Jon Rose
The People's Music
(ReR JR7)
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De formación esencialmente autodidacta, el músico y compositor Jon Rose (1951- ) cuenta con una trayectoria artística admirable. Guiado por una particular concepción de arte total en torno al violín, ha llevado a cabo numerosos proyectos encaminados a la exaltación de su instrumento de instrumentos. Ha sido una figura clave en el desarrollo de la improvisación libre en Australia y la lista de sus colaboraciones musicales es interminable. Su nombre aparece en más de sesenta grabaciones y, entre otros muchos artistas y músicos, ha trabajado con Derek Bailey, Alvin Curran, Evan Parker, David Moss o Christian Marclay. Rose es asimismo autor de una treintena de obras radiofónicas y dos libros, "The Pink Violin" y "Violin Music in the Age of Shopping", publicados en NMA Publications, Melbourne. Desde 2008, colabora con Robin Fox en el proyecto Transmission, una iniciativa destinada a la investigación y desarrollo de tecnologías y planteamientos de interacción interpretativa en entornos con precarias condiciones para la circulación y transferencia de información.
En el marco del evento artístico The Relative Violin Night, celebrado el 7 de diciembre de 1999, Rose presentó "Violin Factory", una llamativa creación multimedia a propósito de la fabricación masiva de violines en la China revolucionaria de Mao Zedong. La performance que tuvo lugar en la ciudad de Viena, en conexión simultánea con la de Vancouver, incluía música interpretada por una nutrida orquesta de violines, una clase infantil de violín en la que se seguía el método Suzuki, vídeos de la fabricación de violines en China, indicaciones de viva voz de Layla Chang, la guía de una de las fábricas chinas de violines, muestreo musical en vivo y manipulación de imágenes y vídeo.
Basada por completo en esa misma creación, Rose produjo en 2001 "The People’s Music" o "Violin Factory 2", una fantasía eufórica surrealista que traza un contrapunto rítmico en imagen y sonido entre la ejecución de un instrumento musical, concretamente el violín, y la producción en masa de ese instrumento.
De nuevo, el autor concibió la obra como una performance multimedia y, en su realización, se sirvió de recursos similares. Estos fueron básicamente: la "Orquesta de Cuerda del Pueblo", dirigida por Lindsay Vickery y formada tanto por miembros de la Joven Orquesta del Oeste de Australia como por otros pertenecientes a la Orquesta de Cuerda de la Universidad de Australia Occidental; vídeo e imágenes tomadas por Ying Li Ma en varias fábricas chinas de violines; y Lely Evans en la función de chillona guía. Como novedad, la obra contó también con un grupo de percusionistas 'industriales' (Hannah Clemen, Rachael Dease y Chris Cobilis) dirigidos para la ocasión por el brazo izquierdo 'embalsamado' e interactivo de Mao.
Con la grabación resultante de la actuación ofrecida el 7 de abril de 2001 en el The Winthrop Hall de la Universidad de Australia Occidental, Rose preparó una versión exclusivamente musical de "The People’s Music" que ReR Megacorp publicó en CD en 2003. Una música vibrante, servida aquí en elogio de la gente y del pueblo, en elogio de la capacidad de este para vivir sus sueños y transformar la realidad. Dividida en trece secciones de discreta duración, la pieza destaca en conjunto por el contraste efectista entre las múltiples melodías ejecutadas por la orquesta de violines -algunas de ellas de marcada solemnidad, otras de matiz elegíaco- y la transgresión exhortadora protagonizada por Lely Evans unida a las erupciones rítmicas de la percusión.
"The People’s Music" CD: 1. 'Start The People'; 2. 'Wake up People!'; 3. 'Working People'; 4. 'No People'; 5. 'Your People'; 6. 'Some People'; 7. 'People Control'; 8. 'Big People'; 9. 'Odd People'; 10. 'Noisy People'; 11. 'Busy People'; 12. 'The People's Struggle'; 13. 'The People's End'.
Formato: CD; Duración total: 44:24
Varios Artistas
Tensions at the Vanguard: New Music from Peru (1948-1979)
(P21065-2)
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Pogus Productions presenta "Tensions at the Vanguard: New Music from Peru (1948-1979)", un registro en doble disco compacto conteniendo repertorio destacado de la vanguardia musical peruana, particularmente de los años sesenta y setenta.
Edgar Valcárcel, Leopoldo La Rosa, Alejandro Núñez Allauca y César Bolaños, este último fallecido recientemente y a quien también Pogus dedicó una grabación monográfica aparecida a finales de 2009, son seguramente los autores más sobresalientes del elenco de trece compositores aquí representados.
La selección de las ocho piezas instrumentales y cinco electroacústicas que conforman la antología ha sido realizada por el escritor, periodista y poeta limeño Luis Alvarado Manrique, redactor además del texto en español a propósito de la gestación y principales acaecimientos de la vanguardia musical en el contexto peruano que la edición incluye en un libreto de veinticuatro páginas. Además, el libreto cuenta también con la traducción de ese texto al inglés, información de las obras y múltiples fotografías.
...el compositor e investigador chileno Juan Orrego Salas escribía en 1977: "junto con haberse desprendido de la idea exclusiva de recurrir al folclore como medio de identificación, y abrirse a otras posibilidades, el compositor en América Latina se vio expuesto de golpe a un cúmulo de problemas de orden estético y técnicos, inherentes al poswebernismo y a todos los desarrollos y experimentaciones subsecuentes, incluyendo la música electrónica y aleatoria, el empleo de computadores y demás. No existió una práctica continuada que condujera en forma natural al compositor hasta esa etapa y, por lo tanto, faltó también al público un proceso continuado de experiencias auditivas que lo prepararan gradualmente para enfrentarse a la montaña de nuevas estéticas y técnicas que le habría de deparar la vida musical a partir de 1950".
