Ross Bolleter: "Night Kitchen"

Ross Bolleter

Night Kitchen (an hour of ruined piano)

(EMANEM 5008)

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Maestro Zen, poeta, compositor e intérprete, Ross Bolleter (1946- ) lleva más de veinte años experimentando y produciendo obras musicales con ruined pianos (pianos deteriorados o desvencijados). Una singular dedicación que le llevó a fundar, junto al profesor y compositor estadounidense Stephen Scott, la Asociación Mundial para los Estudios del Ruined Piano. Entre 1964 y 1967 cursó estudios musicales en la Universidad de Australia Occidental y pronto comenzó a explorar las posibilidades rítmicas y tímbricas del piano preparado. Desde entonces ha ejercido como pianista profesional, participando en numerosos festivales y eventos de música improvisada, particularmente en Australia. A lo largo de su trayectoria, ha colaborado con músicos y artistas sonoros como Warren Burt, Rik Rue, Ernie Althoff, Tos Mahoney o Steve Moore. Su inclinación docente también le ha llevado a organizar diversos talleres de improvisación musical, dirigidos a la infancia, y a publicar un manual para profesores de piano con el título "Fostering Creative Improvisation at the Keyboard". Bolleter es asimismo autor de dos colecciones de poemas: "All the Iron Night" (Smokebush Press, 2004) y "Piano Hill" (Fremantle Press, 2009).

Después del éxito cosechado con el CD "Secret Sandhills and satellites" (2006), Martin Davidson ha decidido publicar, en su sello Emanem, una segunda entrega musical dedicada a ese maravilloso hallazgo del artista australiano: el ruined piano. Una cualidad que Bolleter atribuye al piano que ha sido abandonado a la intemperie y, por tanto, expuesto a las inclemencias del tiempo y demás circunstancias medioambientales del entorno en que se halla. A diferencia de uno devastado, el ruined piano o piano desvencijado sigue conservando entidad como armazón de resonancias impredecibles y sin temperar y, desde el momento en que resulta abandonado, parece iniciar un camino de regreso a su condición aborigen. Se trata de un auténtico objet trouvé, y como tal debe ser tratado.
 

"Night Kitchen", así se titula el nuevo CD de Bolleter, contiene catorce improvisaciones con pianos desvencijados llevadas a cabo entre 2002 y 2009. Una colección que dedica efusivamente a su amigo y colaborador Martin Seddon, responsable de la grabación de diez de estas improvisaciones. Las cuatro restantes fueron grabadas entre Rob Castiglione y el propio Bolleter. Más allá de las cualidades interpretativas que Bolleter exhibe en este inusual repertorio, destaca su empeño dirigido al descubrimiento de las múltiples sensaciones auditivas que esos instrumentos pueden llegar a ofrecer. Una vocación experimental presente en todo su trabajo y que le lleva aquí a reunir hasta cinco pianos desvencijados en la cocina de su estudio y disponerlos de un modo que permita la actuación simultánea en todos o casi todos ellos. Entre disonancias, clics y crujidos diversos, su experto golpeteo explora, a lo largo de sesenta minutos, ritmos intrincados y las voces ocultas de tan singular orquesta de cuerdas percutidas. Cuenta el propio Bolleter que estas piezas fueron concebidas al influjo de la contemplación de las pinturas negras de Goya, las fotografías de la artista Vivienne Robertson y la región desértica de Australia Central.
 

"Night Kitchen" CD: 1. 'The Red Way'; 2. 'Goya's Dog'; 3. 'Salt'; 4. 'Ravine'; 5. 'Gong Heaven'; 6. 'Cohabitation'; 7. 'Kiss Kiss'; 8. 'Asmodea'; 9. 'Torque'; 10. 'Five'; 11. 'Nocturnal'; 12. 'Rear View'; 13. 'Her Long Night's Festival'; 14. 'Night Sky at Tjunta'. La edición en digipack contiene asimismo breves notas escritas por Bolleter, la denominación y origen de todos los instrumentos empleados y dos fotografías del artista ante dos de sus ruined pianos.

Formato: CD; Duración total: 63:05

 

Francis Dhomont: "Études pour Kafka"

Francis Dhomont

Études pour Kafka

(IMED 9102)

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Hijo de una familia con vínculos artísticos, el compositor Francis Dhomont (París, 1926) cursó estudios musicales con Ginette Waldmeir, Charles Koechlin y Nadia Boulanger. Tras componer algunos primeros trabajos instrumentales, en 1947 adquirió un magnetófono Webster con el que empezó a experimentar, explorando diversas posibilidades musicales de la grabación sonora. Convencido de la originalidad del arte acusmático, en 1963 inauguró su primer estudio en Baux-de-Provence (Francia) y abandonó definitivamente la composición instrumental para dedicarse de pleno a la música electroacústica. Dhomont es autor de un amplio catálogo de composiciones y a lo largo de su carrera ha obtenido numerosos galardones. Entre ellos: cinco primeros premios en el Concurso Internacional de Música Electroacústica de Bourges (Francia) y el segundo puesto en el Prix Ars Electronica de 1992 (Linz, Austria). Entre 1978 y 2005, ha repartido su tiempo entre Francia y Québec, lugar, este último, en el que durante dieciséis años ha ejercido como profesor en la Universidad de Montreal. Compositor asociado al Centro de Música Canadiense, Dhomont es además miembro fundador y honorario de la Comunidad Electroacústica Canadiense. En octubre de 2007 fue investido doctor honoris causa por la Universidad de Montreal. También es presidente del colectivo Les Acousmonautes, en Marsella, y patrón de honor de la organización Klang Projekte Weimar. A sus ochenta y tres años, sigue componiendo.

