Michel Chion: "La vie en prose"

Michel Chion

La vie en prose

(brocoli 009)

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Compositor, realizador de cine y video, profesor e investigador, Michel Chion nace en Creil (Francia) en 1947. Tras haber cursado estudios literarios y musicales, trabajó en la Oficina de Radiodifusión-Televisión Francesa (ORTF), colaboró con Pierre Schaeffer en el Conservatorio Nacional de Música de París y ejerció como productor de las emisiones del Groupe de Recherches Musicales (GRM). También fue responsable de las publicaciones del INA-GRM, institución de la que fue miembro desde 1971 a 1976. Fue allí donde conoció a Robert Cahen, compositor y video-artista con el que colaboró asiduamente. Chion es autor de numerosos trabajos de música concreta y melodramas electroacústicos. Entre ellos destacan: "Le prisionner du son" (1972), "Requiem" (1973), "La tentation de Saint-Antoine" (1984), "Tu" (1977-85), "Gloria" (1994) o "L'Isle Sonante" (1998-2010). Como teórico trabaja en el estudio sistemático de las relaciones audiovisuales, materia de la que imparte clases en varios centros universitarios y escuelas de cine. Además de contar con veinticinco publicaciones a propósito de la música y el cine, Chion ha escrito multitud de artículos en la prensa francesa e internacional y ensayos acerca de compositores y realizadores como Pierre Henry, François Bayle, Charlie Chaplin, Jacques Tati, David Lynch y Stanley Kubrick. Su composición "Requiem" obtuvo en 1978 el Grand Prix du Disque de l'Académie du Disque Français y su creación audiovisual "La Messe de terre" (1996) fue galardonada asimismo con el Grand Prix de la ciudad de Locarno.

Si hace tan solo unos pocos meses el sello Nuun debutaba en el panorama discográfico con la publicación del melodrama electroacústico de Chion "Diktat" (1979, revisado en 2006), ahora es la firma editorial Brocoli la que tras presentar, en octubre de 2006, otro de sus inéditos melodramas, el primoroso "Tu" (1977-85), repite con el lanzamiento de este registro en doble disco compacto conteniendo una flamante creación del compositor francés. En esta ocasión se trata de "La vie en prose", una sinfonía concreta creada entre 2006 y 2009 en las ciudades de París, Montreal y Yokohama y revisada posteriormente hasta su definitiva versión de 2011.

Presentada en estreno mundial el 24 de marzo actual en el Café Oto de Londres, "La vie en prose" supone la culminación de una de las aspiraciones creativas de Chion: utilizar los medios de la música concreta para componer lo que él mismo ha denominado como una sinfonía de energía. 'Le chant des heures' (moderato), 'Le souffle court' (scherzo), 'Dans la chambre' (adagio) y 'Salut au jour' (allegro) son los cuatro movimientos que integran esta monumental producción musical realizada con múltiples sonidos analógicos y digitales que el compositor ha atesorado a lo largo de los últimos cuarenta años. Carente de un hilo narrativo determinado, la obra acoge personajes, diversas referencias a músicas populares y, sobre todo, esos sonidos primordiales, sonidos que transitarán generosos de un movimiento a otro exhibiendo indicios de vida propia. Chion parece haber dejado de lado su otrora inclinación hacia modos y contenidos perturbadores, para invocar aquí una expresividad más lúdica de su arte. Numerosos y concisos relatos de lo cotidiano, elaborados mediante expertos juegos de yuxtaposiciones, resonarán animosos en una extensa procesión celebradora de la vida. "La vie en prose" CD I: 1. - 7. 'Le chant des heures'; 8. 'Le souffle court'. CD II: 1. 'Dans la chambre'; 2. - 4. 'Salut au jour'.

Formato: 2CD; Duración total: 84:57

Varios Artistas: "9e concours international d'art radiophonique Luc Ferrari. Composer le réel"

Varios Artistas

9e concours international d'art radiophonique Luc Ferrari. Composer le réel

(Muse 11/1)

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El presente CD incluye las obras premiadas en la novena edición (2011) del concurso internacional de arte radiofónico Luc Ferrari, organizado por el Centro Nacional de Creación Musical, La Muse en Circuit (Alfortville, Francia). En esta ocasión, los artistas y compositores participantes debieron concurrir con una creación radiofónica original que atendiera a la idea de 'componer la realidad'.