Esto podría explicar el porqué del carácter un tanto fugaz de la vanguardia para la música peruana de esos años, cuya presencia quedó diseminada y definida como una etapa cuando no borrada por completo de nuestro imaginario, ante la ausencia también de una institución que pudiera impulsarla, el contacto con la escena internacional resultaba mínimo y estaba en función de los viajes al exterior que algunos podían realizar. (Luis Alvarado Manrique)
Por último, conviene hacer notar que, lamentablemente, el audio de algunas de las obras reunidas en estos dos discos es manifiestamente deficiente. A este respecto, el editor señala lo siguiente: Algunas de las piezas han sido tomadas de grabaciones en vivo que originalmente no tenían como fin ser publicadas. Aunque hemos hecho un gran esfuerzo para reducir los ruidos de la cinta original, en algunos casos hemos considerado necesario que permanecieran con la finalidad de preservar la claridad de la pieza.
"Tensions at the Vanguard: New Music from Peru (1948-1979)"
CD-1: 1. Edgar Valcárcel 'Invención' (1967, para cinta magnética); 2. Leopoldo La Rosa 'Andes nº1 1969' (1969, para orquesta -fragmento-); 3. César Bolaños 'Intensidad y altura' (1964, para cinta magnética); 4. Walter Casas 'La creación' (1971, para piano); 5. Luis David Aguilar 'Mayhuay' (1971, para cuarteto de cuerda); 6. Francisco Pulgar Vidal 'Detenimientos' (1967, para violín y piano); 7. José Malsio 'Danza' (1948-1950, para orquesta).
CD-2: 1. Enrique Pinilla 'Prisma' (1967, para cinta magnética); 2. Alejandro Núñez Allauca 'Gravitación humana' (1971, para cinta magnética); 3. Celso Garrido-Lecca 'Intihuatana' (1967, para cuarteto de cuerda); 4. Pedro Seiji Asato 'Quasar IV' (1973, para dos pianos y contrabajo); 5. Enrique Iturriaga 'Cuatro expresiones para violín' (1967); 6. Arturo Ruiz del Pozo 'Lago de totoras' (1978, para cinta magnética).
Formato: 2CD; Duración total: 101:09
Maciunas Ensemble
The Archives Part 1, 1968-1980
(acd091220-091230)
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En 1961 George Maciunas (1931-1978) concibió 'Music for Everyman', la partitura de una pieza para compositores muertos y vivos, humanos, animados e inanimados en la que se invitaba a participar produciendo sonidos de todas las maneras imaginables. Cuatro años más tarde, en 1965, y como impulsor del movimiento internacional Fluxus, Maciunas manifestaba: Para establecer el estatus no profesional del artista en la sociedad, éste debe demostrar su dispensabilidad e "inclusividad", debe demostrar además la autosuficiencia del público y debe demostrar también que todo puede ser arte y que cualquiera puede hacerlo.
A la estela de lo que proponía el influyente artista americano y como homenaje a su figura, Paul Panhuysen, Remko Scha y Jan van Riet decidieron fundar, en 1968, el Maciunas Ensemble, un conjunto musical con sede en la ciudad holandesa de Eindhoven. En activo todavía en la actualidad, la formación se reúne una vez a la semana para tocar música como mero acto de cotidianidad. Una música improvisada que congrega múltiples instrumentos clásicos, populares y étnicos en una ceremonia lúdica, en un sonar guiado por el simple empeño de sonar. Veo la música como una especie de diálogo no verbal entre un grupo de músicos a quienes les gusta compartir sus ideas personales y desarrollarlas en intercambio entre todos ellos, admite Paul Panhuysen. En definitiva, la suya es una práctica artística fundamentalmente espontánea y libre, sin normas ni acuerdos, basada en la interacción creativa y la evitación de clichés estéticos innecesarios.
A lo largo de estas cuatro dilatadas décadas de actividad, cada una de las sesiones musicales del grupo ha sido grabada y archivada. De ese archivo precisamente, surge ahora esta colección de registros, "The Archives Part 1, 1968-1980", publicada por ApolloRecords en una edición limitada a 450 ejemplares. Consiste en una hermosa caja conteniendo once CDs con una selección de algo más de doce horas de grabaciones correspondientes a sesiones efectuadas entre 1968 y 1980. Un periodo durante el cual fueron integrantes principales del Maciunas Ensemble: Paul Panhuysen (piano, voz, balaphone, saxofón bajo, mandolina y salterio); Remko Scha (instrumentos de lengüeta, flautas, órgano, etcétera); Jan van Riet (guitarra, voz y percusión); Leon van Noorden (violonchelo, instrumentos electrónicos y digitales y voz); y Hans Schuurman (guitarra, koto, voz y balaphone). Por su parte, fueron miembros ocasionales del grupo: Helena Koning (violín); Marinette Troost (violín); Theo van der Hurk (guitarra bajo); y Vincent Panhuysen (violín, armonio y piano).
Además de los once discos, la caja también incluye un libreto de veinticuatro páginas con fotografías, varios escritos introductorios, breves notas de algunos de los músicos y la reproducción del manifiesto "Fluxus Art-Amusement" de George Maciunas. Todos los textos en inglés.
