue Blue Skies; Grand Surface Noise Opera Nr. 7" CD: 1. 'Ochre Land, Blue Blue Skies' (1996-7); 2. 'Grand Surface Noise Opera Nr. 7: The Decadent Opera(Rococo)' (1994).

Formato: CD; Duración total: 69:07

David Dunn: "Autonomous and Dynamical Systems"

David Dunn

Autonomous and Dynamical Systems

(NW80660-2)

15,95 EUR más gastos de envío - Pídelo

El compositor y artista sonoro David Dunn nace en San Diego, California, en 1953. Desde 1970 a 1974 fue asistente del célebre músico y creador Harry Partch. Miembro asimismo de la Harry Partch Ensemble durante algo más de una década, Dunn cuenta además con una extensa trayectoria creativa que abarca la composición para cine y vídeo, música experimental y electroacústica, trabajos instalativos, creación radiofónica e investigación bioacústica y paisajística. Una destacada producción, a menudo regida por su recurrente idea de considerar la música como fuente comunicativa con el entorno viviente. Sus composiciones y grabaciones ambientales han sido objeto de análisis y debate en numerosos foros internacionales y presentadas en conciertos y emisiones radiofónicas. En 1992 organizó en la ciudad austríaca de Linz, "Eigenwelt der Apparate-welt", una ambiciosa exposición retrospectiva a propósito de la historia del arte electrónico. Además, es autor de "Music, Language and Environment", un CD-ROM publicado en 1999 que documenta con sonidos, imágenes, partituras y escritos, el desarrollo y principales logros de su carrera artística, hasta ese momento, de treinta años. En la actualidad, Dunn sigue componiendo, ejerce como profesor del Programa de Música Contemporánea en el College of Santa Fe (Nuevo México) y preside el Laboratorio del Arte y la Ciencia en esa misma ciudad.
"Autonomous and Dynamical Systems", publicado en New World Records en 2007, constituye el séptimo álbum del compositor estadounidense y contiene cuatro originales trabajos electroacústicos producidos entre 1999 y 2006. El primero de ellos lleva por título 'Lorenz' y surge de la colaboración de Dunn con el científico del caos James Crutchfield. Combinando una serie de osciladores electrónicos con una interconexión entre el programa para la exploración de ecuaciones del caos 'MODE' (Multiple Ordinary Differential Equations) y otro destinado a la síntesis de sonido, Dunn dispone un espacio acústico asombroso. A lo largo de algo más de veinte minutos, múltiples y delicados rugidos, gemidos y silbidos electrónicos inundan ese espacio en un sugestivo y autónomo vaivén hecho sólo para la observación y deleite del oyente. En ese juego musical de correspondencias entre procesos matemáticos y ejercicios de síntesis sonora, Dunn propone en 'Nine Strange Attractors' otra nueva realización. Utiliza nuevamente el programa ‘MODE’ y, en esta ocasión, exhibe, durante veinte minutos exactos, el comportamiento imprevisible de nueve ecuaciones del caos (Duffing, Lorenz, nScroll, Owl, Pendulum, ProtoLorenz4, Rikitake, Rossler y Van der Pol), cada una ellas dueña de su particular universo de sonidos.
'Autonomous Systems: Red Rocks' (2003) es, hasta la fecha, el resultado más reciente de una larga serie de trabajos en los que el compositor explora aspectos de la actividad intercomunicativa en entornos naturales. Concebida a modo de instalación al aire libre y valiéndose de micrófonos y un discreto sistema informático con los que captar y procesar información acústica de un determinado entorno para luego devolverla a ese mismo lugar, Dunn propicia un revelador y felizmente caótico sonar, protagonizado fundamentalmente por aves, insectos y múltiples destellos electrónicos. Por último, 'Gradients' cierra este audaz repertorio electroacústico con una sucesión de tres palíndromos auditivos para sonidos generados por ordenador, todos ellos basados en una transformación estructural común de tres imágenes gráficas diferentes. Dunn emplea un simple programa freeware destinado a la conversión de información gráfica en sonido para acabar creando, en una sola pieza, tres misteriosos ambientes cargados de vigorosas y, en su mayoría, ondulantes texturas electrónicas en permanente diálogo.

"Autonomous and Dynamical Systems" CD: 1. 'Lorenz' (2005); 2. 'Autonomous Systems: Red Rocks' (2003); 3. 'Nine Strange Attractors' (2006); 4. 'Gradients' (1999). La edición incluye un libreto de dieciséis páginas con un ensayo a cargo de Warren Burt y notas del propio compositor.