"Études pour Kafka" es su octavo CD en el sello canadiense empreintes DIGITALes. Incluye tres composiciones electroacústicas realizadas entre 2005 y 2006. Según cuenta Dhomont, estas piezas surgen de un largo proceso de investigación a propósito de los temas y materiales que deben ser objeto de 'Le cri du Choucas', una futura creación sonora de gran envergadura acerca del universo y personalidad del célebre escritor Franz Kafka y en la que el compositor empezó a trabajar hace ya doce años. Sin embargo, también deja claro que los estudios contenidos en esta grabación, a pesar de constituir el prolegómeno de esa gran obra, tienen entidad por sí mismos y que, por tanto, pueden ser considerados como verdaderas composiciones autónomas.

Guiado por "Seul, comme Franz Kafka", ensayo de la ilustre kafkóloga Marthe Robert, Dhomont emprendió su viaje creativo hacia una particular poética de sonidos con la que poder evocar aspectos de esa compleja personalidad. Un trabajo extremadamente refinado que llevó a cabo en la quietud de su actual estudio en Avignon y con un arsenal de herramientas digitales a su disposición. La soledad, un sentido de culpabilidad, el mundo de los sueños y la figura paterna, son algunos de los temas o tópicos kafkianos presentes en su discurso musical impregnado de dramatismo y hecho de múltiples objetos sonoros, la mayoría de origen incierto. Sonidos que modelará y organizará adecuadamente para obtener texturas nerviosas de flujo constante con las que sumir al oyente en una experiencia de inquietud. 'Brief an den Vater' incluye como material sonoro muestras procesadas de la voz del compositor Hans Tutschku, así como la lectura de Martin Engler de un fragmento de la famosa carta que Kafka escribió a su padre en noviembre de 1919 y que nunca llegó a enviar. "Études pour Kafka" CD: 1. 'Premières traces du Choucas' (2006); 2. 'Brief an den Vater (+ Franz Kafka)' (2005-06); 3. 'À propos de K' (2006).

Formato: CD; Duración total: 53:48

Max Eastley: "Installation Recordings"

Max Eastley

Installation Recordings (1973-2008)

(PD26)

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Figura reconocida en los ámbitos de la música experimental y el arte sonoro, el artista y músico británico Max Eastley lleva produciendo esculturas e instalaciones sonoras desde los años setenta del pasado siglo. Su original trabajo, realizado a menudo al aire libre, combina, entre otros elementos, azar, ingeniosas estructuras en movimiento y fuentes energéticas naturales como el viento y las corrientes de agua. A lo largo de su dilatada carrera, ha presentado su obra instalativa en numerosas exposiciones internacionales y ha colaborado con músicos y creadores diversos como Brian Eno, Peter Greenaway, Evan Parker, Thomas Köner, Eddie Prévost y The Spaceheads. Especial mención merece su trabajo junto al músico y escritor David Toop, con quien ha producido tres grabaciones: 'New and Rediscovered Musical Instruments' (1975), 'Buried Dreams' (1994) y 'Doll Creature' (2004). En 2003 y en el marco de Cape Farewell, una iniciativa cultural de David Buckland en respuesta al cambio climático, Eastley participó junto a otros artistas, científicos y educadores en una expedición marítima al Ártico durante la cual realizó abundantes grabaciones ambientales. Grabaciones que posteriormente utilizaría en 'Ice Field', una escultura sonora presentada en 2006 en el Museo de Historia Natural de Londres.

"Installation Recordings", publicado en 2010 en Paradigm Discs, es su primer álbum en solitario. Un doble disco compacto concebido como retrospectiva de su trabajo instalativo realizado entre 1973 y 2008. Contiene una selección de treinta y cinco ejemplos sonoros que documentan tanto instalaciones que el artista llevó a cabo en entornos naturales como otras producidas en el interior de galerías de arte. Accionadas mecánicamente o por medio de recursos naturales, sus esculturas, hechas con materiales fundamentalmente de metal, madera y cuerda, destacan por su belleza y asombrosa sencillez (la edición incluye un libreto de veinte páginas con abundantes fotografías). El comportamiento a menudo incierto de dichas estructuras en movimiento confiere expectación a la experiencia de los sonidos que generan, por lo general delicados y muy musicales. Una musicalidad que, en ocasiones, Eastley enfatiza al tratar la instalación como un verdadero instrumento y al aplicar a sus sonidos sutiles dosis de amplificación y procesamiento electrónico. Arpas, flautas y arcos eólicos, tubos metálicos, piedras, monochords, aerophones y centriphones, son algunos de los inusuales protagonistas a descubrir en este estupendo registro. Los dos últimos fragmentos del segundo disco incorporan breves interpretaciones musicales a cargo del propio Eastley, Steve Beresford, Dave Holmes, Hannah Charlton, Peter Cusack, George Lewis y Pamela Marre.