El jurado compuesto por Olivier Bernard (SACEM – Division culturelle); André Defossez (Musiq3 – RTBF); Marcus Gammel (Deutschlandradio Kultur), Vicent Esteve y David Jisse (La Muse en Circuit); Anne Gillot (Espace 2 – Radio Suisse Romande; Philippe Langlois (Atelier de Création Radiophonique – France Culture); Christophe Ruetsch (Compositor); Marc Texier (Festival Archipel); y Christian Zanési (Compositor / Ina-GRM), decidió premiar las siguientes creaciones:

'Topographies nocturnes' – un paseo colectivo a ciegas, a la escucha de los sonidos de la noche- realizada en colaboración entre la artista radiofónica DinahBird (1975- ) y la performer y artista multidisciplinar Caroline Bouissou; 'Couvre-feux' –una reflexión a propósito de las nociones de identidad, frontera y territorio en un contexto de guerra- de la compositora y performer Floy Krouchi (1971- ); y finalmente, 'All In Time' –un evocador viaje del tiempo, guiado por la física, la filosofía y la poesía, e inspirado particularmente en la novela de H. G. Wells "The Time Machine"- compuesta por la artista sonora Sarah Boothroyd (1978- ). Las tres obras fueron asimismo presentadas en concierto el pasado 20 de marzo de 2011 en el marco del Festival Archipel (Ginebra, Suiza).

"9e concours international d’art radiophonique Luc Ferrari" CD: 1. DinahBird & Caroline Bouissou 'Topographies nocturnes'; 2. Floy Krouchi 'Couvre-feux'; 3. Sarah Boothroyd 'All In Time'. A la edición en CD le acompaña un libreto bilingüe (francés e inglés) de catorce páginas conteniendo descripciones de las piezas y notas biográficas de las autoras seleccionadas.

Formato: CD; Duración total: 64:39

Dimitri Voudouris: "...; UVIVI; ...; ONTA"

Dimitri Voudouris

...; UVIVI; ...; ONTA

(P21056-2)

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De origen griego aunque establecido en Sudáfrica, Dimitri Voudouris (1961- ) cursó estudios de Farmacia, Ciencia de la Religión, Antropología Socio-Cultural y Filosofía. A partir de los años noventa y de forma autodidacta inicia su carrera compositiva basada particularmente en la investigación de patrones de comportamiento psicoacústico en el individuo. Desde entonces ha compuesto obras instrumentales y electroacústicas así como varias producciones para teatro y danza. Sus intereses socioculturales le han llevado a investigar a propósito de la supervivencia de la música en el siglo XXI y acerca del impacto que la tecnología y los media tienen en el compositor. En 2003 fue nombrado director de NewMusicSA, una organización que promueve la difusión de la música contemporánea en Sudáfrica. Voudouris fue además artífice de Unyazi, el primer simposio-festival de música electrónica celebrado en el continente africano. Sus composiciones han sido difundidas en África, obviamente, aunque también en diversos países europeos, Canadá y Australia.

Tras un superlativo primer CD de Voudouris aparecido en 2006 en Pogus Productions ("'NPFAI.1'; 'Palmos'; 'NPFAI.3'; 'Praxis'"), Al Margolis, dueño del sello estadounidense, vuelve a insistir en la producción de nuestro protagonista publicándole en 2010 este nuevo monográfico de trabajos electroacústicos.

Un registro con excelente sonido y alto rango dinámico para una música del ciberespacio que Voudouris concibe a partir de algunas inquietudes de calado teórico. Así es, las cuatro realizaciones electrónicas aquí incluidas constituyen representaciones eminentemente abstractas de esas inquietudes: un estudio acerca de la interacción comunicativa entre el hombre y la máquina ( '...', para formación de veinticuatro altavoces robóticos y compuesta mediante ejercicios de síntesis del habla y tratamiento del sonido asistido por ordenador); ciertos efectos musicales obtenidos de la observación del tráfico rodado en Mozambique ('UVIVI', música por ordenador para una creación teatral de danza contemporánea); la exploración de la voz humana como un complejo de expresión oral, escrita y maquinal ('...', síntesis del canto para cuatro voces femeninas artificiales); y finalmente, la consideración de la movilidad del individuo en la gran ciudad y sus experiencias cotidianas en ella como posible modelo de interacción musical o práctica estética ('ONTA', para voz -Alecia Van Huysteen- y electrónica). Cuestiones o motivos todos ellos de endiablada complejidad cuya plasmación musical acaba resultando, sin embargo, de lo más estimulante. Voudouris obra con habilidad en materiales severamente procesados, dando forma a ambientes sonoros de una densidad y contundencia expresiva que rayan en lo alucinante.