Formato: CD; Duración total: 67:24

Peter Cusack: "Baikal Ice (Spring 2003)"

Peter Cusack

Baikal Ice (Spring 2003)

(ReR PC2)

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Músico, compositor y artista sonoro de origen británico, Peter Cusack (1951- ) fundó y dirigió durante unos años el célebre London Musicians Collective (LMJ). Entre 1977 y 1986 formó parte, junto a Steve Beresford, David Toop y Terry Day, del cuarteto de música improvisada Alterations. Asimismo ha participado en numerosas colaboraciones con músicos como Clive Bell, Nic Collins, Chris Cutler, Max Eastley, Annette Krebs o Viv Corringham. A su conocida faceta como intérprete hay que sumarle, sin embargo, una importante actividad en el ámbito de la composición paisajística. Miembro del World Forum for Acoustic Ecology y de la Wildlife Sound Recording Society, Cusack fue el artífice de 'Your Favourite London Sounds', un proyecto iniciado en 1998 y encaminado a descubrir cuál era la interpretación que los londinenses hacían del paisaje sonoro de su ciudad. Esa misma idea sería posteriormente desarrollada también en las ciudades de Beijing y Chicago. En la actualidad, además de producir diversos trabajos instalativos con sonidos ambientales, Cusack lleva a cabo la exploración de paisajes sonoros en lugares que sufren o han sufrido una clara degradación ecológica. Entre 2002 y 2006, y en colaboración con Isobel Clouter, produjo 'Vermilion Sounds', un programa radiofónico para Resonance FM dedicado a aspectos de la ecología acústica.

En la primavera de 2003, el artista viajó al sur de Siberia (Rusia) con el propósito de conocer y grabar los sonidos del lago Baikal. Conocido como la perla de Siberia, Baikal posiblemente sea una de las masas de agua dulce más antiguas y profundas del planeta. Sus más de seiscientos kilómetros de longitud rodeados de montañas, así como sus aguas cristalinas y la importante diversidad ecológica del entorno, le convierten en uno de los parajes más asombrosos del mundo. No en vano, la UNESCO lo declaró patrimonio de la humanidad en 1996.

Durante el invierno, la superficie de este gigante acuoso acumula una capa de hielo tan grande y compacta que podría llegar a soportar el tránsito de cualquier transporte imaginable. Así, con la intención de conocer de primera mano la singularidad acústica del lago especialmente en la época del deshielo, Cusack decidió emprender su viaje en el mes de abril. Una vez allí, recorrió la zona, entabló relación con habitantes de poblaciones cercanas al lago y, sobre todo, llevó a cabo numerosas grabaciones ambientales. El CD que nos ocupa ("Baikal Ice" - ReR Megacorp, 2004) contiene una selección de esas grabaciones originales. Una buena parte del disco corresponde a captaciones subacuáticas del hielo cediendo en el proceso de licuación. De comportamiento azaroso, esos murmullos cristalinos y de delicado tintineo, componen uno de los secretos acústicos más bellos de la naturaleza. Además, Cusack incluyó también grabaciones del lago obtenidas en superficie y las de otros distintos episodios y anécdotas que tuvieron lugar a lo largo de su estancia en ese remoto entorno: la llegada al embarcadero de un pequeño transbordador; la captación nocturna del ruido provocado por un generador eléctrico en el puerto Baikal; el despertar de un nuevo día desde una tienda de campaña; la caída accidental en el agua del lago de un técnico telefónico; los sonidos de una fuente rota en la ciudad de Angarsk; el ferrocarril transiberiano y las grabaciones de perros, gaviotas y otras aves.

"Baikal Ice (Spring 2003)" CD: 1. 'banging holes in ice'; 2. 'floating icicles rocked by waves'; 3. 'guardians'; 4. 'port baikal weird'; 5. 'ferry mores at jetty'; 6. 'coal fired generator'; 7. 'falling in'; 8. 'herring gull shot'; 9. 'roar over ice'; 10. 'ice pressured'; 11. 'in tent - getting up'; 12. 'baikal ice flow split 1'; 13. 'baikal ice flow split 2'; 14. 'baikal ice flow split 3'; 15. 'baikal ice flow split 4'; 16. 'baikal ice flow split 5'; 17. 'flagging down train'; 18. 'girl in train singing'; 19. 'fountain sculpture'; 20. 'the last ice'. A la edición en digipack le acompaña un libreto de sies páginas con varias fotografías obtenidas durante el viaje, un breve texto introductorio y descripciones de las grabaciones.