"Installation Recordings (1973-2008)" CD I: 1. 'Installation No. 3 pt. 1'; 2. 'Wooden blocks and brass sheet'; 3. 'Aerophones 1'; 4. 'Monochord'; 5. 'Aerophones 2'; 6. 'Motors and metal rods 1'; 7. 'Aerophones 3'; 8. 'Serpentine Gallery installation'; 9. 'Installation for the film Clocks of the midnight hours'; 10. 'Stone circle 1'; 11. 'Motors and metal rods 2'; 12. 'Centriphone - amplified and filtered'; 13. 'Hydrophone string installation'; 14. 'Half speed metal installation'; 15. 'Stone circle 2'; 16. 'Two aeolian arcs'; 17. 'Strings - interior and exterior'. CD II: 1. '2 aeolian harps pt. 1'; 2. 'Wooden blocks'; 3. '2 aeolian harps pt. 2'; 4. 'Aerophones 4'; 5. 'Motor and strings'; 6. 'Aerophones 5'; 7. 'Installation No. 3 pt. 2'; 8. 'Aerophones 6'; 9. 'Aeolean arc and strings'; 10. 'Aerophones 7'; 11. 'Friction tubes'; 12. 'Aeolian flutes'; 13. 'Wire on paper'; 14. 'Aeolian flutes and aeolian harp'; 15. 'Installation'; 16. 'Aeolian flutes 2'; 17. 'Whirled music'; 18. 'Swung aeolian flutes and grass blade'.

Formato: 2CD; Duración total: 117:34

Christian Wolff: "Long Piano"

Christian Wolff

Long Piano

(NW80699-2)

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Christian Wolff (1934, Niza, Francia) es un destacado compositor, intérprete ocasional y profesor de música, literatura comparada y lenguas clásicas. Desde 1941 ha vivido en Estados Unidos. Estudió piano con Grete Sultan y, durante un breve espacio de tiempo, composición con John Cage, en cuya compañía y la de otros músicos y compositores como Morton Feldman, David Tudor, Earle Brown, Frederic Rzewski y Cornelius Cardew, encontraría gran parte del estímulo e inspiración para su trabajo. Iniciales planteamientos composicionales algo reminiscentes del minimalismo, indeterminación musical y compromiso político han sido algunas de las principales características de su amplio repertorio experimental. Wolff compuso diversas piezas para la compañía de danza de Merce Cunningham y además ha colaborado como improvisador con el grupo inglés AMM y los músicos Christian Marclay, Takehisa Kosugi, Keith Rowe, Steve Lacy, William Winant, Larry Polansky y Kui Dong. Algunos de sus escritos a propósito de la música han sido reunidos en el libro "Cues: Writings and Conversations", publicado en 1999 por MusikTexte. Formado como clasicista, Wolff ha ejercido como docente en la Universidad de Harvard y posteriormente en el Dartmouth College. Su trabajo ha sido reconocido y premiado por diversas instituciones culturales y es miembro de la Akademie der Kuenste en Berlín y de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias.
Con el apoyo recibido a través de un encargo del Departamento de Música de la Universidad de Stanford y a petición del pianista Thomas Schultz, Christian Wolff compuso, entre junio de 2004 y mayo de 2005, "Long Piano (Peace March 11)". Escrita en una ingeniosa partitura compuesta de noventa y cuatro unidades musicales y con una duración aproximada de una hora, la obra fue concebida como una secuencia de breves piezas, a modo de preludios o estudios. En palabras del propio compositor: La música que resultó me parece como un tipo de aglomeración geológica. Mi esperanza es que (la pieza) forme un posible paisaje en un lienzo extendido.
Aunque en 'Christian Wolff and the Politics of Music', magnífico ensayo contenido en el libreto del CD, John Tilbury sitúe "Long Piano" en un contexto de marcada inspiración política, no es menos cierto que esta vinculación no determina en absoluto el desarrollo de la pieza y deja intactos algunos de los principales intereses puramente musicales del compositor. Una de su serie de marchas de paz abre este dilatado y diverso recorrido pianístico ejecutado brillantemente por Schultz. En él, Wolff hace gala de un especial gusto por la escritura contrapuntística y un elaborado tratamiento rítmico. Destacan asimismo la fluidez del discurso musical a lo largo de las noventa y cuatro secciones de la pieza, un empleo eficaz de la pausa y una asombrosa flexibilidad con el material sonoro. A este último respecto, la obra contiene, entre otras, referencias ocasionales a la tradición musical clásica e incluso brevísimas versiones parciales de dos piezas de Robert Schumann y una de Charles Ives.
"Long Piano" CD: 'Long Piano (Peace March 11)'. La edición incluye un libreto de doce páginas con un texto de John Tilbury, notas del compositor y del intérprete y breves biografías de ambos. Publicado en noviembre de 2009 en New World Records.

Formato: CD; Duración total: 59:01

Efi Xirou: "Charisma X - Iannis Xenakis"

Efi Xirou

Charisma X - Iannis Xenakis

(mode218)

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Magnífica película documental dirigida por la realizadora griega Efi Xirou a propós¡to de una de las figuras más veneradas e influyentes de la música del siglo XX, el compositor, matemático y arquitecto Iannis Xenakis (1922-2001). De reciente aparición en el sello Mode Records, "Charisma X" (2008) traza un interesante recorrido por la trayectoria de este creador visionario cuya obra fue el reflejo de una sabia armonización entre arte y ciencia.

A lo largo de los sesenta minutos que dura el documental, Xirou combina con elegancia fragmentos interpretativos de la música del compositor, material audiovisual de archivo, filmaciones actuales y abundantes testimonios. Xenakis aparece en múltiples ocasiones: comentando su creación multimedia 'La Legende d’Eer' y su Diatope; demostrando el funcionamiento del sistema musical informatizado UPIC; hablando de su ópera 'Oresteïa' así como de varias leyendas griegas que influyeron en su trabajo; y, por último, en una filmación antigua de 'Polytope de Mycenae'. La película muestra también algunos de sus logros en el ámbito de la arquitectura y explora la conexión de ésta con su actividad compositiva.

