Tod Dockstader & David Lee Myers: "Pond"

Tod Dockstader & David Lee Myers

Pond

(ReR TDDM1)

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Figura pionera de la música concreta, Tod Dockstader (Minnesota, 1932) cuenta con una dilatadísima aunque intermitente trayectoria como compositor e ingeniero de sonido. Ya desde sus primeros montajes sonoros, llevados a cabo a finales de los años cincuenta en los estudios de grabación Gotham, Dockstader haría gala de una constante vocación autodidacta y de una admirable, casi obsesiva, minuciosidad organizativa. "Luna Park" (1961), "Quatermass" (1964) y el ciclo "Aerial" (2003) son algunas de sus creaciones electroacústicas más destacadas. Por su parte, el artista sonoro y visual David Lee Myers (1949- ) lleva produciendo música electrónica basada en sistemas de realimentación acústica desde 1987. Primero bajo el seudónimo Arcane Device y más recientemente utilizando su propio nombre, Myers es autor de una veintena de grabaciones y ha colaborado con músicos y artistas como Ellen Band, Asmus Tietchens y Thomas Dimuzio.

Publicada en 2004 por ReR Megacorp, "Pond" es fruto de la primera colaboración musical entre ambos creadores. Una formidable obra electroacústica concebida en trece secciones y que parte de una serie de grabaciones ambientales que Myers y Dockstader realizaron en distintas charcas y arroyos. Su idea consistió en la captación de los sonidos producidos por animales que habitan en esos entornos, particularmente ranas y sapos, con el propósito de utilizarlos como material esencial de sus exploraciones. Sometidos a ejercicios de severa transformación electrónica, esos sonidos naturales alcanzaron así una dimensión inaudita. Sin embargo, lejos de erigirse en un simple catálogo de sonidos extravagantes, "Pond" despliega una lógica musical asombrosa, repleta de matices tímbricos e hipnóticos apuntes rítmicos; un imaginario acústico representado con motivos recurrentes y de singular belleza. Myers y Dockstader han logrado crear un misterioso y, en ocasiones, alucinante universo de sonido que exhibe un grado imponente de intensidad y complejidad (Bill Tilland – BBC Review). 

"Pond" CD: 1. 'Crepitata'; 2. 'Slow Marsh'; 3. 'Horsefly'; 4. 'Chorus'; 5. 'Surge'; 6. 'Glottalk'; 7. 'Assembly'; 8. 'Twango'; 9. 'Swarm'; 10. 'Bellpool'; 11. 'Springers'; 12. 'Pterygota'; 13. 'Corridor'. La edición incluye un libreto de ocho páginas con la transcripción de una de las conversaciones que mantuvieron ambos artistas a propósito de la realización de la obra.

Formato: CD; Duración total: 63:37

David Rosenboom: "How Much Better if Plymouth Rock Had Landed on the Pilgrims"

David Rosenboom
How Much Better if Plymouth Rock Had Landed on the Pilgrims
(NW80689-2)

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Compositor, intérprete y artista interdisciplinar, David Rosenboom (1947- ) es una de las figuras pioneras de la música experimental americana. A lo largo de su brillante trayectoria ha explorado formas musicales de generación espontánea y lenguajes de improvisación; ha participado en colaboraciones artísticas interculturales, producciones de arte performativo y proyectos multimedia. Es autor de un modelo composicional denominado propositional music y ha desarrollado innovadoras técnicas de escritura para formaciones interpretativas, así como un interfaz musical que permite la interacción con el sistema nervioso humano. En la actualidad Rosenboom sigue componiendo y ejerce como docente en la escuela de música del California Institute of the Arts.

La presente edición en doble disco compacto contiene realizaciones recientes de las nueve secciones de "How Much Better if Plymouth Rock Had Landed on the Pilgrims", una singular creación que Rosenboom compuso y desarrolló entre 1969 y 1971. Documentada por primera vez en su totalidad, "...Plymouth Rock..." abraza diversos estilos musicales e influencias y fue concebida como una ambiciosa composición basada en la prescripción de procesos evolutivos y una intensa actividad de colaboración con experimentados músicos. Como el propio Rosenboom indica al referirse a 'Section V (humanity)', la sección más extensa y posiblemente más popular de la obra: requiere que los músicos aprendan a tocar una serie de patrones melódicos con tremenda fluidez y agilidad y trabajen con ellos hasta que emerja la forma y estructura derivada de la escucha compartida y el ejercicio interpretativo. Ragas indios, minimalismo, jazz, rock e improvisación libre, se dan cita en una aventura musical que tiene su inspiración en el medio electrónico y que evoluciona gradualmente con la integración de instrumentos acústicos y virtuosas interpretaciones. "...Plymouth Rock..." es una obra magna que demuestra que un proceso que comienza con un circuito electrónico, en el transcurso de cuarenta años, puede llegar a codificarse, ejercitarse y permutarse para abarcar un mundo entero de estilos musicales, técnicas y experiencias. (Chris Brown)

