John Cage: "Variations V"

John Cage

Variations V
(mode 258)

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El volumen 48 de la colección de registros que la firma Mode Records viene dedicando a John Cage (1912-1992) desde mediados de los años ochenta del pasado siglo, corresponde a esta primera edición en DVD de "Variations V".

La quinta de la serie de ocho "Variaciones" que el compositor produjo entre 1958 y 1978, surgió por encargo de los patrocinadores del Festival Franco-Americano, celebrado en 1965, en el Philharmonic Hall del Lincoln Center de Nueva York. Fue ideada como una creación multimedia en la que concurrirían la música electrónica de Cage, la danza de Merce Cunningham, proyecciones y efectos visuales a cargo de Stan VanDerBeek y Nam June Paik respectivamente, y una iluminación especial diseñada por Beverly Emmons. La partitura, escrita curiosamente con posterioridad a la ejecución de la obra, consistió en un conjunto de simples notas que instruirían a todo aquel que en el futuro quisiera emprender su realización.

Precedido de una notable expectación, el estreno de "Variations V" tuvo lugar el 23 de julio de 1965 en el mentado Lincoln Center. Los movimientos coreográficos realizados por los bailarines (Merce Cunningham, Carolyn Brown, Barbara Dilley Lloyd, Sandra Neels, Albert Reid, Peter Saul y Gus Solomons Jr.) a lo largo de la función, fueron captados en el escenario por doce antenas desarrolladas por Robert Moog y un juego de células fotoeléctricas diseñadas por el científico de los Laboratorios Bell, Billy Klüver, de tal manera que esa interacción desencadenó la transmisión de sonidos a una mezcladora de cincuenta canales cuya salida pudo oírse a través de seis altavoces repartidos en el interior de la sala. El material sonoro constituido por fragmentos grabados de diversos proyectos musicales de Cage, entre ellos "Williams Mix" y "Fontana Mix", objetos amplificados y emisiones radiofónicas, fue supervisado por el propio Cage y los compositores James Tenney, Malcom Goldstein y Fredric Lieberman. Cage y David Tudor operaron la mezcladora. La performance se complementó además con la proyección simultánea de un atractivo collage fílmico ejecutado por Stan VanDerBeek y unas imágenes televisivas procesadas por Nam June Paik. El crítico de música y danza del New York Times, Allen Hughes, escribía a los pocos días: Me parece que los señores Cage y Cunningham pueden habernos ofrecido una fascinante, si bien sumamente primitiva mirada a un extraordinario teatro del futuro.

Un año después del estreno en Nueva York y tras haber concluido una gira europea de verano, la compañía de Cunningham recaló en Hamburgo para cumplir con el compromiso de prestarse a una filmación en estudio de "Variations V". Producida por la NDR (Norddeutscher Rundfunk) y dirigida por Arne Arnbom, la película resultante es uno de los pocos filmes disponibles del grupo en la década de los sesenta. En lo sustantivo, la obra filmada conserva prácticamente todos los ingredientes originales, si bien la plantilla de músicos fue, en esta ocasión, más reducida: John Cage, David Tudor y Gordon Mumma.

El DVD, publicado ahora por Mode Records, contiene la película realizada por la televisión alemana en 1966 (47 minutos), una versión solo audio de otra ejecución de la obra efectuada en París ese mismo año (40 minutos) y, finalmente, dos entrevistas actuales hechas por David Vaughan, archivero de la Compañía de Danza de Merce Cunningham, a Carolyn Brown (40 minutos) y a Sandra Neels y Gus Solomons Jr. (30 minutos), bailarines, los tres, presentes en la producción original. La edición incluye además un libreto con algunas fotografías de archivo y escritos de Rob Haskins y de Gordon Mumma con Michelle Fillion.

DVD-Video NTSC; todas las zonas; blanco y negro / color; subtítulos en inglés y alemán únicamente en la introducción de la película.

Formato: DVD; Duración total: 157:00

Varios Artistas: "10e concours international d'art radiophonique Luc Ferrari. Correspondance"

Varios Artistas

10e concours international d'art radiophonique Luc Ferrari. Correspondance
(Muse 13/1)

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El término "correspondencia", en sus varias acepciones, fue el argumento al que los participantes en la décima edición del concurso internacional de arte radiofónico Luc Ferrari (La Muse en Circuit y SACEM, 2012/2013) debieron atender a la hora de preparar y componer sus creaciones sonoras.

Reunido el 4 de septiembre de 2012, el jurado compuesto por Anne Gillot (Radio Suisse Romande), Nicolas Horber (Radio Campus France), Ingo Kottkamp (Deutschlandradio Kultur), Anne Mattheeuws (Musiq3 - RTBF), Irène Omélianenko (Atelier de Création Radiophonique - France Culture), Marc Texier (Festival Archipel) y Philippe Langlois y David Jisse (La Muse en Circuit), decidió premiar a:

Sam Salem (Reino Unido, 1982) por 'Dérive', obra surgida de los sonidos que el compositor grabó en París con ocasión de múltiples paseos efectuados en la ciudad; Julia Hanadi Al Abed (Francia, 1977) por 'Bilad El Cham', una sentida ofrenda acústica a Siria, país de origen del padre de la artista; y Alejandro Montes de Oca (México, 1980) por 'CorresponTrans', composición a propósito de la correspondencia de amor. Esta última realizada además con las voces de Frédérique Leroy, Sabine Revault D’Allones, Atsushi Sakai, Jean-Daniel Senesi, Yumiko Tanimura-Droy y Rebecca Tepfer.