1. '...' (2005-2008); 2. 'UVIVI' (2008); 3. '...' (2007); 4. 'ONTA' (2003-2005). Al CD le acompaña un libreto de doce páginas conteniendo descripciones y diagramas de las cuatro piezas así como notas biográficas.

Formato: CD; Duración total: 73:48

Ostravská Banda: "On Tour"

Ostravská Banda

On Tour

(Mutable 17544-2)

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Formada en 2005 por el compositor, director y flautista Petr Kotík, Ostravská Banda es la orquesta de cámara residente del célebre festival checo "Ostrava Days". Sus integrantes son jóvenes músicos europeos y estadounidenses cuyo interés primordial radica en la interpretación de música contemporánea. Cuatro han sido hasta ahora los directores principales de este conjunto: Petr Kotík (Nueva York / Ostrava), Roland Kluttig (Berlín), Peter Rundel (Berlín) y Ondrej Vrabec (Praga). El repertorio interpretado por Ostravská Banda incluye música de los compositores John Cage, Iannis Xenakis, Morton Feldman, Edgar Varèse, Luigi Nono, György Ligeti, Louis Andriessen, Elliott Carter, Christian Wolff, Petr Kotík, Alvin Lucier, Phill Niblock, Martin Smolka y Miroslav Srnka, así como de otros tantos autores jóvenes y emergentes. Además de su participación regular en las distintas ediciones del festival "Ostrava Days", destacan también sus actuaciones en las salas Carnegie Hall y Alice Tully de Nueva York, el Conservatorio de París, el Festival de Primavera de Praga, la Akademie der Künste de Berlín y el festival Musicadhoy de Madrid.

"On Tour", publicado por Mutable Music en 2011, supone su debut discográfico. Un doble CD con excelentes grabaciones en vivo de la orquesta obtenidas durante su gira europea de octubre y noviembre de 2010. El repertorio, audaz y de exigente ejecución, presenta dos piezas instrumentales compuestas por dos jóvenes promesas, el checo Petr Bakla y la polaca Paulina Zalubska; un clásico de la música experimental americana como el 'Concierto para Piano y Orquesta' de John Cage; una singular y muy refinada versión de la 'Pasión de Cristo' escrita por el compositor japonés Somei Satoh; la música virtuosa de 'Riti Neurali', partitura para violín y orquesta del italiano Luca Francesconi; y dos recientes creaciones para percusión de las que son autores Petr Kotík y el austríaco Benrhard Lang. Tres de las obras aquí incluidas cuentan además con las actuaciones solistas de Hana Kotková, violín; Thomas Buckner y Gregory Purnhagen, barítonos; y Joseph Kubera, piano. A la edición en digipack, le acompaña un libreto de doce páginas con diversas fotografías del grupo, notas biográficas, breves descripciones de las piezas y detalle de las ciudades visitadas en su gira europea así como del repertorio interpretado.

Ostravská Banda: Daniel Havel, flauta; Daniel Svoboda, clarinete; Stefan Most, corno; Jan Hyncica, trombón; Tamás Schlanger, percusión; Ádám Maros, percusión; Katerina Sabová, arpa; Conrad Harris, violín; David Danel, violín, Andrej Gál, violonchelo; Eduardo Olloqui, oboe; Stefanie Liedtke, fagot; Ladislav Kozderka, trompeta; Karel Malimánek, tuba; László Tömösközi, percusión; Darina Yanková, arpa; Ivan Siller, piano; Pauline Kim, violín; Peter Zwiebel, viola; Frantisek Vyrostko, contrabajo.