"The Archives Part 1, 1968-1980":
CD-1: 1. Band of the Blue Hand 'Plastic Concert' 1966; 2. Varios músicos 'Fontana Mix' 02.05.1967; 3. Free Community of the Global City of Peace and Pleasure 'Untitled' 02.04.1968; 4. 'Studies' otoño de 1969; 5. 'Merk Toch Hoe Sterk' 1969; 6. 'Untitled' 1970.
CD-2: 1. 'Untitled' diciembre de 1970; 2. 'Blues' diciembre de 1970; 3. 'Music for Lightshow no. 1 (part 2)' 1970; 4. 'Untitled' verano de 1971; 5. 'Untitled' verano de 1971; 6. 'Experiment part 2' 1971; 7. 24.9-1.11.1971; 8. 24.9-1.11.1971.
CD-3: 1. 'Untitled' enero de 1972; 2. 'Untitled' primavera de 1972; 3. 'A Toy of Joy' primavera de 1972.
CD-4: 1. 'Orchesterstück' 1972; 2. 'Untitled' 10 de diciembre de 1972; 3. 'Untitled' 17 de diciembre de 1972; 4. 'La Guitare Indienne' 6 de mayo de 1973; 5. 'Jean Paul Boogie', 24 de junio de 1973; 6. 'About the origin of moral awareness', 23 de diciembre de 1973.
CD-5: 1. 'Der Frühlungsboten' julio de 1973; 2. 'Multiple Choice Stomp' 26 de enero de 1975; 3. 'Knil's Last Tape, Part 1+2' febrero-marzo de 1975; 4. 'Brief History of the Western Hemisphere, Part 1' 18 de mayo de 1975.
CD-6: 1. 'Excursion (Ramble)' 23 de marzo de 1975; 2. 'O Sole Mio' 1 de junio de 1975; 3. 'Cielito Lindo' 10 de agosto de 1975; 4. 'Who can create the fears here? Part 1+2' 12 de diciembre de 1976; 5. 'Russian Reggae' 15 de mayo de 1977.
CD-7: 1. 'The Final Agreements of Helsinki' 26 de junio de 1977; 2. 'Turkish Delight' 25 de diciembre de 1977; 3. 'Untitled' marzo de 1979.
CD-8: 1. 'Untitled' abril de 1979.
CD-9: 1. 'Ostinato' mayo de 1979; 2. 'Cajun-Mix' 30 de septiembre de 1979.
CD-10: 1. 'Heavy Berates' mayo de 1979; 2. 'Graffiti' marzo de 1980.
CD-11: 1. 'Untitled' junio de 1980; 2. 'Untitled' octubre de 1980.
11CD; Duración total: 738:38
Varios Artistas
AMEE 25 Aniversario de la Asociación de Música Electroacústica de España
(AMEE25CD)
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Hace 25 años, un grupo de compositores decidieron fundar la Asociación de Música Electroacústica de España (AMEE). Durante todos estos años, la AMEE ha disfrutado de una intensa actividad en favor de la creación electroacústica y de su total consolidación como género sonoro imprescindible para nuestra sociedad. En estos 25 años, el debate, el análisis y, sobre todo, la creación de los compositores electroacústicos españoles han situado esta forma de expresión artística en el centro de la agitada y a veces convulsa vida cultural de nuestro país. La AMEE, con sede en Valencia desde 2006, goza de inmejorable salud y buena prueba de ello es la colección de CDs que ha publicado en los últimos años, a la que hay que añadir éste que tenéis en vuestras manos.
Presentado en el marco del XIX Festival Internacional de Música Electroacústica Punto de Encuentro 2012, el disco AMEE 25 años recoge 28 miniaturas electroacústicas compuestas por creadores españoles miembros de la AMEE para conmemorar esta importante efeméride ¡Feliz aniversario a tod@s! (Gregorio Jiménez, Presidente de la AMEE; Valencia, noviembre de 2012).
"AMEE 25" CD: 1. Joan Bages i Rubí 'Desde el interior'; 2. Andrés Lewin-Richter 'Campanas para una celebración'; 3. José María Pastor 'Okilopondria'; 4. Vicent Gómez Pons 'Tweet per a un aniversari'; 5. Sergio Fidemraizer '25 x bulerías'; 6. Pedro Vicente Caselles 'Just close it!'; 7. Carlos D. Perales 'Cita de luz'; 8. Eduardo Polonio 'Minicositas'; 9. Rafael Liñán 'Nanay!(#Occupy)'; 10. Julián Ávila 'Contrarreforma laboral'; 11. Diana Pérez Custodio '25 tonos humanos'; 12. Equipo Elevador '5x5'; 13. Miquel Àngel Múrcia 'Quera lenta'; 14. Víctor Vallés '2(Aieaio)5'; 15. Josep Lluís Galiana 'AMEE Opus 25'; 16. Gregorio Jiménez 'Miniatura'; 17. José López Montes 'Ehayku (Study for Threnody)'; 18. Enrique Mateu '25º'; 19. Adolfo Núñez 'Horizonte de sucesos'; 20. Ángel Arranz '25 samples sobre (d)espacio'; 21. David Alarcón Folgado 'Rouviereriebenbauerrosseau'; 22. Javier Campaña 'Perdido en el set'; 23. Reyes Oteo 'Soldaduras de plata-canon A4 para sonar por zanahoria, manzana, naranja y cebolla'; 24. José Andrés Prieto 'Sturnus item'; 25. Alejandra Hernández 'Cimiento 2, Cimiento 7'; 26. Oriol Graus 'Lament'; 27. Miguel Molina 'El serrucho musical ya soñaba ser socio electroacústico'; 28. Pedro Guajardo 'Snake-Jane Brooks in memoriam (D.H. Lawrence)'.