"How Much Better if Plymouth Rock had Landed on the Pilgrims" CD1: 1. 'Section I esential tension to universe' (Erika Duke-Kirkpatrick, violonchelos); 2. 'Section II symmetrical harmonies in chaotic orbits' (David Rosenboom, electrónica y ordenador); 3. 'Section III world' (Vinny Golia, saxofones contrabajo); 4. 'Section IV life' (Erika Duke-Kirkpatrick, violonchelos; Vinny Golia, instrumentos de viento; David Rosenboom, grabaciones de campo); 5. 'Section V humanity' (Swapan Chaudhuri, tabla; Vinny Golia, instrumentos de viento; Aashish Khan, sarode; Daniel Rosenboom, trompeta; David Rosenboom, piano y ordenador; I Nyoman Wenten, pemade). CD2: 1. 'Section VI culture' (las bandas de rock PLOTZ y DR. MiNT); 2. 'Section VII impression' (David Rosenboom, piano; I Nyoman Wenten, pemade; William Winant, jegog y calung); 3. 'Section VIII unification' (Daniel Rosenboom, trompetas; David Rosemboom, piano, órgano y ordenador); 4. 'Section IX links' (David Rosenboom, piano y ordenador; I Nyoman Wenten, kendang; William Winant, marimba. La edición cuenta con un libreto de treinta páginas que incluye ensayos de Chris Brown y Sande Cohen a propósito de la pieza, así como notas biográficas del compositor e intérpretes.

Formato: 2CD; Duración total: 117:26

Gordon Monahan: "Seeing Sound / Sound Art, Performance and Music 1978-2011"

Gordon Monahan

Seeing Sound / Sound Art, Performance and Music 1978-2011

(ISBN: 978-1-926589-09-1)

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Nacido en 1956 en la ciudad canadiense de Kingston, Gordon Monahan es compositor, artista sonoro, performer, pianista y musicólogo. Sus obras para piano, altavoces, vídeo, esculturas cinéticas y entornos sonoros, abarcan varias disciplinas, desde la música de concierto vanguardista a la instalación multimedia y el arte sonoro. Como compositor y artista sonoro, Monahan combina ciertos aspectos cuantitativos y cualitativos de los fenómenos acústicos naturales con elementos de la tecnología, el medio ambiente, la arquitectura, la cultura popular y la performance.

Publicada con ocasión de una reciente exposición retrospectiva del artista, organizada por la galería Robert McLaughlin (Oshawa, Ontario) en colaboración con otras seis instituciones canadienses, "Seeing Sound / Sound Art, Performance and Music 1978-2011" constituye la primera monografía exhaustiva a propósito de su obra y trayectoria. Se trata de un espléndido libro de tapa dura (25 x 19,5 cm.) y edición trilingüe (inglés, francés y alemán), cuyas 160 páginas contienen, además de abundantes fotografías y diverso material gráfico, un prólogo a cargo de los editores del libro (Linda Jansma y Carsten Seiffarth), la transcripción de una entrevista a Monahan realizada por Matthias Osterwold, los artículos de Earl Miller 'Gordon Monahan / Record, Replay, Reveal' y Gabriele Knapstein 'Puzzles of Nature and Technology: Gordon Monahan’s Water Music', descripciones de una cuarentena de sus creaciones, su discografía, bibliografía y biografías de los colaboradores. Al libro le acompaña asimismo un DVD de ochenta minutos de duración con grabaciones audiovisuales de catorce de sus obras producidas entre 1986 y 2010. Un sensacional documento, en definitiva, con el que conocer las ideas, técnicas y procedimientos de este importante y talentoso creador, autor de verdaderos hitos en los ámbitos de la performance musical y el arte sonoro como son 'Speaker Swinging' o 'Long Aeolian Piano'.

"Seeing Sound / Sound Art, Performance and Music 1978-2011" DVD: 1. 'Speaker Swinging' (1982/1987); 2. 'A Magnet That Speaks Also Attracts' (1986); 3. 'Long Aeolian Piano' (1986); 4. 'Aquaeolian Whirlpool' (1990); 5. 'Aquaeolian Music Room' (1991); 6. 'Sounds and the Machines That Make Them' (1994); 7. 'Spontaneously Harmonious in Certain Kinds of Weather' (1996); 8. 'When it Rains' (2000); 9. 'New and Used Forniture Music' (2003/2005); 10. 'Aeolian Winds Over Claybank, Saskatchewan' (2007); 11. 'Theremin Pendulum' (2008); 12. 'Syncopated Precipitation' (2009); 13. 'Space Becomes the Instrument' (2009); 14. 'Sauerkraut Synthesizer' (2010).