"On Tour" CD I: 1. Luca Francesconi 'Riti Neurali' (1991 / Hana Kotková - violín); 2. Petr Bakla 'Serenade' (2010); 3. Paulina Zalubska 'Dispersion' (2007); 4. Somei Satoh 'The Passion' (2009 / Thomas Buckner - barítono; Gregory Purnhagen - barítono; Canticum Ostrava). CD II: 1. John Cage 'Concert for Piano and Orchestra' (1957-58 / Joseph Kubera - piano); 2. Petr Kotík 'In Four Parts (2, 6 & 11 for John Cage)' (2009 / Tamás Schlanger, Ádám Maros, László Tömösközi - percusión); 3. Bernhard Lang 'Monadologie IV' (2008 / Tamás Schlanger, Ádám Maros, László Tömösközi - percusión).

Formato: 2CD; Duración total: 121:53

Félix Ibarrondo: "L'oeuvre pour piano"

Félix Ibarrondo

L'oeuvre pour piano

(espacio sinkro 04)

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Félix Ibarrondo nace en Oñati, el 12 de junio de 1943, en el seno de una familia de tradición musical. Realiza sus primeras lecciones de solfeo y armonía con su padre Antonio. Posteriormente y junto a estudios de filosofía y teología, trabaja la composición musical con Juan Cordero Castaños. Obtuvo los diplomas de piano y composición en los Conservatorios de San Sebastián y Bilbao. En París, donde reside desde 1969, tuvo como profesores a Max Deutsch, Henri Dutilleux y Maurice Ohana. En esa misma ciudad se inició también en la música electroacústica en el marco del Groupe de Recherches Musicales. Su abundante y variada obra, en la cual prevalecen la música orquestal y vocal, ha sido interpretada por numerosos conjuntos e intérpretes como la Nouvel Orchestre Philharmonique de Radio France, la Orquesta Nacional de España, la Ensemble Intercontemporain, el Cuarteto Arditti, Jean-Claude Pennetier, Pierre Strauch o Alfonso Gómez. Entre los diversos galardones recibidos a lo largo de su carrera, destacan el "Óscar Esplá" y el "Lili et Nadia Boulanger de l'Académie française".

El sello Espacio Sinkro Records dedica su registro más reciente, "L'oeuvre pour piano" a la producción exclusivamente pianística del compositor vasco. La edición contiene un libreto de veinticuatro páginas con varias fotografías, una nota biográfica a propósito del intérprete Alfonso Gómez y el espléndido texto del musicólogo y crítico Stefano Russomanno "La obra completa para piano de Félix Ibarrondo". Texto del cual me permito incluir a continuación los siguientes fragmentos:

"El piano, que considero como instrumento casi congénito, juega un papel importante, por no decir esencial en mi música", así escribía Ibarrondo a propósito de un instrumento que recorre con periódica puntualidad su catálogo: la primera pieza, Oviri, se remonta a 1976; la última, Alado Grito, es de 2009. Semejante fidelidad se explica fácilmente a la luz de las posibilidades que el piano aporta a una música que se alimenta de contrastes exacerbados, saltos abruptos y vehementes puntuaciones rítmicas. "Enérgico y tumultuoso", "frenético", "brusco y martilleado", "matices exagerados", son indicaciones recurrentes en sus partituras. Y no sólo eso. La capacidad para plasmar sobre el mismo teclado planos sonoros claramente diferenciados, la densidad de unas armonías cargadas de grumos disonantes y los efectos de resonancia creados por medio del pedal, constituyen las directrices esenciales de una escritura en donde los ecos debussystas conviven junto a reminiscencias del cante jondo.

El piano de Ibarrondo se mueve por terrenos escarpados; le encantan las altas pendientes y los barrancos profundos. Su vida más auténtica se desarrolla en los registros extremos del instrumento: en la región aguda, donde los sonidos adquieren un perfil duro y cristalino, y en la zona grave, donde las notas se impregnan de resonancias hoscas y oscuras.

Sus piezas hurgan en un poso inmemorial donde conviven -inseparables- luz y oscuridad, primitivismo y refinamiento, espíritu y cuerpo. El contraste y la tensión son desde luego sus modos más habituales de expresión, pero el motor que los mueve no es un sentimiento trágico, sino un afán abarcador, un fervor apasionado que intenta aferrar la vida en todas sus facetas y manifestaciones, por distantes que sean.

"L'oeuvre pour piano" CD: 1. 'Iris' (1991); 2. 'Oviri' (1976); 3. '..del allá de lejanías' (2002); 4. 'Preludio' (2006); 5. 'Barca Loca' (2001); 6. 'Silencios ondulados' (1977); 7. - 9. 'Alado Grito' (2008-2009).