Formato: CD; Duración total: 70:40
Varios Artistas
Sound-In 2012
(S-I2012CD)
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Sound-In es la sección dedicada al arte sonoro y a las músicas experimentales dentro de la Feria de Arte Múltiple Contemporáneo Estampa. Esta nueva sección surge como resultado de un proceso de ampliación de los horizontes estéticos y comerciales de Estampa, y se presentó por primera vez en la XIX edición de la feria, en 2011. Allí se confirmó la perfecta integración de las propuestas relacionadas con el arte sonoro dentro del contexto de una feria de arte como Estampa.
En 2012 Sound-In alcanza un desarrollo mucho mayor, en buena medida gracias al traslado del conjunto de la feria a un contexto tan propicio como Matadero-Madrid y -en lo que concierne a Sound-In- a las magníficas instalaciones de la Nave de Música. Este crecimiento, que esperamos continúe manifestándose en próximas ediciones, se refleja ahora en este doble disco compacto. Un doble CD cuyo primer volumen reúne obras de los artistas participantes en la edición de 2012 de Sound-In. Por su parte, el segundo disco recoge piezas de los jóvenes artistas (menores de 35 años) seleccionados por un conjunto de expertos en arte sonoro a través de la convocatoria del Programa Sound-In para Nuevos Creadores (PSINC), un nuevo proyecto destinado a la formación y a la inserción en circuitos profesionales de estos exploradores de lo sonoro.
El conjunto de ambos discos nos ofrece un fascinante panorama del estado actual de la creación sonora más experimental. Las diversas procedencias (geográficas, generacionales, estéticas...) de los artistas que conviven entre las pistas de estos registros se manifiestan en un entramado que abarca ámbitos como la performance, la composición electroacústica, la improvisación libre, la investigación fonográfica, el ruidismo, la poesía experimental, el paisajismo sonoro, la instalación sonora o el arte conceptual. (Anne-Françoise Raskin y Miguel Álvarez-Fernández, comisarios del proyecto)
"Sound-In 2012" CD: 1. Cello + Laptop (Sara Galán y Edu Comelles) 'Alba'; 2. Colectivo maDam 'Banaan'; 3. Isaac Diego 'Siete micropiezas para un banquete sonoro'; 4. Eduardo Polonio 'Transparencias'; 5. Ferrer-Molina 'Vibrato'; 6. Fernando Millán 'En sí'; 7. Llorenç Barber y Montserrat Palacios 'Sintagma, o sobre las mandíbulas del sonar'; 8. Josep Lluís Galiana, Gregorio Jiménez y Thomas Bjelkeborn 'INSIDE3'; 9. Genmaicha (Wade Matthews y Javier Pedreira) 'Ringing'; 10. Jazznoize 'Abismo concreto I'; 11. Josué Moreno 'flowing micros'.
"Programa Sound-In para Nuevos Creadores 2012" CD: 1. Mª Cristina Kasem 'Ecos de lo inefable'; 2. Fernando Epelde 'El hombre más extraño del mundo'; 3. Pablo Sanz 'Aeolian Transmission'; 4. This Day In 'Música para danza'; 5. Gabriel Santander 'Ku'damm Steel-life Sketches' (fragmento); 6. Sergio de Pablo 'Gregorianal'; 7. Jorge Marredo 'Reflujo (Reflux)'; 8. Estel Boada 'La traductora'; 9. Mateo Mena 'Fénixes'; 10. Lucas Bolaño 'Camino a Lào Cai'.
Formato: 2CD; Duración total: 132:41
Francis Picabia
La nourrice américaine
(LTM 2509)
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El miércoles 26 de mayo de 1920 tuvo lugar en la célebre sala parisina de conciertos Gaveau la celebración del Festival Dada. Junto a otras dieciocho actuaciones de índole diversa, se presentó la única pieza musical que el artista, poeta y teórico Francis Picabia (París, 1879-1953) escribió en toda su vida. Esta era "La nourrice américaine", una composición pianística de sólo tres notas que, según refirió Germaine Everling, pareja del artista en ese momento, debían ser tocadas repitiéndolas hasta el infinito. Con clara ironía dadaísta, Picabia subtituló la pieza como musique sodomiste. La interpretación al piano en ese estreno de la obra fue de Marguerite Buffet, hermana de quien sería la primera esposa del creador vanguardista, esto es, Gabrielle Buffet.
Aunque apenas haya quedado testimonio alguno de esa ejecución de "La nourrice américaine" ni del evento en sí, en el que también contribuyeron Paul Dermée, Paul Eluard, André Breton y Tristan Tzara, entre otros, lo que al menos parece bastante probable es que Picabia hubiera concebido su propuesta musical al amparo de la admiración profesada por Marcel Duchamp y, sobretodo, por Erik Satie. Del primero, podría haber asimilado las ideas de azar e instantaneidad en la creación artística, mientras que de Satie, con quien llegó a colaborar en 1924 en la realización del conocido ballet Relâche, su "Musique d’ameublement" (1918) y, particularmente, su "Vexations" (1893) debieron constituir una influencia decisiva. Recordemos aquí que esas Vejaciones consistían en una breve pieza pianística cuya interpretación sería completa si se repetía ochocientas cuarenta veces. Además, en su partitura podía leerse la siguiente anotación: Para tocar este motivo 840 veces seguidas, será conveniente prepararse con antelación en el más absoluto silencio, mediante austera inmovilidad.