Formato: Libro+DVD: Duración total DVD: 80:58

Wolf Vostell: "Dé-Coll/Age Musik"

Wolf Vostell

Dé-Coll/Age Musik

(TA101/2011)

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Wolf Vostell, nacido en Leverkusen (Renania) en 1932, fue uno de los más importantes integrantes del movimiento artístico y filosófico Fluxus y uno de los artistas multimedia más relevantes de la segunda mitad del siglo XX. Creador de un arte en contacto y conflicto directo con la vida y la sociedad de su tiempo, Wolf Vostell fue un ingeniero de la vida y como tal le gustó experimentar con todos los materiales disponibles: utilizó los medios gráficos, fotomecánicos (fotografía), electroacústicos (micrófonos y osciladores), pintura al óleo, acrílica, con cemento, cobre, plomo; objetos-partituras, conciertos de música, ambientes, acciones y happenings, cuadros-objeto, vídeo... Todo ello unido mediante su concepto de dé-collage. Además, fue el primer artista del siglo XX que emplea el aparato de televisión en sus obras, detrás del lienzo de sus cuadros-objeto y sus piezas de automóviles.

Sin embargo, el material musical de Wolf Vostell está disperso y sus aportaciones a este campo no han sido tan analizadas como su material escultórico o sus happenings, pero es esencial y se encuentra en todo su trabajo. (*)

Una buena manera de atender a la dimensión sonoro-musical de la obra de Vostell es, sin duda, a través de la audición de "Dé-Coll/Age Musik", reedición en CD (Tochnit Aleph, 2011) del disco de vinilo publicado en 1983 por la Fondazione Mudima. Incluye breves grabaciones de trece de sus realizaciones efectuadas en Europa y Estados Unidos entre 1959 y 1981. Acciones, creaciones ambientales, performances y happenings en los que Vostell lleva a cabo sorprendentes ejercicios de descomposición manejando objetos cotidianos y múltiples fuentes sonoras amplificadas. Presentada en un espléndido digipak, la edición contiene un libreto de dieciséis páginas con imágenes ilustrativas de algunas de las producciones más destacadas del creador alemán.

"Dé-Coll/Age Musik" CD: 1. 'Radio dé-coll/age' (1959, interpretado por Vostell); 2. 'Dé-coll/age Manifesto' (1961, Happening, performance realizada por Vostell); 3. 'Sun in your Head' (1963, Happening, Técnico: Jaap Speck); 4. 'El aeropuerto como sala de concierto' (1964, Ulm); 5. 'Elektronischer dé-coll/age Happening Raum' (1968, Ambiental); 6. 'Telemetre' (1969, Mónaco, Ambiental); 7. 'MiM' (1969, Colonia, Ambiental); 8. 'Hochspannung' (1970, Aachen, Ambiental); 9. 'Fandango' (1975, Milán, Acción ambiental); 10. 'Heuwagen' (1977, Essen, Happening); 11. 'Giovanna La Pazza' (1980, Florencia, Ambiental); 12. 'San Diego Freeway' (1980, Los Ángeles, Happening); 13. 'Garden of Delices' (1981, Berlín, fragmento de la Ópera-Fluxus).

(*) El texto en letra cursiva al inicio de este anuncio pertenece al artículo "Wolf Vostell: La vida como ruido" de Ana María Sedeño Valdellós, Doctora en Comunicación Audiovisual (Facultad de Ciencias de la Comunicación, Univ. de Málaga). Artículo que fue publicado en octubre de 2006 en la revista online "Sinfonía Virtual".

Formato: CD; Duración total: 44:41

Michael Byron: "Dreamers of Pearl"

Michael Byron

Dreamers of Pearl

(NW80679-2)

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Considerado por algunos como uno de los compositores de la segunda generación de minimalismo musical de la Costa Oeste de los Estados Unidos, Michael Byron (1953- ) estudió con James Tenney en el Instituto de las Artes de California y posteriormente con Richard Teitelbaum en la Universidad de York (Toronto, Canadá). Es autor de unas cincuenta obras instrumentales que han sido interpretadas por destacados solistas y formaciones como Sarah Cahill, el cuarteto FLUX, Joseph Kubera, Jenny Lin, Aki Takahashi y la William Winant Percussion Ensemble. Además de haber recibido numerosos encargos musicales y disfrutado de distintas residencias artísticas, Byron ha sido becado por la National Endowment for the Arts, el New York State Council on the Arts y el Ontario Arts Council. Además, ha ejercido como docente en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de York y fue el artífice, a mediados de los años setenta, de Pieces, una serie de tres publicaciones que documentaban aspectos diversos de la obra de compositores americanos experimentales.