"Charisma X" incluye asimismo las apariciones y comentarios de compositores (Georges Aperghis, François-Bernard Mâche, Gerard Pape, Curtis Roads, George Koumentakis) y los testimonios del musicólogo Makis Solomos; la escritora y esposa del compositor Françoise Xenakis; la hija Mâkhi Xenakis; el realizador cinematográfico Roviros Manthoulis; Sharon Kanach, coautora junto a Xenakis del libro "Música y Arquitectura"; Moscha Theologitou, una residente de la isla griega Amorgos; y, finalmente, Spiros Tzouvelis, único testigo de un ataque de guerra acaecido en Atenas en enero de 1945 y a raíz del cual Xenakis quedaría gravemente herido y perdería un ojo.

Por último, la música del compositor ocupa un espacio destacado en el documental a través de los siguientes fragmentos interpretativos: 'Psappha' (Sylvio Gualda, percusión); 'Naama' (Elisabeth Chojnacka, clavicordio); 'Keren' (Benny Sluchin, trombón); 'Charisma' (Frances-Marie Uitti, violonchelo y Lori Freedman, clarinete); 'Nomos Alpha' (Christophe Roy, violonchelo); 'Oresteïa' (Spiros Sakkas, voz).

Dirección: Efi Xirou; Música: Iannis Xenakis; Producción: Gina Petropoulou con The Greek Film Center, ERT-Télévision Grecque 1 y Vox-Documentaries; DVD-Video NTSC, todas las zonas; color/blanco y negro. Idiomas: griego, francés e inglés con subtítulos en inglés, francés, alemán y griego.

Formato: DVD; Duración total: 61:53

John Luther Adams: "The place we began"

John Luther Adams

The place we began

(CB0032)

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El mundo natural y, en particular, la amplitud y belleza del paisaje del Ártico, así como un profundo sentido de arraigo, han estado siempre presentes en el ideario creativo y musical del compositor estadounidense John Luther Adams (1953- ). Desde 1978, año en el que fijó su residencia en el área de Fairbanks, Alaska, ha compuesto obras para orquesta, conjuntos de cámara, instrumentos solistas, instalaciones, cine, televisión y teatro. Su música ha sido interpretada, entre otros, por formaciones como The Paul Dresher Ensemble, Bang On A Can, The California Ear Unit, The Callithumpian Consort y Percussion Group Cincinnati. Desde 1982 a 1989 actuó como percusionista en la Orquesta Sinfónica de Fairbanks y en la Orquesta de Cámara del Ártico. Además de haber sido presidente del Centro de Música Americana, Luther Adams fue también profesor en la Universidad de Alaska, en el Consevatorio de Música de Oberlin y en el Bennington College. Cuenta con una decena de grabaciones en solitario y es asimismo autor de los libros "Winter Music: Composing the North" y "The Place Where You Go to Listen: In Search of an Ecology of Music", publicados en la editorial Wesleyan University Press. Entre otros reconocimientos y galardones obtenidos a lo largo de su carrera musical, destacan los que ha recibido de The Foundation for Contemporary Arts, The Rockefeller Foundation, Rasmuson Foundation y National Endowment for the Arts.

Publicado en 2009, "The place we began" es su tercer registro en el sello Cold Blue Music y su primera colección de composiciones enteramente electroacústicas. Aparentemente relacionadas entre sí, las cuatro piezas del CD constituyen una suerte de secuencia musical de rebosante austeridad e introspección. Según cuenta Luther Adams, estas creaciones electroacústicas fueron realizadas a partir de algunos fragmentos sonoros contenidos en cintas que el compositor había grabado a principios de los años setenta y que, casualmente, encontró en su estudio en verano de 2008.

‘In a room’ y ‘The place we began’ abren y cierran, respectivamente, la secuencia partiendo de un mismo planteamiento y material: un motete en doce partes realizado con los misteriosos sonidos que Luther Adams obtuvo en 1972, explorando las frecuencias resonantes de una habitación con un micrófono y dos altavoces de poca calidad. Mientras que, en el primer caso, la pieza exhibe un desarrollo ascendente y luminoso, ‘The place we began’ parece tomar el camino inverso hacia un entramado de texturas más profundas. De bellísima factura, la realización de ‘At still point’ tiene su origen, principalmente, en dos interpretaciones al Fender Rhodes que el compositor grabó en 1974. Las fugaces resonancias de un tamtan procesado dan paso a los minutos probablemente más evocadores del disco; Luther Adams inunda nuestro espacio acústico con una sensual cadencia de sonoridades del piano eléctrico que transitan en un vaivén entre lo real y lo imaginario. Algo parecido puede decirse de ‘In the rain’, compuesta, en esta ocasión, con los sonidos de una llovizna primaveral que grabó en 1973 y otros fragmentos pertenecientes a una de sus antiguas composiciones instrumentales. Una realización musical de tono sumamente melancólico y en la que el compositor utilizará el murmullo del agua como telón de fondo para ir paulatinamente descubriendo y amagando ciertos vestigios transformados de su pieza instrumental.

"The place we began" CD: 1. 'In a room'; 2. 'At a still point'; 3. 'In the rain'; 4. 'The place we began'.