Este CD, aparecido en 2007 en LTM Recordings, contiene dos realizaciones de "La nourrice américaine" de veinte minutos de duración cada una. La primera de ellas ejecutada en un tempo apresurado y la segunda manifiestamente lenta. El intérprete en ambas versiones es el pianista Tom Feldschuh. Asimismo, el disco incluye un documento sonoro con fragmentos de varias entrevistas radiofónicas a Picabia grabadas entre 1945 y 1949. El artista responde en francés a cuestiones relacionadas principalmente con la pintura. El libreto que acompaña al CD viene con la transcripción al inglés de lo dicho en esas entrevistas, un texto introductorio escrito por James Hayward y reproducciones del Manifeste Cannibale Dada y del cartel anunciador del Festival Dada.
"La nourrice américaine" CD: 1. 'La nourrice américaine' (versión rápida); 2. Francis Picabia en conversación; 3. 'La nourrice américaine' (versión lenta).
Formato: CD; Duración total: 53:15
François Bayle
50 ans d'acousmatique
(INA G 6033/6047)
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En conmemoración del ochenta aniversario de François Bayle (1932, Tamatave, Madagascar), el Grupo de Investigaciones Musicales (GRM) del Instituto Nacional del Audiovisual de París (INA) presenta una espléndida edición antológica de la obra exclusivamente electroacústica de este compositor. Se trata de una caja con quince CDs que reúne un total de treinta y cinco composiciones realizadas entre 1963 y 2012. Esto es, cincuenta años de producción musical acusmática de quien sin duda ha sido una de las figuras más destacadas del citado GRM -grupo que además dirigió entre 1966 y 1997- y todavía sigue siendo un autor esencial en el ámbito de la creación experimental con sonidos fijados.
Para la ocasión, se han incluido cinco trabajos del compositor nunca antes publicados ('Arc, pour Gérard Grisey', 'Univers nerveux', 'L'Oreille étonnée', 'Rien n'est réel', 'Déplacements') y, asimismo, versiones inéditas de otros siete que sí salieron a la luz en el pasado: 'Jeita, ou Murmure des eaux', 'Labyrinthe' (perteneciente a 'Camera oscura'), 'Les Couleurs de la nuit', 'La fin du bruit', 'Toupie dans le ciel', 'si loin, si proche' (perteneciente a 'La forme du temps es un cercle') y 'La forme de l'esprit est un papillon'.
Además de los quince discos, la caja contiene un libreto bilingüe (en francés e inglés) de ciento sesenta páginas con algunas fotografías, dos notas editoriales de Mathieu Gallet y Christian Zanési, detalles biográficos, la transcripción de una breve entrevista al autor realizada por Thomas Baumgartner y una extensa presentación del repertorio a cargo de Régis Renouard Larivière.
"50 ans d’acousmatique":
CD-1: (1963-1971) 1. - 3 'Trois Rêves d’oiseau'; 4. – 8. 'Espaces inhabitables'; 9. – 25. 'Jeita, ou Murmure des eaux' (versión 2012, inédita).
CD-2: (1969-1971, L'Expérience Acoustique I - II) 1. – 5. 'thèmes-sons'; 6. – 10. I. 'L'Aventure du cri'; 11. – 19. II. 'Le Langage des fleurs'.
CD-3: (1971-1972, L'Expérience Acoustique III – IV – V) 1. – 8. III. 'La Preuve par le sens'; 9. – 10. IV. 'L'Épreuve par le son'; 11. - 12. V. 'La Philosophie du nom'.
CD-4: (1972, Divine Comédie) 1. – 14. 'Purgatoire'; 15. - 18. 'Paradis terrestre'.
CD-5: (1973-1974) 1. – 9. 'Vibrations composées'; 10. – 19. 'Grande polyphonie'.
CD-6: (1976-1982) 1. – 8. 'Camera oscura' (Labyrinthe; versión 2012, inédita); 9. – 17. 'Les Couleurs de la nuit' (versión 2012, inédita).
CD-7: (1978-1980, Erosphère) 1. – 11. 'Tremblement de terre très doux'; 12. – 15. 'La fin du bruit' (versión 2009, inédita); 16. – 20. 'Toupie dans le ciel' (versión 2009, inédita).
CD-8: (1980-1981, Son Vitesse-Lumière I - II) 1. - 2. I. 'Grandeur nature'; 3. - 5. II. 'Paysage, personnage, nuage'.
CD-9: (1981-1983, Son Vitesse-Lumière III – IV – V) 1. - 4. III. 'Voyage au centre de la tête'; 5. – 9. IV. 'Le sommiel d'Euclide'; 10. – 12. V. 'Lumière ralentie'.
CD-10: (1985-1988) 1. – 3. 'Motion-Émotion'; 4. – 10. 'Théâtre d'Ombres'.
CD-11: (1989-1991) 1. – 15. 'Fabulae I à IV'; 16. 'Mimaméta'.
CD-12: (1994-1996) 1. – 9. 'La Main Vide'; 10. – 13. 'Morceaux de Ciels'.
CD-13: (1999-2001) 1. – 2. 'Arc pour Gérard Grisey' (inédita); 3. – 17. 'La forme du temps est un cercle'.
CD-14: (2003-2005) 1. – 8. 'La forme de l'esprit est un papillon' (versión 2012, inédita); 9. – 12. 'Univers nerveux (in memoriam K. Stockhausen)' (inédita).
CD-15: (2006-2012) 1. – 4. 'L'Oreille étonnée (in memoriam O. Messiaen)' (inédita); 5. – 10. 'Rien n'est réel' (inédita); 11. – 13. 'Déplacements' (inédita).