Escrita entre 2004 y 2005 para el célebre intérprete Joseph Kubera, "Dreamers of Pearl" es una extensa y compleja composición para piano que el propio Byron describe como una larga sucesión de operaciones contrapuntísticas abstractas. De notación meticulosa y compuesta de tres movimientos (rápido-lento-rápido) de similar duración, la obra exhibe una clara inclinación hacia recursos composicionales asociados al minimalismo musical clásico si bien enriquecidos por graduales modulaciones del material sonoro, efectivos rompecabezas rítmicos y una notable inmersión en la textura contrapuntística. ‘Dreamers of Pearl pertenece a una clase inusual de música reciente para piano -composiciones monumentales de gran duración, belleza e intensidad- deliberadamente ligadas a géneros pianísticos tradicionales y cuyas estructuras profundamente arraigadas, aunque también ingeniosas y emocionantes, animan tan sólo a unos pocos pianistas valientes a dedicarse con entusiasmo a estas piezas a menudo despiadadamente difíciles’ (Amy C. Beal). 

"Dreamers of Pearl" CD: 1. 'Enchanting the Stars'; 2. 'A Bird Revealing the Unknown to the Sky'; 3. 'It Is the Night and Dawn of Constellations Irradiated'. Grabado en la Academia Americana de las Artes y las Letras, en la ciudad de Nueva York, entre el 14 y 15 de noviembre de 2007. Publicado en 2008 por New World Records. La edición incluye un libreto de veinte páginas con un ensayo a cargo de la profesora estadounidense Amy C. Beal, varios fragmentos de la partitura de "Dreamers of Pearl" y notas biográficas de Byron y Kubera.

Formato: CD; Duración total: 53:24

Fátima Miranda: "Cantos Robados"

Fátima Miranda

Cantos Robados

(FMCR DVD)

13,00 EUR más gastos de envío - Pídelo

Fátima Miranda nace en Salamanca y vive en Madrid. Tras finalizar sus estudios de Historia del Arte, se especializa en Arte Contemporáneo y publica dos libros sobre arquitectura y urbanismo. Su interés por las vanguardias le lleva a prestar especial atención a la performance, el video-arte y la música minimalista, pero sobre todo a las relaciones arte-vida y artista-espectador. Guiada por ese hilo conductor y tras conocer al músico Llorenç Barber, encuentro que sería determinante para su evolución artística, fundó con aquel el grupo de improvisación Taller de Música Mundana. Muy pronto comenzó a descubrir en su voz un insospechado y precioso potencial que decidió explorar rigurosamente y hasta sus máximas consecuencias. Desde 1983 viene realizando un trabajo de investigación en torno a la voz y a la música vocal de culturas tradicionales, que le ha llevado a emplear la voz no sólo como fuente sonora del canto y del habla, sino también como instrumento de viento y de percusión, y ello al servicio de la creación de un lenguaje musical propio.

Publicado en 2006, este DVD de escasa media hora de duración contiene fragmentos videográficos del estreno mundial de "Cantos Robados" de Fátima Miranda. Actuación que la artista ofreció el 30 de septiembre de 2005 en el Teatro Liceo de Salamanca.

A propósito de "Cantos Robados": El título Cantos Robados nos hace un guiño que encierra toda una declaración de principios al plantearnos esa necesidad de proceso, de vagar y perderse por largos caminos, tropezando entre cantos rodados, tras un constante ir y venir, bucle/eterno retorno realimentado de antiguas raíces, hoy transmutadas y depuradas en un atanor por el que han transitado infinidad de culturas musicales y las más atractivas y complejas prácticas vocales del laberíntico etnomundo, logrando así ponerlas en diálogo fecundo, mestizo y renovado, para poder aportar otro sabor, otro canto. Hija de una sensibilidad etnomínimal, Fátima Miranda da la espalda a la tiranía de los cánones de belleza del canto y de la palabra y se pone el mundo por montera, entrando a saco y sin miedo en el bosque de oralidades que aun lo pueblan... (Notas incluidas en la edición)

"Cantos Robados" DVD: 'Cantos Robados'. Idea original, dirección, composición y cantante-performer: Fátima Miranda.

Formato: DVD; Duración total: 26:03

Fátima Miranda: "Fragments"

Fátima Miranda

Fragments

(FMF CD+DVD)

20,00 EUR más gastos de envío - Pídelo

Fátima Miranda nace en Salamanca y vive en Madrid. Tras finalizar sus estudios de Historia del Arte, se especializa en Arte Contemporáneo y publica dos libros sobre arquitectura y urbanismo. Su interés por las vanguardias le lleva a prestar especial atención a la performance, el video-arte y la música minimalista, pero sobre todo a las relaciones arte-vida y artista-espectador. Guiada por ese hilo conductor y tras conocer al músico Llorenç Barber, encuentro que sería determinante para su evolución artística, fundó con aquel el grupo de improvisación Taller de Música Mundana. Muy pronto comenzó a descubrir en su voz un insospechado y precioso potencial que decidió explorar rigurosamente y hasta sus máximas consecuencias. Desde 1983 viene realizando un trabajo de investigación en torno a la voz y a la música vocal de culturas tradicionales, que le ha llevado a emplear la voz no sólo como fuente sonora del canto y del habla, sino también como instrumento de viento y de percusión, y ello al servicio de la creación de un lenguaje musical propio.