Formato: CD; Duración total: 38:19

GVSU New Music Ensemble: "In C Remixed"

Grand Valley State University New Music Ensemble

In C Remixed

(innova758)

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En octubre de 1964, Terry Riley (1935- ) completaba en San Francisco la que sería considerada como obra más influyente del minimalismo musical. Escrita en una breve partitura acompañada de una serie de direcciones interpretativas, 'In C' surgió del interés del compositor norteamericano en la repetición como elemento estructural de la música. A diferencia de otras composiciones minimalistas de desarrollo más rígido y a pesar de hacer de la pulsación regular e incesante su principal singularidad, 'In C' deja margen a la espontaneidad y complicidad interpretativas. 'In C' es una pieza original de conjunto que sólo pueden interpretar individuos que actúen como un grupo, y no un grupo de solistas multiplicados. La pieza está abierta a cualquier tipo de músicos, en cualquier número, que toquen instrumentos que puedan cumplir los requisitos de la gama especificada de más o menos una octava y media a partir del do medio... Las cincuenta y tres figuras (que conforman la partitura) son motivos claramente determinados, con un carácter melódico y rítmico definido, a menudo sólo algo discontinuo con los descansos escritos... Después de que se haya establecido la pulsación, cada intérprete determina cuándo quiere entrar, cuántas veces repetirá cada figura y cómo alineará la figura con las demás partes... Riley acentúa la cualidad de músico de cada individuo, de modo que su parte se pueda relacionar con la de los demás intérpretes y él, a su vez, pueda relacionarse de manera significativa con ellos. (Michael Nyman "Música Experimental. De John Cage en adelante", Documenta Universitaria, 2006)

Tras su exitosa grabación de otra de las obras monumentales del minimalismo, "Music for 18 Musicians" de Steve Reich (Innova Recordings, 2007), la Grand Valley State University New Music Ensemble decidió dar impulso a un nuevo proyecto discográfico: "In C Remixed". A modo de celebración del clásico de Riley -en 2009, 'In C' cumplió su cuarenta y cinco aniversario- la formación estadounidense, liderada por Bill Ryan, grabó una estupenda, aunque sustancialmente reducida versión de la pieza de Riley y, acto seguido, la ofreció a un grupo diverso de músicos y compositores con el propósito de que estos contribuyeran con sus propias remezclas. El resultado de tal iniciativa quedaría publicado en esta reciente edición, nuevamente de Innova Recordings. Un doble disco compacto de excelente producción y sonido y que Bill Ryan ideó como calidoscopio actual de perspectivas y estilos musicales. Contiene, además de la grabación original interpretada por la GVSU New Music Ensemble, dieciocho revisiones de la pieza -algunas de ellas muy imaginativas- concebidas desde planteamientos que fundamentalmente pasan por la música experimental y electroacústica, el ambient, la electrónica de baile y el rock.

GVSU New Music Ensemble: Craig Avery, piano; Katie Baynes, percusión; Dan Bouley, xilófono; Katherine Chapman, fagot; Kurt Ellenberger, acordeón; Nicole Frazee, flauta y flauta bajo; Meghan Hoop, percusión; Gary June, clarinete; Alexander Kollias, clarinete bajo; Pablo Mahave-Veglia, violonchelo; Tiffany Myers, corno inglés; Jonathan Nichol, saxofones tenor y soprano; Greg Secor, marimba; Nicholas Usadel, vibráfono; Bill Willits, guitarra; Alex Wilson, trompeta; MingHuan Xu, violín; Bill Ryan, director. Intérpretes invitados: Zoë Keating, violonchelo; Glenn Kotche, percusión; Paul D. Miller, bajo; Daniel Bernard Roumain, violín.

Remezclas de: Jack Dangers, Masonic (Mason Bates), Glenn Kotche, Michael Lowenstern, Zoë Keating, Jad Abumrad, Nico Muhly, DJ Spooky That Subliminal Kid, Phil Kline, Dennis DeSantis, Daniel Bernard Roumain (DBR), Mikael Karlsson / Rob Stephenson, R. Luke DuBois, Todd Reynolds, Kleerup y David Lang.

"In C Remixed" CD I: 1. 'In C - SemiDetached' (Jack Dangers); 2. 'Terrycloth Troposphere Masonic' (Mason Bates); 3. 'Smooth' (Glenn Kotche); 4. 'Bints Mix' (Michael Lowenstern); 5. 'Zinc' (Zoë Keating); 6. 'Counting In C' (Jad Abumrad); 7. 'In C with Canons & Bass' (Nico Muhly); 8. 'In Sea of C' (DJ Spooky That Subliminal Kid); 9. 'In Cognito' (Phil Kline); 10. 'In C (Dennis DeSantis Remix)' (Dennis DeSantis); 11. 'Zachary's Dream' (Daniel Bernard Roumain). CD II: 1. 'In C - Extension' (Jack Dangers); 2. 'Xenoglossia' (Mikael Karlsson / Rob Stephenson); 3. 'Foster Grant Mix' (Michael Lowenstern); 4. 'Is In C In F?' (R. Luke DuBois); 5. 'In C (Todd Reynolds Remix)' (Todd Reynolds); 6. 'In C Remix' (Kleerup); 7. 'simple mix' (David Lang); 8. 'In C' (Terry Riley). Más información en: www.in-c-remixed.com

Formato: 2CD; Duración total: 137:33

David Lee Myers: "Arcane Device - Engines of Myth"

David Lee Myers

Arcane Device - Engines of Myth

(ReR DLM1)

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Formado en Bellas Artes, el artista sonoro y visual David Lee Myers (1949- ) lleva más de veinte años produciendo feedback music, música basada en sistemas de realimentación electrónica. Primero bajo el seudónimo Arcane Device y más recientemente utilizando su propio nombre, Myers es autor de una veintena de grabaciones y ha colaborado con músicos y artistas como Ellen Band, Tod Dockstader, Asmus Tietchens y Thomas Dimuzio. Provisto de aparatos portátiles con los que interpretar su singular música, ha actuado en Europa y Estados Unidos. Además, sus pinturas y grabados, realizados a partir de la representación osciloscópica de sus sonidos realimentados, han sido objeto de diversas exposiciones.