Formato: CD; Duración total: 70:21

John Luther Adams: "Four Thousand Holes"

John Luther Adams

Four Thousand Holes

(CB0035)

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El mundo natural y, en particular, la amplitud y belleza del paisaje del Ártico, así como un profundo sentido de arraigo, han estado siempre presentes en el ideario creativo y musical del compositor estadounidense John Luther Adams (1953- ). Desde 1978, año en el que fijó su residencia en el área de Fairbanks (Alaska), ha compuesto obras para orquesta, conjuntos de cámara, instrumentos solistas, instalaciones, cine, televisión y teatro. Su música ha sido interpretada, entre otros, por formaciones como The Paul Dresher Ensemble, Bang On A Can, The California Ear Unit, The Callithumpian Consort y Percussion Group Cincinnati. Desde 1982 a 1989 actuó como percusionista en la Orquesta Sinfónica de Fairbanks y en la Orquesta de Cámara del Ártico. Además de haber sido presidente del Centro de Música Americana, Luther Adams ejerció como profesor en la Universidad de Alaska, en el Conservatorio de Música de Oberlin y en el Bennington College. Cuenta con once grabaciones publicadas y es asimismo autor de los libros "Winter Music: Composing the North" y "The Place Where You Go to Listen: In Search of an Ecology of Music", aparecidos en la editorial Wesleyan University Press. Entre otros reconocimientos y galardones obtenidos a lo largo de su carrera musical, destacan los que ha recibido de The Foundation for Contemporary Arts, The Rockefeller Foundation, Rasmuson Foundation y National Endowment for the Arts.

"Four Thousand Holes" es el título del nuevo disco de Luther Adams (Cold Blue Music, 2011) y también de su pieza estelar. Compuesta en 2010 por encargo del pianista Stephen Drury, 'Four Thousand Holes' fue escrita para piano (interpretado aquí por el propio Drury), vibráfono y campanas de orquesta (Scott Deal) y auras electrónicos creados directamente por el compositor mediante la transformación de los sonidos de piano y percusión. Cuenta Luther Adams que en la gestación de la obra quiso, en cierto modo, reivindicar algún aspecto primordial de su pasado como músico de rock. Con tal propósito decidió ceñirse a dos de los elementos más básicos de la música occidental, tríadas mayores y menores y frases de cuatro compases, manejándolos como verdaderos objetos encontrados. Así pues y apostando por un personalísimo discurso musical que prioriza la sensualidad sobre cualquier otra cualidad, Luther Adams teje aquí un dilatado y evocador entramado de acordes pianísticos, regido únicamente por una variable disposición rítmica. En anómala procesión avanzan pues esos múltiples destellos pianísticos, secundados por la percusión y embellecidos misteriosamente por recurrentes brisas de resonancias electrónicas. 

'...and bells remembered...' es la otra propuesta musical incluida en el disco. Una pieza para quinteto de percusión que Luther Adams compuso en 2005 por encargo, en esta ocasión, de la Universidad de Wisconsin. Interpretada aquí por integrantes de la formación The Callithumpian Consort (Jeffrey Means, campanas tubulares; Joseph Baker, vibráfono; John Andress, campanas de orquesta; Joseph LaPalomento, vibráfono tocado con arco; Bill Holden, crótalos tocados con arco; Stephen Drury, dirección), la obra consiste básicamente en una discreta secuencia de tonos metálicos cuya propagación calmosa en el espacio bien podría sugerir la celebración de una exótica ceremonia de culto.

"Four Thousand Holes" CD: 1. 'Four Thousand Holes' (2010); 2. '...and bells remembered...' (2005).

Formato: CD; Duración total: 42:57

Theresa Transistor: "Theresa Transistor"

Theresa Transistor

Theresa Transistor

(ohm 052)

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Christian Bouchard (1968- ), Christian Calon (1950- ), Mario Gauthier (1957- ) y Monique Jean (1960- ), compositores canadienses experimentados en el ámbito de la creación acusmática, son los integrantes de Theresa Transistor, una singular formación musical que combina el despliegue de técnicas de espacialización sonora junto a una decidida inmediatez discursiva con el propósito de explorar una posible reformulación del concierto electroacústico. Su actuación inaugural, ofrecida en Montréal en el marco del festival Akousma de 2005, mereció el reconocimiento del Consejo Quebequés de la Música con la concesión de un Prix Opus al mejor concierto de música electroacústica del año.