Los tres trabajos fueron presentados en concierto el pasado 22 de marzo de 2013 en el marco del Festival Archipel (Ginebra, Suiza) y, seguidamente, incluidos en este registro de reciente publicación.

"10e concours international d’art radiophonique Luc Ferrari" CD: 1. Sam Salem 'Dérive'; 2. Julia Hanadi Al Abed 'Bilad El Cham'; 3. Alejandro Montes de Oca 'CorresponTrans'. El CD viene acompañado de un libreto bilingüe (en francés e inglés) que contiene descripciones de las piezas y notas biográficas de los autores seleccionados.

Formato: CD; Duración total: 53:44

Christopher DeLaurenti: "Favorite Intermissions"

Christopher DeLaurenti

Favorite Intermissions
(GD STEREO GD019)

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"Favorite Intermissions: Music before and between Beethoven, Stravinsky and Holst" seguramente sea el disco más singular y conocido del compositor y artista sonoro Christopher DeLaurenti (Estados Unidos, 1967). Fue publicado en 2007 por GD Stereo, un pequeño sello neoyorquino fundado y dirigido por el arquitecto Geoff Dugan. Inicialmente, la portada y demás elementos gráficos del CD aparecieron ejecutados en clara imitación tanto del color como del distintivo y diseño tan característicos de la popular firma discográfica Deutsche Grammophon. Circunstancia por la cual, GD Stereo fue denunciada y obligada a retirar del mercado y destruir todas las copias existentes de esa edición. Al poco tiempo, sin embargo, Dugan preparó una reedición del registro, limitada a novecientas unidades, que ahora sí cumplía, en todos sus extremos, con el requerimiento de la plena originalidad.

¿Pero cuál fue el motivo por el que el artista, de acuerdo con el editor, pretendió asociar, a modo de parodia, la procedencia de "Favorite Intermissions" con la imagen del gigante alemán? La respuesta a esta cuestión se obtiene fácilmente al reconocer la naturaleza de las piezas contenidas en el disco.

DeLaurenti ofreció en él una selección de "grandes éxitos" de las algo más de cincuenta horas de grabaciones sonoras que efectuó, a lo largo de unos siete años, en el interior de auditorios. Grabaciones que únicamente documentaban los minutos previos al inicio de la ejecución de un concierto de música clásica así como los entreactos. El ambiente reinante en la espera, ese conjunto de sonidos tan típicos como ignorados (el chirriar de las butacas al ser ocupadas, el rumor del público, los músicos realizando aquellos últimos ejercicios interpretativos de distensión, etc.) fueron objeto de la más reverencial atención por parte del artista. Captadas todas ellas de forma clandestina, las grabaciones aquí incluidas tan solo pudieron surgir de un aliento explorador, del empecinamiento en hallar musicalidad en todo evento sonante.

Aunque en los títulos de las seis piezas se hiciera mención de los compositores o de las obras que fueron interpretadas en esas ocasiones ('Holst, hasta ahora'; 'Antes de Petrushka'...), en ningún caso se indicaron la fecha y lugar de los conciertos en cuestión ni tampoco las orquestas y solistas ejecutantes. La cautela del editor alcanzó también a la fotografía de la portada que, a pesar de mostrar el escenario de un auditorio en el que un músico aparece ensayando mientras DeLaurenti supuestamente graba en secreto a unos pocos metros de él, toda ella se presentó ligera y deliberadamente desenfocada.

"Favorite Intermissions" CD: 1. 'Holst, Hitherto'; 2. 'Before Petrushka'; 3. 'SF Variations'; 4. 'Holding Out for Ein Helden'; 5. 'Awaiting AGON'; 6. 'After Beethoven'.

Formato: CD; Duración total: 68:10

Christian Marclay: "More Encores"

Christian Marclay

More Encores
(ReR CM1)

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Ganador del León de Oro por su obra audiovisual "The Clock" (2010), presentada en la 54 edición de la Bienal de Venecia, Christian Marclay (Estados Unidos, 1955) es un eminente artista del collage. Tanto en sus performances como en su creaciones instalativas, escultóricas, fotográficas y videográficas, acude siempre a elementos distintivos de nuestra cultura de masas, particularmente a aquellos que atañen al ámbito de la música y el cine, con voluntad de reorganizarlos, transformarlos y, en definitiva, componer con ellos un objeto de nueva significación.