La edición de "Fragments" consta de CD más DVD. El CD incluye una selección de piezas pertenecientes a sus obras "Las Voces de la Voz" (1991), "Concierto en Canto" (1996) y "ArteSonado" (2000), así como una grabación en vivo de 'Asaeteada', aparecida originalmente en la célebre serie Revista de Arte Sonoro (UCLM 2001, RAS 6). Por su parte, el DVD contiene fragmentos videográficos grabados durante las presentaciones mundiales de esas tres obras. Año de publicación: 2008.

A propósito de Las Voces de la Voz: En ninguna de estas piezas se pronuncian textos o palabras inteligibles. A base de un lenguaje abstracto fluyen atmósferas musicales melancólicas, meditativas, dramáticas o divertidas. Este comportamiento vocal diferente tiende a descartar deliberadamente la intervención de la palabra para reencontrar la función presintáctica del lenguaje y recuperar nuestras raíces sonoras y su dimensión orgánica, emocional y liberadora. Se difuminan así las fronteras entre el habla, el canto, la poesía, la composición, la improvisación y la interpretación, tras haber combinado en el proceso creativo: el estudio, el juego, la disciplina, el azar y la búsqueda lenta y reflexiva.

A propósito de Concierto en Canto: En las obras que incluyen Concierto en Canto, la voz es tratada bajo todas sus posibilidades de expresión cantada y hablada, empleando técnicas vocales occidentales, orientales, o bien de su propia invención, algunas de ellas multifónicas y que cubren un registro de cuatro octavas, sin valerse para ello de manipulación electrónica alguna. Ello unido al importante componente gestual, dramático y poético que acompaña sus actuaciones, crea una variedad de ambientes y genera un tipo de emociones que hacen de éste un producto único que atrae la atención de un público de procedencia muy diversa.

A propósito de ArteSonado: En escena una sola cantante-performer. A veces una sola voz a capela, otras su voz solista en vivo acompañada por polifonías (de voces de ellas misma), a modo de coro u orquesta virtual. La presencia en vivo de Fátima Miranda, su concentrado y poderoso gesto dramático, su voz tanto de cristal como de trueno, perfumada de Japón, India, Irán, Mongolia, Rusia, Bulgaria, o del cante jondo andaluz, convierte en presente absoluto e irrepetible todo lo que ocurre... A lo largo del concierto se suceden atmósferas llenas de matices, emociones y sugerencias: ambientes marinos, de selvas, bazares y templos; ráfagas de verbena, infancia, contemplación o inocencia; tonos dramáticos, melancólicos, divertidos y sensuales; climas elegantes, grotescos o locos; perfumes exóticos, playeros o nocturnos; sombras de ritos, miedos o sabiduría. (Notas incluidas en la edición)

"Fragments" CD: 1. 'Diapasión'; 2. 'Desasosiego'; 3. 'Alankara Skin'; 4. 'Nila Blue'; 5. 'LLAMAda'; 6. 'Hálito'; 7. 'A Inciertas Edades'; 8. 'Canto Largo'; 9. 'Dhrupad Dream'; 10. 'Entre Nosotros / epitafio a las ballenas'; 11. 'De Ida y Vuelta'; 12. 'El Principio del Fin'; 13. 'La Voz Cantante'; 14. 'RePercusiones I: Esto es de lo que no tiene nombre'; 15. 'Asaeteada' (interpretación en vivo).

"Fragments" DVD: 'ArteSonado' (fragmento, 28 minutos); 'Concierto en Canto' (fragmento, 22 minutos); 'Las Voces de la Voz' (fragmento, 27 minutos).

Formato: CD+DVD; Duración total CD: 72:15; Duración total DVD: 77:00

Fátima Miranda: "perVERSIONES"

Fátima Miranda

perVERSIONES

(FMP DVD)

00,00 € más gastos de envío - Agotado

Fátima Miranda nace en Salamanca y vive en Madrid. Tras finalizar sus estudios  de Historia del Arte, se especializa en Arte Contemporáneo y publica dos libros sobre arquitectura y urbanismo. Su interés por las vanguardias le lleva a prestar especial atención a la performance, el video-arte y la música minimalista, pero sobre todo a las relaciones arte-vida y artista-espectador. Guiada por ese hilo conductor y tras conocer al músico Llorenç Barber, encuentro que sería determinante para su evolución artística, fundó con aquel el grupo de improvisación Taller de Música Mundana. Muy pronto comenzó a descubrir en su voz un insospechado y precioso potencial que decidió explorar rigurosamente y hasta sus máximas consecuencias. Desde 1983 viene realizando un trabajo de investigación en torno a la voz y a la música vocal de culturas tradicionales, que le ha llevado a emplear la voz no sólo como fuente sonora del canto y del habla, sino también como instrumento de viento y de percusión, y ello al servicio de la creación de un lenguaje musical propio.