Publicado en 2003 por ReR Megacorp, el CD "Arcane Device - Engines of Myth" constituye la reedición de dos grabaciones en vinilo, "AD1 (Engines of Myth)" y "AD3 (Improvisations for Feedback)", aparecidas en 1988. Un repertorio de quince piezas que sirve de ejemplo de la incipiente experimentación del artista estadounidense con circuitos de realimentación electrónica.

Partiendo de una idea ingeniosa -que los dispositivos electrónicos canten sus propias canciones-, Myers desarrolló un sistema que permitiera hacer audibles los conflictos internos de las máquinas. Con ese propósito utilizó ciertos aparatos destinados al procesamiento de señales de audio y los realimentó, interconectando algunas de sus salidas con sus propias entradas. Por consiguiente, un aparato así dispuesto nunca recibiría señales externas y, en su lugar, produciría ruidos originados por la libre circulación de electrones en su interior. Una vez obtenidos esos sonidos de comportamiento inestable, Myers pasaba a organizarlos, filtrarlos y darles forma con la ayuda de mezcladores y otras unidades de procesamiento. Así compuso las primeras piezas de feedback music contenidas en esta grabación y ese mismo proceder, mejorado con el paso de los años, también le serviría de inspiración para sus creaciones visuales o feedback impressions. Mis trabajos sonoros y visuales son el resultado de captar, seleccionar, procesar y combinar. De hecho, yo no hago sonidos ni dibujos, sino que dejo que fuerzas y procesos latentes u ocultos se presenten a través de simples tecnologías. Selecciono los métodos, preparo el escenario y, cuando emergen los fenómenos, incluyo por supuesto mis propios juicios estéticos en la mezcla. Por consiguiente, los sonidos e imágenes que surgen no son producto exclusivamente de una ciencia azarosa ni de la actuación del artista, sino de algo intermedio y creo que éste es el modo más efectivo para evocar impresiones significativas de mundos ocultos.

De abstractas y muy misteriosas podríamos calificar sus impresiones musicales presentadas en el disco que nos ocupa. En ellas, Myers exhibe una gran capacidad para gobernar la actividad revoltosa e impredecible de un material aparentemente gélido, hecho tan sólo de interferencias eléctricas. Un material que además transformará en un espléndido abanico de texturas sonoras, reminiscentes, como él mismo sugiere, de la música electrónica desarrollada con anterioridad a la aparición de los sintetizadores.

"Arcane Device - Engines of Myth" CD: (Arcane Device 1: Engines of Myth) 1. 'Lathe'; 2. 'Engine of Myth'; 3. 'Mg 24.312'; 4. 'Prayer Cloth'; 5. 'The Heavenly Discourse'; 6. 'Jumpstart'; 7. 'Keen Tooth'; 8. 'Terra Incognita'; 9. 'Pink Porous Rock'; 10. 'Rare Power'; 11. 'Deaf Men Hear No Tales'; (Arcane Device 3: Improvisations for Feedback) 12. 'Studio-Front'; 13. 'Studio-Back'; 14. 'Live-Front'; 15. 'Live-Back'.

Formato: CD; Duración total: 60:31

Ross Bolleter: "Secret Sandhills and satellites"

Ross Bolleter

Secret Sandhills and satellites

(pieces for ruined pianos and pianos on the edge of ruin)

(EMANEM 4128)

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Maestro Zen, poeta, compositor e intérprete, Ross Bolleter (1946- ) lleva más de veinte años experimentando y produciendo obras musicales con ruined pianos (pianos deteriorados o desvencijados). Una singular dedicación que le llevó a fundar, junto al profesor y compositor estadounidense Stephen Scott, la Asociación Mundial para los Estudios del Ruined Piano. Entre 1964 y 1967 cursó estudios musicales en la Universidad de Australia Occidental y pronto comenzó a explorar las posibilidades rítmicas y tímbricas del piano preparado. Desde entonces ha ejercido como pianista profesional, participando en numerosos festivales y eventos de música improvisada, particularmente en Australia. A lo largo de su trayectoria, ha colaborado con músicos y artistas sonoros como Warren Burt, Rik Rue, Ernie Althoff, Tos Mahoney o Steve Moore. Su inclinación docente también le ha llevado a organizar diversos talleres de improvisación musical, dirigidos a la infancia, y a publicar un manual para profesores de piano con el título "Fostering Creative Improvisation at the Keyboard". Bolleter es asimismo autor de dos colecciones de poemas: "All the Iron Night" (Smokebush Press, 2004) y "Piano Hill" (Fremantle Press, 2009).

Atendiendo a su sabiduría al respecto, el ruined piano o piano desvencijado es aquel que ha sido abandonado a la intemperie y, por tanto, expuesto a las inclemencias del tiempo y demás circunstancias medioambientales del entorno en que se halla. A diferencia de un piano devastado, el desvencijado sigue conservando entidad como armazón de resonancias impredecibles y sin temperar y, desde el momento en que resulta abandonado, parece iniciar un camino de regreso a su condición aborigen. Se trata de un auténtico objet trouvé, y como tal debe ser tratado. A modo de ilustración musical de lo dicho, el CD "Secret Sandhills and satellites" (Emanem, 2006) nos ofrece algunas de las creaciones para ruined pianos que el artista australiano realizó entre 2001 y 2005.