Formato: 15CD; Duración total: 951:50
Varios Artistas
Playing With Words
(Gruen 065)
21,00 EUR más gastos de envío - Agotado
Aparecido en 2010 en el sello alemán Gruenrekorder, el doble CD "Playing With Words: an audio compilation" contiene un amplio y variado repertorio de piezas vocales pertenecientes a compositores, músicos y artistas, de procedencia diversa, para quienes la experimentación con las palabras y el lenguaje constituye una parte esencial de su práctica creativa.
Música, poesía y arte sonoro concurren naturalmente en un álbum múltiple y ameno. En él conviven obras de autores consolidados como Jaap Blonk, Sten Hanson, Pamela Z, Barry Truax, Lars-Gunnar Bodin, Paul Lansky o Trevor Wishart, con propuestas de otros artistas menos conocidos como Ekrem Mülayim, Ellen Moffat, Lina Lapelyte, Julian Weaver, Majena Mafe o Charlotte White, entre otros. Entre composiciones breves y fragmentos de creaciones más extensas, el registro comprende un total de cuarenta y una contribuciones. A la edición le acompaña un libreto de doce páginas con descripciones de todas las piezas incluidas.
La página web de Gruenrekorder brinda además la posibilidad de escuchar y descargar gratuitamente, en archivos mp3, el mismo repertorio presentado en los discos. Conectado con esta edición, el sello publicó, también en 2010, un DVD con la filmación de las actuaciones que Jörg Piringer, Ansuman Biswas, Dirk Huelstrunk, Sianed Jones, Nye Parry y Jaap Blonk ofrecieron, en mayo de 2009, en el teatro Gallus de Frankfurt/Main durante la celebración del Festival Internacional de Arte Sonoro "Playing With Words – Live". Por último, en 2008 apareció "Playing With Words: the spoken word in artistic practice", un libro coeditado entre la investigadora y artista Cathy Lane y el centro CRISAP (Creative Research Into Sound Arts Practice) en el que destacados compositores y creadores contemporáneos representaban en forma impresa aspectos de su trabajo experimental con las palabras.
Sin embargo, únicamente dispongo de unos pocos ejemplares a la venta del doble CD.
CD-1: 1. Amanda Stewart 'Sound And Sense'; 2. Jaap Blonk 'Sunday Crunch'; 3. Radio continental drift 'DURBAN SINGS reunion mix' (fragmento); 4. Mikhail Karikis 'esimorP' (fragmento); 5. Tomomi Adachi 'Oyone'; 6. Alessandro Bosetti 'A Coloro Photo of the Horse' (fragmento); 7. Ellen Moffat 'f_l_w_z'; 8. Imogen Stidworthy 'Two Jokes'; 9. Majena Mafe 'Let her be..' (fragmento); 10. Michael Vincent 'Dying Ain't Bad Y'all'; 11. Jörg Piringer 'el-sys'; 12. Pamela Z '...and on your left...' (fragmento); 13. Sten Hanson 'Variations on a Theme by Laaban'; 14. Angus Carlyle 'Kiyosumi'; 15. abAna 'Alphabet of Fishes'; 16. Barry Truax 'The Shaman Ascending' (fragmento); 17. Caroline Bergvall 'Ride' (fragmento); 18. Ekrem Mülayim 'Lost Souls' (fragmento); 19. Lina Lapelyte '12+2'; 20. Liegh Landy 'Rock’s Music' (fragmento); 21. Nye Parry 'My Name is Sarah Simpson'.
CD-2: 1. Cathy Lane 'Tweed' (fragmento); 2. Brandon LaBelle 'Reading Silence' (fragmento); 3. Dirk HuelsTrunk 'Ruaps1'; 4. Salomé Voegelin 'The Barry Echo' (fragmento); 5. Thomas Gardner 'Lipsync' (fragmento); 6. Ansuman Biswas '23:36, 13/12/2009. +12º 46', +77º 33''; 7. Paul Lansky 'Now and Then' (fragmento); 8. Lars Gunnar Bodin 'The Lipton Voice Machinery #2' (fragmento); 9. Julian Weaver 'Certain Irregularities' (versión corta); 10. Iris Garrelfs 'K' (fragmento); 11. Language Removal Services 'The 60 Second Anthology of American Poetry'; 12. Viv Corringham 'Skywalks' (fragmento); 13. John Levack Drever and Lawrence Upton 'NAMELY for Peter Manson' (fragmento); 14. Trevor Wishart 'Samurai dreaming' (fragmento de la obra Globalalia); 15. BrownSierra 'A Culture of Silence'; 16. Charlotte White 'Eternally Unfinished Attempt to Grasp Everything as it Happens' (fragmento); 17. Sianed Jones 'Taliesin' (fragmento); 18. Katherine Norman 'Losing It' (fragmento); 19. John Wynne 'Anspayaxw' (fragmento); 20. Julien Ottavi 'Shut your eyes and see' (fragmento).
Formato: 2CD; Duración total: 116:47
Michèle Bokanowski
L'Ange
(Trace 017)
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Nacida en el seno de una familia de músicos, Michèle Bokanowski (Cannes, 1943) estudió composición con Michel Puig, música concreta con Pierre Schaeffer y música electrónica con Éliane Radigue. A lo largo de su carrera como compositora electroacústica ha creado música para concierto, televisión, teatro, danza y cine. En esta última disciplina ha compuesto particularmente para las producciones de su marido, el realizador y artista Patrick Bokanowski. Del catálogo de películas experimentales realizadas por éste, destaca sobre todo su espléndido largometraje, completado en 1982, "L'Ange".