Grabado en 2009 en las instalaciones de la Cooperativa Méduse durante una residencia del cuarteto en la comunidad artística Recto-Verso, el presente CD (OHM Éditions, 2010) supone su debut discográfico. Según señala el propio grupo, cada una de las nueve secciones musicales incluidas en el registro alude, en cierto modo, a alguno de los espacios ideados por el escritor francés Georges Pérec en su célebre obra "Espèces d'espaces" (1974). Espacios habitados aquí por sonidos hipertecnológicos e inquietantes. Ordenadores, sintetizadores analógicos y digitales, instrumentos electrónicos inventados, micrófonos y radios son recursos que el grupo emplea al servicio de diálogos apresurados y rebosantes de eventos. Una música, en definitiva, esencialmente libre, abierta a sugerir múltiples enigmas sin necesidad de resolverlos. "Theresa Transistor" CD: 1. 'critique'; 2. 'au bord'; 3. 'nuisible'; 4. 'dedans'; 5. 'compté'; 6. 'vécu'; 7. 'libre'; 8. 'littéraire'; 9. 'manque'.

Formato: CD; Duración total: 58:35

Diane Landry: "Plongeurs"

Diane Landry

Plongeurs

(merles 072a)

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Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Laval (Québec) y posgraduada en la Universidad Stanford de California, la artista canadiense Diane Landry (1958- ) cuenta con un amplio catálogo de instalaciones y performances, desarrolladas a lo largo de las últimas dos décadas. Un corpus creativo de calado poético e ilusorio que incide constantemente en la revelación de aspectos secretos de distintos objetos cotidianos mediante su descontextualización y/o modificación de algunos de sus elementos distintivos. Representada por la Galería SolwayJones de Los Ángeles, sus trabajos han sido presentados en Canadá, Estados Unidos, México, Argentina, Europa y Australia y, asimismo, han sido objeto de análisis y difusión en numerosas publicaciones. Además, Landry ha disfrutado de múltiples residencias artísticas y, en 2007, recibió en Québec el primer 'Prix Giverny Capital' en reconocimiento a la excelencia, originalidad y valor creativo de su producción.

Aunque a menudo la artista haya reconocido la relevancia que ha tenido la dimensión acústica de su obra intermedia, pocas han sido, sin embargo, sus creaciones exclusivamente sonoras. Gracias al sello quebequés Merles, contamos ahora con una interesante composición de Landry publicada en este registro de 2007. Excesivamente parca en información, la edición tan solo indica que "Plongeurs" –así se titula la pieza- fue realizada con los sonidos de su trabajo instalativo 'École d’Aviation' (2000). En éste, nuestra protagonista dispuso sobre el suelo de un habitáculo oscuro, veinticuatro paraguas montados sobre unas bases mecanizadas que permitían la apertura y cierre intermitente de dichos utensilios. Situados asimismo en esas bases, unos pequeños acordeones accionados por motores, emitían sonidos cada vez que los paraguas se extendían y/o plegaban, al tiempo que tenues luces proyectaban evocadoras siluetas en el techo de la sala. El movimiento mecanizado de la instalación, semejante al ritmo de la respiración, era controlado con la ayuda de un ordenador.

Pues bien, sin ningún aditamento significativo y merced a los sonidos de su particular Escuela de Vuelo, Landry compuso esta eficaz meditación. Una música nítida y flotante a la vez, en la que confluyen múltiples silbos en diálogo parsimonioso. Delicada e invariable a lo largo de sus cuarenta minutos, "Plongeurs" constituye, desde luego, un verdadero canto a una suerte de experiencia contemplativa. "Plongeurs" CD: 1. 'Plongeurs'.

Formato: CD; Duración total: 40:04

Varios Artistas: "25 años del Laboratorio de Música Electroacústica - Vitoria-Gasteiz"

Varios Artistas

25 años del Laboratorio de Música Electroacústica - Vitoria-Gasteiz

(espacio sinkro 03)

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El Laboratorio de Música Electroacústica se creó en 1985 en el nuevo edificio del Conservatorio de Música Jesús Guridi de Vitoria-Gasteiz. Impulsado por el entonces director del centro, el compositor Carmelo A. Bernaola, el Laboratorio supuso un elemento clave para el desarrollo de la música electroacústica en la ciudad y su entorno. Al mismo tiempo significaba el primer paso en la incorporación de esta especialidad a las clases de Composición e Instrumentación, siendo ésta una experiencia pionera del país al implantar estas enseñanzas en sus planes de estudios.