Publicado en 2011, este DVD contiene grabaciones videográficas realizadas durante varias presentaciones de la obra "perVERSIONES" en España y Portugal.

A propósito de "perVERSIONES": Fátima Miranda siempre compuso y cantó su obra empleando insólitas técnicas vocales, inventadas o aprendidas de culturas tradicionales de Oriente y Occidente, sobre un registro de cuatro octavas. Con su voz llegó tan lejos, que lo extraordinario para ella en esta ocasión es llegar tan cerca, cantando como siempre lo hizo y también como nunca, canciones de toda la vida. Todo un reto. El repertorio se ha elegido desde la certeza de lo que a uno le toca o le conmueve, sin afán de exhaustividad cronológica o temática. Melodías medievales, lamentos, lieds, cantos de chamanes o ragas, se entrelazan en perfecta armonía con standards de jazz, copla española, canción pop, fado o chanson, creando un mapa sin fronteras que a su vez se dirige a y emerge de la memoria colectiva...

El concierto se estructura en siete partes o atmósferas, cada una integrada por dos ó tres canciones. Contención íntima y extroversión se alternan, armonizando lo cotidiano y lo elevado, hacia un resultado lleno de gracia, unidad y sentido.

A la escenografía contribuyen las fotografías creadas ad hoc para perVERSIONES por el insigne Chema Madoz... En escena una cantante, un pianista (Miguel Ángel Alonso Mirón) y un piano. Un escenario exento de todo efectismo: un magistral diseño de luces y un espléndido vestuario envuelven cada momento en su clima justo, y puntualmente un lento fundido de imágenes realizadas por Madoz, flotando sobre un soporte no convencional, más próximo a los visillos de una alcoba que a una pantalla. Lo musical y visual así como la dramaturgia quedan integrados en un todo sensitivo y orgánico. (Notas incluidas en la edición)

"perVERSIONES" DVD: I. 'DIOSES: RUEGOS Y PREGUNTAS' (Salmo Copto – Anónimo, Composición para Raga Bhairavi – Tradicional india, Saeta – F. Miranda/Tradicional española); II. 'LÁGRIMAS' (Flow my tears - John Dowland, Cry me a river – Arthur Hamilton, La llorona – Popular mexicana); III. 'LUCHA LIBRE' (La Internacional – Pierre Degeyter, Walk on the wild side – Lou Reed, Estranha forma de vida – Alfredo Duarte); IV. 'MIELES Y HIELES' (Ojos verdes – Valverde, León y Quiroga, El árbol del olvido – Alberto Ginastera, La Bámbola – F. Migliacci, B. Zambrini, R. Cini); V. 'NO MORE BLUES' (Du Bist die Ruh - Franz Schubert, Chega de saudade – Antonio Carlos Jobim, La diva de l’Empire – Erik Satie); VI. 'ADIOSES' (Alfonsina y el mar – Ariel Ramirez, Strange fruit – Lewis Allan, Après un rêve – Gabriel Fauré).

Formato: DVD; Duración total: 84:00

David Lumsdaine: "Big Meeting"

David Lumsdaine

Big Meeting

(NMC D171)

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El compositor de origen australiano David Lumsdaine (1931- ) fue educado en la Universidad de Sydney y en el Conservatorio de Música de esa misma ciudad. En 1953, emigró a Inglaterra donde amplió estudios con Máytás Seiber y Lennox Berkeley y colaboró con el poeta, australiano también, Peter Porter. A mediados de los años sesenta ejerció como profesor de composición en la Academia Real de Música de Londres. Posteriormente, trabajó como editor musical en las compañías Schotts y Universal Edition. En 1970, una vez aceptado un puesto de conferenciante en la Universidad de Durham, Lumsdaine fundó, junto a Peter Manning, el Estudio de Música Electrónica de ese centro académico. No fue hasta 1973 cuando el compositor efectuaría la primera de múltiples visitas a su país natal. Ocasiones en las que, entre otras cosas, pudo revivir la experiencia su estimado e inspirador paisaje australiano. En 1981, regresó a Londres para ejercer como conferenciante senior en el King’s College, puesto que compartió con su esposa, la compositora Nicola LeFanu. Desde 1994 vive retirado en la ciudad de York.

Su trayectoria de cuarenta años como compositor deja un legado musical original y diverso. Un repertorio constituido por piezas orquestales, vocales, de cámara y solistas, diversas grabaciones de paisajes sonoros y alguna que otra composición electroacústica. Precisamente de esa escasa producción electroacústica, el sello NMC Recordings rescata y publica por primera vez en este registro la que es su obra más destacada.