Con las siguientes palabras se refería, en 2002, el equipo de Xcèntric, el cinema del CCCB (Centre de Cultura Contemporània de Barcelona) tanto a la mentada producción como al autor de la misma: A Bokanowski, cineasta-pintor, artista-alquimista que pinta con la cámara, le debemos algunas de las visiones más sorprendentes, peculiares y fantásticas del cine actual. Su obra, escasa dada su minuciosa elaboración, trabaja en un primer período angustiosos mundos obscuros, que siguen la lógica de la pesadilla, poblados por extraños seres entregados a obsesivas acciones anodinas. La imagen, de alta densidad, invadida por el virus de un maëlstrom gráfico, alcanza un esplendor plástico que culminará en L'Ange, paradigma del film de culto.
Así es, se trata de una bellísima e inquietante realización cinematográfica inspirada, en cierto modo, en la imaginería de autores como Lars Bo, Wilhelm Busch o Janduz. En sus escasos sesenta y cinco minutos de duración y sus diez secuencias, cada una de ellas contando con su propia atmósfera y acción, no se incluyen diálogos ni efectos sonoros. Sólo la música original que Michèle Bokanowski compuso, en su mayor parte, con la única aportación del guión de la película; antes pues de la efectiva filmación de las escenas. Una música con pleno valor sustantivo que a juicio del compositor y ensayista Michel Chion constituye una parte esencial de la película, de su espacio, de su pulsación, de su canción.
Entre 1976 y 1979, Michèle creó, grabó, montó y mezcló las diez piezas contenidas en la banda sonora. Todas ellas son realizaciones electroacústicas que surgen básicamente de los sonidos ejecutados por tres músicos en sus respectivos instrumentos de cuerda: Regis Pasquier, violín y viola; Philippe Muller, violonchelo; y Philippe Drogoz, contrabajo. Fundamentalmente, la compositora seleccionó algunos motivos musicales breves y los organizó en sucesiones repetitivas de marcado efecto hipnótico. Su elaboración fue refinada y su sonar contribuyó, sin duda, a reforzar el carácter asimismo reiterativo de lo actuado por los personajes del filme. Pero más allá de su incuestionable función cohesiva a lo largo de esta experiencia perceptiva, la música de "L'Ange" cautiva por su misterio y fascinante sonoridad. A la vez sobria y compacta, ésta resulta de un preciso tratamiento efectuado en esos materiales instrumentales. Una sonoridad capaz por sí misma de sugerir, de relatar en el imaginario del oyente, al margen de cualquier imagen de soporte. Así debió entenderlo también la firma editorial francesa Trace Label al decidir publicarla, en 2003, en esta edición en CD separada de la película. Edición cuyo libreto y arte incluyen, en cualquier caso, algunas fotografías pertenecientes a escenas de la producción cinematográfica.
"L'Ange" CD: 1. 'L'Homme au sabre'; 2. 'La Femme à la cruche'; 3. 'Personnages dans les escaliers'; 4. 'L'Homme au bain'; 5. 'Le Reveil du bibliothécaire'; 6. 'La Bibliothèque'; 7. 'L'Attaque du Château de l'Oeuf'; 8. 'L'Atelier de Léonard'; 9. 'La Ruche'; 10. 'Ascension'.
Formato: CD; Duración total: 63:20
Kristoff K.Roll
À l'ombre des ondes
(IMED12118)
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Carole Rieussec es artista sonora. Jean-Christophe Camps es compositor, improvisador y performer. Ambos son franceses y se conocieron en París, en 1990, actuando como integrantes del septeto de música con tocadiscos Arènes du vinyle. Desde entonces han permanecido juntos ideando y proponiendo su particular laberinto sonoro significado como Kristoff K.Roll. La música acusmática, la improvisación electroacústica, el arte radiofónico, la instalación, la composición textual y la performance, son las principales modalidades que ha ido adoptando su creación sonora basada en una exploración primordial y constante de tres elementos: la palabra, los objetos y el espacio.
En sus veinte años largos de actividad, Kristoff K.Roll ha presentado su obra en numerosos conciertos, en Francia y en el extranjero, ha colaborado con músicos, poetas, bailarines, titiriteros, artistas circenses y realizadores cinematográficos y, asimismo, ha publicado una media docena de discos. De estas grabaciones, la más reciente es la aparecida hace pocos meses en empreintes DIGITALes con el título de "À l'ombre des ondes".
Se trata de una realización actual y en estudio de un curioso trabajo que el dúo concibió y desarrolló ya en 2007 y que durante los últimos años ha ido difundiendo a través de diversos eventos públicos, celebrados por lo general al aire libre. Eventos a los que la audiencia acude para participar de lo que Rieussec y Camps denominan como siestas audio-parlantes. Sesiones a plena luz de día cuyo propósito consiste en convocar al sueño mediante la emisión de sugestivos montajes sonoros improvisados. Ya sea recostado sobre una hamaca, tendido en la hierba o acomodado entre cojines, cada asistente dispone de unos auriculares con los que poder sumergirse en una escucha intimista y preludiar así un delicioso estado de ensoñación.
En la música a la sombra de las ondas pueden tener cabida las más insólitas yuxtaposiciones de sonidos. Sean estos ambientales o electrónicos, anecdóticos o elaborados, lo esencial de la propuesta estriba en su efectivo despliegue estereofónico y en su aptitud para sugerir espacios imaginarios y generar ilusiones auditivas. Los sueños son como la música concreta, ignoran toda lógica causal, manifiestan al unísono los dos creadores.