Abre el disco 'Secret Sandhills', una excelente obra compuesta en 2002 al influjo de la contemplación de una pintura del artista aborigen Timmy Payungka Tjapangati (1940-2000). Bolleter contó con la colaboración del productor e ingeniero de sonido Anthony Cormican para organizar y orquestar el abundante material sonoro obtenido a lo largo de diversas intervenciones en seis pianos desvencijados. En una clara evocación al remoto paisaje australiano, 'Secret Sandhills' discurre espaciosa y lentamente entre sonidos ambientales, resonancias profundas, chasquidos, chirridos y múltiples respuestas accidentadas de esos instrumentos deteriorados. Una creación de veintiocho minutos de duración e impecable realización en la que el artista parece haber concentrado sus mejores cualidades interpretativas para una música rota. Por su parte, en las restantes diez piezas o satélites del CD el artista sigue abundando en las benditas excentricidades del piano desvencijado (en cuatro de ellas tocando dos a la vez) y del piano preparado. Un repertorio en el que combina su gusto por una pulsación agitada, el ritmo desordenado y el contraste tímbrico, con la delicada exploración microtonal y el pasaje introspectivo. En 'Going to war...', Bolleter interpreta simultáneamente un piano preparado y un acordeón.

"Secret Sandhills and satellites" CD: 1. 'Secret Sandhills'; 2. 'Axis'; 3. 'Dead Marine'; 4. 'And then I saw the wind...'; 5. 'Chorus Line'; 6. 'Save what you can'; 7. 'Going to war without the French is like going to war without an accordion'; 8. 'Time Waits'; 9. 'Come Night'; 10. 'Jaunty Notes of Paddocks Bright'; 11. 'Old Man Piano'. El CD contiene un libreto de dieciséis páginas con algunas fotografías; el relato de un encuentro del artista con varios aborígenes australianos; un comentario a propósito de 'Secret Sandhills'; detalles de los pianos utilizados en las piezas; un fragmento del ensayo "The Well Weathered Piano"; créditos de la grabación y una extensa lista de agradecimientos.

Formato: CD; Duración total: 67:51

 

Alvin Lucier: "Sferics; Music for solo Performer"

Alvin Lucier

Sferics; Music for Solo Performer

(LCD 5013)

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La contemplación del comportamiento físico del sonido y una vocación artística decididamente experimental informan, en gran medida, la abundante obra musical de Alvin Lucier (1931- ). En algo más de medio siglo de actividad compositiva, el creador estadounidense ha sido pionero en el uso de ondas cerebrales en la interpretación en vivo, en la generación de imágenes visuales a partir de las vibraciones del sonido, en la notación de la gestualidad de los intérpretes y, también, en el empleo de resonancias de diferentes espacios acústicos con fines musicales. Entre sus obras más recientes, destacan instalaciones sonoras y múltiples composiciones para instrumentos solistas, conjuntos de cámara y orquesta, en las que combina simultánemente tonos puros y afinaciones justas con el propósito de que las ondas sonoras resultantes se muevan dando vueltas en el espacio. En calidad de John Spencer Camp Professor of Music en la Universidad Wesleyan, Lucier compagina las ocupaciones de compositor y docente con la de conferenciante. En 1995 la editorial alemana MusikTexte publicó "Reflections/Reflexionen", una edición bilingüe que reúne algunas de las partituras, entrevistas y textos más destacados del compositor.

De reciente aparición en el mercado, el noveno CD del artista, publicado en Lovely Music, contiene dos de sus antiguas creaciones sonoras: 'Sferics' (1981) y la célebre 'Music for Solo Performer' (1965). Por sferics, abreviación del término inglés atmospherics, debemos entender aquellas emisiones naturales de radiofrecuencia que se producen en la ionosfera a causa de la energía electromagnética que irradian los rayos. En condiciones adecuadas y mediante el uso de receptores, antenas y amplificación suficiente, son posibles la captación y audición de dichas señales. Según cuenta Lucier, en ocasiones algunas de estas emisiones pueden recorrer grandes distancias a lo largo de las líneas de flujo magnético de la tierra, ocasionando unas señales acústicas a modo de breves silbidos. El montaje de ocho minutos de duración que aquí ofrece el artista, tiene su origen en una extensa sesión de grabación que él mismo realizó en Church Park, Colorado, durante la noche del 27 de agosto de 1981. El resultado es una delicada maraña hecha de sonidos chispeantes, silbidos atmosféricos y unas recurrentes señales procedentes de la actividad del sistema de navegación marítima y aérea Omega.