Realizada entre 1971 y 1978, "Big Meeting" rememora el que fue uno de los últimos encuentros anuales de la comunidad de mineros en la pequeña ciudad inglesa de Durham. Un acto festivo con tintes reivindicativos cuyo origen se remonta a 1871. Con el simple propósito de documentar la representación acústica de tal evento, el segundo sábado del mes de julio de 1971, Lumsdaine y algunos de sus alumnos universitarios, provistos de varios magnetófonos portátiles y micrófonos, recorrieron las calles de Durham grabando lo que allí acontecía. No obstante, en la posterior audición reposada y analítica de esos sonidos ambientales (bandas musicales, parlamentos, aplausos, himnos, canciones, bullicio callejero...) Lumsdaine ya detectaría el principio de una posible composición. En consecuencia, durante los años siguientes, el autor pondría su empeño en el desarrollo de una suerte de sintaxis sonora que, por un lado, preservara el valor documental de esas grabaciones y que, por el otro, contuviera rasgos de una marcada poética musical. Para ello contó con los medios del Estudio de Música Electrónica de la Universidad de Durham y la colaboración técnica de Peter Manning y Ron Berry. Elaborada con arreglo a una lógica que tuviera en cuenta por igual aspectos espaciales y temporales, "Big Meeting" se articula en ocho secciones que sintetizan, de algún modo, la experiencia de esa singular jornada. Un relato sonoro nostálgico, conmovedor, cuya constante aunque pausada progresión parece sugerir la también paulatina desaparición de una actividad y forma de vida. "Big Meeting" fue presentada en concierto en noviembre de 1978 en el Durham Town Hall.

"Big Meeting": http://www.youtube.com/watch?v=VzINLIceero

"Big Meeting" CD: 1. 'Beginnings: Speak!'; 2. 'Gathering, memories: Old Elvet and Racecourse'; 3. 'The Fairground Dances'; 4. 'The Miners' Hymn'; 5. 'Crossing Palace Green to the Cathedral'; 6. 'Underground: questions'; 7. 'Praise: people speak'; 8. 'Coda'. La edición en CD incluye un libreto de dieciséis páginas con varias fotografías, una amplia descripción de la obra y su proceso de creación, datos biográficos, créditos y agradecimientos.

Formato: CD; Duración total: 60:47

Varios Artistas: "Anthology of Dutch Electronic Music 1999-2010"

Varios Artistas

Anthology of Dutch Electronic Music 1999-2010

(Basta 3093042)

19,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

En los dos volúmenes que comprende la "Anthology of Dutch Electronic Tape Music" (publicados originalmente en el sello Composers' Voice, entre 1978 y 1979, y reeditados por Basta Music en 2008) el compositor Dick Raaijmakers compiló algunas de las creaciones más representativas de la producción musical electrónica en Holanda entre los años 1955 y 1977. En total, treinta trabajos experimentales compuestos exclusivamente para cinta y realizados en distintos estudios del país.

Algo más de tres décadas después y publicada asimismo por Basta Music, aparece en el mercado "Anthology of Dutch Electronic Music 1999-2010". Una nueva colección producida con el ánimo de reforzar el vínculo entre pasado y presente, ofreciendo un panorama de las principales tendencias adoptadas en esa escena musical electrónica durante los últimos diez años. Además de algunas obras compuestas para cinta, la antología incluye también ejemplos de música mixta, electrónica en vivo, improvisación electroacústica, trabajos instalativos, composiciones algorítmicas, performance y teatro musical. Sin duda, un variado e interesante registro recopilatorio que sin embargo cuenta con un defecto no poco importante: la mayoría de las piezas incluidas en el doble disco compacto son fragmentos de obras con mayor duración. Al parecer, limitaciones editoriales impidieron ampliar la antología al número de CDs idóneo para poder albergar las versiones integras de tales obras.

Acompaña el registro un libreto de treinta y dos páginas, escrito en inglés, con dos textos introductorios, breves descripciones de las composiciones, biografías de los autores, fotografías y detalles gráficos de varias partituras.

CD I: 1. René Uijlenhoet 'De Voorzienigheid' (2006); 2. Rozalie Hirs 'Pulsars' (2007); 3. Kees Tazelaar 'Crosstalk A' (2008); 4. Hans Timmermans 'Aether' (2006); 5. Bas Kalle 'Drieluik' (2002); 6. Huib Emmer 'Orbit 1' (2010); 7. Roderik de Man 'Marionette' (2007); 8. Marko Ciciliani 'Map of Marble' (2005); 9. Wouter Snoei 'Hysteresis' (2009); 10. Alison Isadora 'Ancient Voices' (2004); 11. Michel Waisvisz 'Rupture (part 3)' (2004).