Abundando en su índole onírica, la obra contiene además el testimonio hablado de personas que deciden compartir con el oyente algún sueño propio que recuerdan. En esta versión de "À l'ombre des ondes", realizada en 2011 en el estudio Les ombres d'ondes de la localidad francesa de Frontignan, se incluye la recitación de sueños de: Paul-Marie Plaideau (La gestion des plannings), Laure Engel (La ville plate), Francis Vadillo (Le concept d’arrosage), Bogumila Busnel (Mes gestes son lentes, lentes, lentes), Jean-Michel Espitallier (Animal) y Jade Bréchelière (Les amoureux, le vélo, la voiture et le deltaplane).
"À l'ombre des ondes" CD: 1. 'Méridienne allongée'; 2. 'Récit de rêve'; 3. 'Méridienne inclinée'.
Formato: CD; Duración total: 63:35
Laurie Spiegel
The Expanding Universe
(UW09)
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Compositora, intérprete de guitarra, laúd y banjo, artista visual e ingeniera de software, Laurie Spiegel (Chicago, 1945) es, en palabras del también compositor estadounidense Joel Chadabe, una combinación fenomenal de espíritu independiente y pionero, magia programadora, inclinación filosófica e intuición musical.
El inicio de su carrera como creadora electrónica se remonta a 1969, año en el que empieza a experimentar y componer con diversos sintetizadores analógicos. Posteriormente, entre 1973 y 1979, trabajó en los famosos Laboratorios Bell de Nueva Jersey desempeñando tareas de computación gráfica y también componiendo música electrónica, principalmente con un dispositivo llamado GROOVE (Generated Real-time Output Operations on Voltage-controlled Equipment). Creado por Max Mathews y F. R. Moore a finales de los años sesenta, el artefacto consistía básicamente en un sistema de música por ordenador con el que poder controlar, en tiempo real, los sonidos electrónicos generados por equipos analógicos.
Además, Spiegel desarrolló su propia programación para producir e interpretar música con ordenador. A este respecto, en 1986 completó su software seguramente más conocido, el MusicMouse – An Intelligent Instrument, una aplicación para computadoras Macintosh, Amiga y Atari que permitía a cualquier persona poder expresarse musicalmente desde su propio entorno doméstico. El ingenio pues basado en una suerte de lógica interactiva y algorítmica, ha acompañado a la artista a lo largo de una trayectoria significada también por su trabajo experimental en el ámbito de la creación videográfica.
Spiegel es autora de una producción musical considerable. De ella sobresalen particularmente las cuatro composiciones contenidas en el que fue su debut discográfico: "The Expanding Universe" ('Patchwork', 'Old Wave', 'Pentachrome' y 'The Expanding Universe'). Tres décadas después de su primera aparición en disco de vinilo (Philo Records, 1980), este registro clásico de la música electrónica ha sido finalmente reeditado en doble disco compacto gracias al empeño del sello Unseen Worlds. El nuevo formato de la edición ha motivado la inclusión de hasta quince piezas adicionales, la mayoría de ellas inéditas, que Spiegel completó también durante la misma época de realización de "The Expanding Universe", esto es, entre 1974 y 1977.
Toda la música reunida aquí fue producida en los Laboratorios Bell utilizando el mentado dispositivo GROOVE de Max Mathews y F. R. Moore. Cuenta Spiegel que tras haber experimentado durante unos pocos años, y no sin cierta frustración, la simpleza de la lógica de control de instrumentos analógicos modulares como Buchla, Electrocomp o Moog, así como su nula memoria de almacenamiento, el encuentro con GROOVE supuso una bendición. En ese sistema híbrido analógico-digital concurrían dos de los factores que la autora más apreciaba en la realización de música electrónica: la idoneidad para preservar y repetir múltiples órdenes complejas y la posibilidad de integrar en tiempo real cualesquiera variaciones interpretativas.
Y es que, más allá de su manifiesta implicación tecnológica, Spiegel es una artista que exhibe una intuición y sensibilidad musicales envidiables. Automatizo todo lo que pueda ser automatizado para poder centrarme después en aquellos aspectos de la música que no pueden serlo. Con este mismo espíritu ejecutó precisamente las obras contenidas en estos dos discos. Una música electrónica surgida del algoritmo matemático añejo y en la que tienen fácil acomodo tanto la repetitividad, la elaboración rítmica y despliegue mesurado de secuencias melódicas, como la exploración tímbrica y un eficaz sentido de continuidad armónica. Toda ella enmarcada en un minimalismo accesible, no exento de cierta fragancia cósmica. Con razón su sorprendente 'Kepler's Harmony of the Worlds' fue incluida también en el disco de oro "Sounds of Earth" que viajó a bordo de la sonda espacial Voyager, en 1977.
La edición en doble CD viene acompañada además de un libreto de veinticuatro páginas con una autoentrevista de la compositora, abundante información contextual y técnica, descripciones de las composiciones, fotografías y otro material gráfico.
"The Expanding Universe":
CD-1: 1. 'Patchwork' (1974-76); 2. 'Old Wave' (1975); 3. 'Pentachrome' (1974); 4. 'A Folk Study' (1975); 5. 'Drums' (1975); 6. 'Appalachian Grove I' (1974); 7. 'Appalachian Grove II' (1974); 8. 'Appalachian Grove III' (1974); 9. 'The Expanding Universe' (1975).
CD-2: 1. 'East River Dawn' (1976); 2. 'The Unquestioned Answer' (1974); 3. 'The Orient Express' (1974); 4. 'Clockworks' (1975); 5. 'Dirge Part I' (1974); 6. 'Dirge Part II' (1974); 7. 'Music for Dance part I' (1975); 8. 'Music for Dance part II' (1975); 9. 'Kepler’s Harmony of the Worlds' (1977); 10. 'Wandering in Our Times' (1975).
Formato: 2CD; Duración total: 156:41