Con ocasión del vigésimo quinto aniversario del Laboratorio de Música Electroacústica del Conservatorio Superior de Música 'Jesús Guridi' de Vitoria-Gasteiz, Espacio Sinkro Records ha publicado este espléndido registro que reúne algunas de las obras más destacadas de las producidas en dicho laboratorio. Incluye composiciones electroacústicas mixtas de Ignacio Monterrubio, Ana Barrio, Enrique Vázquez, Sergio Gutiérrez Rodríguez, Maite Aurrekoetxea, Zuriñe F. Gerenabarrena, Alfonso García de la Torre y Carmelo Bernaola, y cuenta además con la contribución interpretativa de miembros de la formación instrumental Ensemble Sinkro. A la edición en CD le acompaña un libreto trilingüe (castellano, euskera e inglés) de treinta y dos páginas con un texto introductorio, breves descripciones de las piezas, biografías de los compositores y varias fotografías.

"25 Años del Laboratorio de Música Electroacústica - Vitoria-Gasteiz" CD: 1. Ignacio Monterrubio 'Ex nihilo' (2009 - flauta y electrónica en vivo); 2. Ana Barrio 'Aglaura' (2001 - clarinete bajo, violín y electrónica en vivo); 3. Enrique Vázquez 'Kordia' (2000 - violonchelo y electrónica en vivo); 4. Sergio Gutiérrez Rodríguez 'De viento, cristal y bronce' (2009 - Ensemble Sinkro y cinta); 5. Maite Aurrekoetxea 'Estela' (1996 - viola y electrónica en vivo); 6. Zuriñe F. Gerenabarrena 'Aize-Ontzi' (2010 - Ensemble Sinkro y electrónica en vivo); 7. Alfonso García de la Torre 'Xuxuria' (2004 -guitarra y electrónica en vivo); 8. Carmelo Bernaola 'Superposiciones variables' (1976 - clarinete y cinta).

Formato: CD; Duración total: 70:54

Henri Pousseur: "Parabolique d'Enfer"

Henri Pousseur

Parabolique d'Enfer

(SR318)

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El compositor Henri Pousseur (1929-2009) cursó estudios musicales en los Conservatorios de Lieja y Bruselas. Desde 1950 participó activamente de la escena musical de vanguardia junto a Luciano Berio, Pierre Boulez y Karlheinz Stockhausen, entre otros. Asistió a los célebres cursos de Darmstadt y también trabajó en los estudios de música electrónica de Colonia y Milán. A partir de 1960, Pousseur decidió prescindir de ciertas ataduras estilísticas de la época y reformuló su propio discurso composicional. Época en la que conoció al escritor y polifacético creador francés Michel Butor con quien colaboró en obras tan destacadas como "Votre Faust" (1961-68) o "La Rose Des Voix" (1982). Pousseur contó también con una importante actividad docente que desarrolló en Conservatorios, Universidades y centros pedagógicos de Alemania, Suiza, Bélgica, Francia y Estados Unidos. Además de su importante repertorio musical (unas 180 obras de estilos diversos), fue autor de numerosos artículos y varios libros. Alejado de sus empleos oficiales, desde 1994 vivió retirado junto a su esposa Théa Schoonbrood en la localidad de Waterloo.

"Parabolique d'Enfer" es el sexto de una serie de ocho registros que el sello Sub Rosa viene dedicando, desde el año 2000, a la producción experimental y electrónica del compositor belga. Además, esta grabación completa la publicación, junto a "8 Etudes Paraboliques" (1972; SR174, 2001) y "Four Parabolic Mixes" (2001; SR199, 2002), de su trilogía de composiciones parabólicas.