CD II: 1. Juan Parra Cancino 'Tellura' (2004); 2. Robert van Heumen 'Stranger' (2008); 3. Joel Ryan 'Frontal' (2007); 4. Gert-Jan Prins 'sub 8' (1999); 5. Henry Vega 'The Hallelujah Drones' (2008); 6. Thomas Ankersmit 'Kleinere Zwerm' (2010); 7. Anne La Berge 'Drive' (2003-2009); 8. Jan-Bas Bollen 'Walker' (2007); 9. Luc Houtkamp 'Uiterste Staat (part 3)' (2009); 10. Edwin van der Heide 'Wavescape' (2001); 11. Yannis Kyriakides 'Wordless (Pensioner_0496)' (2004); 12. Bosch & Simons 'Último Esfuerzo Rural I' (2004-2008); 13. Justin Bennett 'The Well (Gold/Drowned)' (2007); 14. Cathy van Eck 'Hearing Sirens' (2007); 15. Huba de Graaff 'PPPouverture' (2006).

Formato: 2CD; Duración total: 139:58

Jon Rose: "Perks"

Jon Rose

Perks

(ReR JR3)

16,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

De formación esencialmente autodidacta, el músico y compositor Jon Rose (1951- ) cuenta con una trayectoria artística admirable. Guiado por una particular concepción de arte total en torno al violín, ha llevado a cabo numerosos proyectos encaminados a la exaltación de su instrumento de instrumentos. Ha sido una figura clave en el desarrollo de la improvisación libre en Australia y la lista de sus colaboraciones musicales es interminable. Su nombre aparece en más de sesenta grabaciones y, entre otros muchos artistas y músicos, ha trabajado con Derek Bailey, Alvin Curran, Evan Parker, David Moss o Christian Marclay. Rose es asimismo autor de una treintena de obras radiofónicas y dos libros, "The Pink Violin" y "Violin Music in the Age of Shopping", publicados en NMA Publications, Melbourne. Desde 2008, colabora con Robin Fox en el proyecto Transmission, una iniciativa destinada a la investigación y desarrollo de tecnologías y planteamientos de interacción interpretativa en entornos con precarias condiciones para la circulación y transferencia de información.

Aparecido en ReR Megacorp, este registro constituye la versión en estudio de "Perks", una singularísima performance producida en 1995 en el conocido centro holandés para la música electrónica en vivo STEIM. Curiosamente, Rose concibió la obra como un partido de bádminton interactivo en el que la cancha de juego representaría el cerebro humano y los dos jugadores, cada uno de los hemisferios de éste. Aquí, el cerebro era el de Percy Grainger (1882-1961), pianista y compositor australiano al que Rose se refiere como el creador de algunas de las más ingeniosas y bellas innovaciones en la música del siglo XX y, al mismo tiempo, como un individuo capaz de la más deprimente intolerancia racial. De hecho, más allá de evocar, en cierto modo, la dimensión mas física de la música y asimismo celebrar el empleo de la tecnología, "Perks" sobre todo indaga en aspectos del fascinante y controvertido legado dejado por Grainger (el libreto del CD contribuye asimismo a tal propósito al incluir un interesante perfil del personaje y la transcripción de unas cartas que éste envío a principios del pasado siglo a su amante Karen Holten y otras a su madre Rose Grainger).

Una serie de micrófonos de contacto y acelerómetros ubicados en las raquetas de cada uno de los jugadores así como en la red de la pista, incidirán en el desarrollo de una trepidante composición que cuenta con múltiples ingredientes musicales. Además del violín y la voz de Rose, "Perks" incluye las contribuciones de Stevie Wishart (zanfonía), Butch Morris (corneta) y Phil Minton (voz). Con un sintetizador analógico controlado por ordenador, el artista Rainer Linz participa también ofreciendo diversas representaciones digitales de instrumentos encontrados en el museo autobiográfico que Grainger tiene en Melbourne. Elise Lorraine, por su parte, pone voz a los pensamientos de los jugadores (Tom Demeyer y Frank Baldé) e interpreta algunas secuencias adicionales de piano y armonio. Completan la colección de sonidos utilizados en la obra, un brevísimo fragmento de la voz de Grainger y otro correspondiente a una canción folclórica maorí que él mismo grabó en las Islas Cook, supuestamente en 1908.

Como el propio Grainger, "Perks" deconstruye un amplio abanico de vocabularios musicales basados en elementos a menudo dispares... desde una melodía tradicional irlandesa a una caótica versión del concierto para piano de Grieg. (Jon Rose)

"Perks" CD: 1. 'Intro Game'; 2. 'Game 1'; 3. 'Game 2'; 4. 'Game 3'; 5. 'Game 4'; 6. 'Game 5'; 7. 'Piano Pedal Missionary'; 8. 'Game 6'; 9. 'Game 7 S & M'; 10. 'Game 8'; 11. 'Porridge'; 12. 'Butch’s Badmo'; 13. 'J.R.’s Badmo'; 14. 'Grieg’s Old Warhorse'; 15. 'Country Games 9'; 16. 'Game 10'; 17. 'Game 11'; 18. 'Phil's Badmo'; 19. 'Free Irish'; 20. 'End Game'; 21. 'A Bit From The Steim Badmo Concert 27/4/95'.

Formato: CD; Duración total: 55:46