Por su parte, 'Music for Solo Performer' surge tras una conversación que el compositor mantuvo en 1964 con el físico Edmon Dewan a propósito de la investigación que éste llevaba a cabo para conocer el comportamiento de las ondas cerebrales de los pilotos de aeronaves en períodos de vuelo. A raíz de esa conversación, Lucier empezará a experimentar con las ondas alfa del cerebro humano y su posible aplicación directa en la interpretación musical. Me di cuenta de mis progresos en la capacidad para generar ondas alfa cuando monotorizaba en tiempo real los sonidos emitidos por los altavoces del estudio... Desde el principio estuve decidido a realizar una actuación en vivo del trabajo, a pesar del carácter imprevisible y delicado del equipo, difícil de manejar incluso en condiciones de laboratorio. Consideré el valor de la electroencefalografía (EGG) como elemento teatral y, por mi experiencia, sabía que las interpretaciones en vivo eran más interesantes que las versiones grabadas. También me atraía la imagen de un ser inmóvil, paralizado, que con sólo modificar su nivel de atención visual pudiera activar un completo sistema de comunicación mediante lo que parecía un poder espiritual. El trueno silencioso de las ondas alfa me parecía extremadamente bello y por ello, en lugar de desvirtuarlo mediante el procesado, prefería emplearlo como una fuerza viva, del mismo modo que usamos la energía de los ríos. En la elaboración de la pieza, decidí utilizar las ondas alfa para hacer resonar un conjunto de instrumentos de percusión como platos, gongs, bombos, timbales y otros objetos resonantes. La grabación de la pieza incluida en este CD, fue realizada en diciembre de 2007 bajo la supervisión de Ron Kuivila, profesor de música en la Universidad Wesleyan.

"Sferics; Music for Solo Performer" CD: 1. 'Sferics' (1981); 2. 'Music for Solo Performer' (1965). Al CD le acompaña un libreto de ocho páginas con descripciones en inglés de ambas piezas.

Formato: CD; Duración total: 47:28

Jon Rose: "The Fence"

Jon Rose

The Fence

(ReR JR5)

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De formación esencialmente autodidacta, el músico y compositor Jon Rose (1951- ) cuenta con una trayectoria artística admirable. Guiado por una particular concepción de arte total en torno al violín, ha llevado a cabo numerosos proyectos encaminados a la exaltación de su instrumento de instrumentos. Ha sido una figura clave en el desarrollo de la improvisación libre en Australia y la lista de sus colaboraciones musicales es interminable. Su nombre aparece en más de sesenta grabaciones y, entre otros muchos artistas y músicos, ha trabajado con Derek Bailey, Alvin Curran, Evan Parker, David Moss o Christian Marclay. Rose es asimismo autor de una veintena de obras radiofónicas y dos libros, "The Pink Violin" y "Violin Music in the Age of Shopping", publicados en NMA Publications, Melbourne. Desde 2008, colabora con Robin Fox en el proyecto Transmission, una iniciativa destinada a la investigación y desarrollo de tecnologías y planteamientos de interacción interpretativa en entornos con precarias condiciones para la circulación y transferencia de información.

Con el título "The Fence", el sello ReR Megacorp publicó en 1998 el presente CD con dos creaciones radiofónicas del artista australiano. 'The Fence', así se llama también la pieza más extensa, fue realizada en 1996 en la antigua radio pública alemana Sender Freies Berlin (SFB) y surge de la adoración que Rose profesa por los sonidos de gigantescos instrumentos de cuerda, particularmente aquellos producidos en estructuras alargadas a modo de cercas. Así, resonancias de múltiples vallados y alambradas servirán al artista para reflexionar a propósito de las ideas de control, separación y aislamiento, así como para trazar un poderoso relato radiofónico en el que también tendrán cabida testimonios orales en diversos idiomas, sonidos ambientales y músicas ocasionales. ...Una cerca interminable que circunnavega el mundo entero, incorporando muchas de las zonas de conflicto que parecen no tener solución o que permanecen como cicatrices en la psicología de la gente que tiene que vivir a cada lado de estas fronteras creadas artificialmente.

Por su parte, 'Bagni di Dolabella' o guía del violinista a los tratamientos e intrigas políticas de un antiguo balneario romano fue producida, en 1993, en los estudios de la radio pública italiana para el programa The Audio Box. Basada en un documento original encontrado por el Departamento de Aguas Residuales de la Ciudad de Roma, la obra tiene como protagonista principal a Dolabella, una empleada de un sofisticado balneario que, en la maravillosa voz e interpretación de Sabine Sacchi, cuenta en italiano las bondades de las aguas termales utilizadas y de los tratamientos que allí ejercita como remedio de múltiples enfermedades. Sin embargo, de ese relato feliz y aparentemente inocuo, acabará aflorando una sentida denuncia de corrupción política y acoso sexual. Acompañando a Dolabella la pieza incluye formidables interpretaciones al violín a cargo del propio Rose, un grupo de violines pregrabado (The Orchestra of Ancient Guts dirigida por el Dr. Johannes Rosenberg) y un efectivo repertorio de vocalizaciones, secuencias de percusión corporal y sonidos de agua, desaguaderos, cisternas y rocas.

"The Fence" CD: ('The Fence') 1. 'Iron Curtain'; 2. 'The Peace Line'; 3. 'Two million soldiers'; 4. 'The green line'; 5. 'Waste bins provided'; 6. 'Our police'; 7. 'The shouting fence'; 8. 'Potsdammer Platz'; 9. 'The wrong place'; 10. 'Fortune tellers'; 11. 'Fifteen of the best'; ('Bagni di Dolabella') 12. 'Introduction by one bored Baths Guide'; 13. 'Bath Technology'; 14. 'Preparations'; 15. 'The Massage Parlour'; 16. 'The Chemical Contents of the Waters & Spells for Cures'; 17. 'List of Diseases to be Cured'; 18. 'Dolabella reveals all'. El CD contiene un libreto de ocho páginas con descripciones de ambas piezas y la traducción al inglés del texto alemán narrado en 'The Fence'.

Formato: CD; Duración total: 56:55