Realizada en 1992 en la Universidad de Colonia, esta última entrega constituye la versión estereofónica de una creación compuesta originalmente para ocho pistas, en la que combina elementos de sus iniciales estudios de 1972 con material sonoro surgido de otro de sus proyectos ambiciosos, "Leçons d’Enfer". En 1991, conmemorando el centenario de la muerte del célebre poeta Arthur Rimbaud, Pousseur presentó "Leçons d'Enfer" como una extensa pieza músico-teatral concebida para dos actores, tres cantantes, ocho músicos (clarinete, saxofón alto, tuba, arpa, piano y dos percusiones), dispositivos electroacústicos y cintas con grabaciones ambientales y fragmentos de música tradicional etíope. Fueron precisamente estas grabaciones y fragmentos los que el compositor rescató en "Parabolique d'Enfer" para engalanar un asombroso tour de force musical nutrido principalmente de vigorosos sonidos sintetizados. Modulados y doblegados obsesivamente a lo largo de la obra, esos sonidos parecerían evocar del mismo modo el universo endiablado de Rimbaud como los efectos de una posible experiencia psicodélica. "Parabolique d'Enfer" CD: 1. - 13. 'Parabolique d’Enfer'.

Formato: CD; Duración total: 78:01

Albert Mayr: "Hora Harmonica"

Albert Mayr

Hora Harmonica

(AG02)

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Albert Mayr (1943- ) estudió música en los conservatorios de Bolzano y Florencia (Italia) y, ocasionalmente, en Darmstadt (Alemania). Su trayectoria compositiva, claramente influenciada por los primeros experimentos en música electrónica realizados en Italia, tiene como principal mentor al compositor Pietro Grossi (1917-2002), con quien colaboró en el Estudio de Fonología Musical de Florencia (S 2F M) entre 1964 y 1969. Entre 1973 y 1990 Mayr fue profesor de música electrónica en el Conservatorio de Florencia. En 1975 también colaboró con investigadores del World Soundscape Project, colectivo canadiense fundado y dirigido por R. Murray Schafer. Autor de múltiples proyectos instalativos, Mayr ha recibido encargos artísticos de instituciones y festivales tan prestigiosos como Sudtiroler Kunstlerbund, Brixner Iniziative Musik y Sound Art at Mobius. Miembro del Gruppo Aperto Musica, del Forum fur Klangslandschaft y de la Sociedad Internacional para el Estudio del Tiempo, sus disertaciones acerca de la ecología acústica, la música especulativa y la estética del tiempo han sido presentadas en numerosos países europeos y en América del Norte.

La aplicación de criterios musicales a la organización del tiempo es precisamente el motivo de exploración del trabajo sonoro incluido en este CD de edición limitada (Ants, 2002). Evocando, aunque sea remotamente, la concepción kepleriana del movimiento de los planetas en el sistema solar y rehuyendo de una dimensión excesivamente visual-espacial del tiempo, Mayr propone en "Hora Harmonica" un modelo de orden temporal alternativo, basado en el sonido como fenómeno físico y perceptivo. Con este propósito plantea el siguiente ejercicio: Cuando desaceleramos mucho un sonido, hasta aproximadamente por debajo de los 15 ciclos por segundo, lo percibimos como una serie de pulsos discretos. En un sentido puramente físico sigue siendo un sonido, aunque no audible para el hombre. Intenta ahora imaginar un sonido extremadamente lento cuya frecuencia fundamental tenga un periodo de 60 minutos. Los armónicos 'virtuales' serían divisiones enteras de ese periodo, esto es: 30', 20', 15' y así sucesivamente. Este es el principio estructural de Hora Harmonica. Acompañando a la fundamental, utilizaremos las 'oscilaciones' múltiples hasta el duodécimo armónico.

Mayr obtiene así una estructura rítmica que hace audible al asignar a cada uno de esos periodos un sonido correspondiente a uno de los componentes sinusoidales de un espectro de audio. En definitiva, se trata de algo parecido a un reloj musical que procurará proporcionar una nueva forma de cadencia a las actividades de las personas en su ámbito auditivo y, acaso, originará algunas nuevas relaciones entre ellas. "Hora Harmonica" fue realizada en 1983 en el Centro di Sonologia Computazionale de la Universidad de Padua.

"Hora Harmonica" CD: 1. 'Hora Harmonica' (1983). La edición incluye un libreto bilingüe (en italiano e inglés) de dieciséis páginas con una descripción de "Hora Harmonica" a cargo del propio Mayr y un diagrama de la composición.

Formato: CD; Duración total: 60:30