Formato:CD; Duración total: 69:23

Kenneth Gaburo: "Lingua II: Maledetto / Antiphony VIII"

Kenneth Gaburo

Lingua II: Maledetto / Antiphony VIII

(P21047-2)

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Nacido en 1926 en Somerville, New Jersey, el compositor, profesor y editor Kenneth Gaburo estudió en la Eastman School of Music, en el Conservatorio de Santa Cecilia (Roma) y en la Universidad de Illinois. Desde 1956 y en la facultad de esta última universidad, Gaburo formó parte de una comunidad de compositores que incluía a Salvatore Martirano, Herbert Brün, Edwin London, Ben Johnston y James Beauchamp. En 1968 se trasladó a San Diego, incorporándose al departamento de música de la Universidad de California (UCSD). Allí conoció y entabló amistad, entre otros, con Pauline Oliveros, Robert Erickson y Roger Reynolds. Con el tiempo, sin embargo, Gaburo iría distanciándose gradualmente del ámbito académico hasta que en 1975 deja la UCSD y decide aislarse unos años trabajando como profesor, escritor y director de teatro free lance. Su vuelta a una institución de enseñanza superior se produjo en 1983 cuando entró a formar parte del equipo docente de la Facultad de Música de la Universidad de Iowa. Allí dirigió durante casi una década el Estudio de Música Experimental. Gaburo muere en la ciudad de Iowa en 1993.

De su producción musical e importante trayectoria creativa merecen especial mención: sus antifonías, una serie de diez piezas compuestas entre 1955 y 1991 para voces y/o instrumentos y sonidos grabados en cinta; la formulación del término Compositional Linguistics con el que designó sus intrincadas exploraciones de la música como lenguaje y del lenguaje como música; la formación en 1965 de la New Music Choral Ensemble (NMCE), uno de los primeros coros estadounidenses dedicados a la interpretación de música vocal de vanguardia; la realización de algunos ambiciosos trabajos musicales teatralizados como "Lingua" y "Privacy"; la fundación, en 1974, de la editorial Lingua Press, dedicada a la publicación de escritos, partituras y grabaciones a propósito de aspectos diversos del lenguaje y la música; la dirección artística, en 1980, de la primera auténtica producción de "The Bewitched" del compositor Harry Partch; y por último, la organización, en el ámbito universitario, del Seminario para Estudios Cognitivos, algo así como un foro para el debate sobre el proceso creativo en múltiples disciplinas.

Escrita entre 1967 y 1968 para siete oradores virtuosos, 'Maledetto' constituye el segundo segmento de una amplísima obra músico-teatral titulada "Lingua". La versión de la composición de Gaburo que aquí nos ocupa, publicada en 2008 en este excelente CD de Pogus Productions, fue grabada en 1973 y contiene una interpretación a cargo de la que representaría la cuarta encarnación de su New Music Choral Ensemble (Narrador: Alan Johnson; Dueto: Elinor Barron, Bruce Leibig; Cuarteto: Winifred Golden, Linda Vickerman, Howard Crook, Philip Larson; Dirección: Kenneth Gaburo). Basada fundamentalmente en acepciones diversas de la palabra inglesa screw, Gaburo concibió 'Maledetto' como fiel reflejo de su idea de lingüística composicional. El lenguaje erigido como herramienta de experimentación que además servirá al compositor para organizar un original teatro de voces de desarrollo contrapuntístico. La exaltación del cuerpo, la sexualidad y la ciencia mecánica son algunos de los contenidos que aparecen en este extenso y muy entretenido discurso que transcurre entre vocalizaciones, complejos ejercicios poéticos y una inusual destreza en el uso del habla.

La otra pieza contenida en el CD es 'Antiphony VIII (Revolution)'. Compuesta entre 1982 y 1983 para percusionista y cinta, comparte con 'Maledetto' un origen no estrictamente musical, una concepción teatral y el hecho de formar parte de una creación de mayor envergadura, en este ocasión titulada como "The Scratch Project". Aquí, Gaburo propone confrontar las voces y sonidos inquietantes de lo que parece un alegato antinuclear con la reacción virtuosa del intérprete (Steven Schick) explorando un gran número de instrumentos de percusión. El propio compositor ofrecía la siguiente descripción de 'Antiphony VIII' en la revista de arte australiana 'Cantrill's Filmnotes': Es un psicodrama. Durante el curso de su interpretación, el percusionista está literalmente bombardeado por cuatro altavoces que le rodean. Los sonidos tienen que ver con metal por un lado (metal significa 'muerte') y piel por el otro (piel significa 'vida'). En uno de los altavoces hay fragmentos de texto tomados de 'Testimony' (otra de las partes integrantes de "The Scratch Project"). Cada vez que el percusionista es bombardeado por otra respuesta a la cuestión del testimonio, resulta un tanto alterado por ella. Durante el curso de la pieza el percusionista pasa por muchos cambios o estados de ánimo, de los cuales los principales son indiferencia, enfado (combatiendo el fuego con fuego) y, en última instancia, incertidumbre.

"Lingua II: Maledetto / Antiphony VIII" CD: 1. 'Maledetto' (1967-68); 2. 'Antiphony VIII (Revolution)' (1982-83). La edición incluye un libreto de doce páginas con notas de Kenneth Gaburo sobre 'Maledetto', el texto 'Unified Diversities' a cargo de Warren Burt y una descripción de 'Antiphony VIII' escrita por Steven Schick.

Formato: CD; Duración total: 59:43