En su faceta como artista sonoro e improvisador, lleva experimentando e interpretando con múltiples tocadiscos y discos de vinilo desde 1979. Ya sea en solitario o en colaboración con músicos como Elliott Sharp, John Zorn, Zeena Parkins, Otomo Yoshihide, Okkyung Lee, Christian Wolff o Shelley Hirsch, Marclay actúa mezclando numerosos discos, tocándolos al revés, modificando sus velocidades de reproducción y manipulando sus sonidos de mil y una maneras, propiciando así lo que alguien acertadamente ha denominado como su particular "teatro de sonidos encontrados".

"More Encores" (1988) es uno de los registros más emblemáticos de su discografía. Publicado originalmente en vinilo en el sello alemán No Man’s Land, el disco sería reeditado nueve años más tarde por ReR Megacorp, tanto en su versión de vinilo como en la de CD que aquí nos ocupa.

La grabación contiene doce piezas breves (tan solo una supera los tres minutos de duración) tituladas, cada una de ellas, sencillamente con el nombre de un músico o de un dúo de músicos. Grabadas en estudio entre enero de 1987 y mayo de 1988, las doce miniaturas fueron compuestas utilizando únicamente discos pertenecientes a esos artistas de estilos musicales francamente diversos. Además del propio Marclay, integran aquí la lista de representados: Johann Strauss, John Zorn, Martin Denny, Frederic Chopin, Fred Frith, Louis Armstrong, Arthur Ferrante y Louis Teicher, John Cage, Maria Callas, Jimi Hendrix, Jane Birkin y Serge Gainsbourg. De la apropiación, mezcla y experta manipulación de fragmentos de esos discos por parte de nuestro protagonista surgieron pues collages sonoros de un ingenio y humor merecedores de aplauso. Advierte Marclay, sin embargo, que la pieza dedicada a John Cage consistió simplemente en la reproducción de un disco resultante del ensamblaje y encolado de diversas secciones correspondientes a otros tantos fonogramas del compositor americano.

"More Encores" CD: 1. 'Johann Strauss'; 2. 'John Zorn'; 3. 'Martin Denny'; 4. 'Frederic Chopin'; 5. 'Fred Frith'; 6. 'Louis Armstrong'; 7. 'Arthur Ferrante & Louis Teicher'; 8. 'John Cage'; 9. 'Maria Callas'; 10. 'Jimi Hendrix'; 11. 'Jane Birkin & Serge Gainsbourg'; 12. 'Christian Marclay'.

Formato: CD; Duración total: 33:07

Varios Artistas: "An Anthology of Noise & Electronic Music vol. 7"

Varios Artistas

An Anthology of Noise & Electronic Music vol. 7
(SR300)

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Con este séptimo volumen publicado en 2013, el sello Sub Rosa pone fin a su conocida antología dedicada a la música electrónica y a la música del ruido. Iniciada en 2001, la colección entera ha incluido un total de 176 trabajos cuyos años de realización van desde 1921 a 2012. Cerca de 18 horas de música originada y producida en 42 países distintos, ya sea en estudios oficiales o privados, en el ámbito puramente doméstico o en ocasión de concierto.

A diferencia de las seis anteriores entregas, presentadas en doble CD, "An Anthology of Noise & Electronic Music vol. 7" cuenta con un disco adicional que le convierte en el volumen más generoso de la antología, alcanzando prácticamente las cuatro horas de contenidos. En cuanto a estos, casi huelga decir que continúan alternándose básicamente obras pioneras y/o emblemáticas de la experimentación musical electrónica ('Thema, Ommaggio a Joyce' de Luciano Berio, 'Collage' de Eugeniusz Rudnik, 'Electronic Music' de Bülent Arel...) con varios ejemplos de creaciones actuales de arte sonoro (Slavek Kwi + Siobhan McDonald 'Lava Samples', Alma Laprida + Juan José Calarco 'Contorso', Erin Sexton 'Suspend / 2 Electromagnetic Amplifiers'), algún que otro documento sonoro histórico ('Au clair de la lune', grabada por Édouard-Léon Scott de Martinville, o la recreación de 'Radio Pravda' de Dziga Vertov) y, sobre todo, abundantes piezas surgidas de planteamientos ruidistas (Israël Quellet 'Pour percussions et saturation', The Rita 'Skate', The New Blockaders 'Blockade is Resistance'...).

De los 38 temas que contiene en total "An Anthology of Noise & Electronic Music vol. 7", 19 han sido publicados aquí por primera vez. El digipack viene además con un libreto de 84 páginas que incluye varios textos a cargo del impulsor y coordinador de la antología, Guy Marc Hinant, así como información acerca de todas y cada una de las piezas del programa.

CD 1: 1. Henry Jacobs 'Sonata for Loudspeakers' (1953-4); 2. Dziga Vertov 'Radio Pravda' (1930); 3. Bebe & Louis Barron 'Bells of Atlantis' (1952); 4. Luciano Berio 'Thema (Omaggio a Joyce)' (1958); 5. Bülent Arel 'Electronic Music' (1961); 6. Don Preston 'Analog Heaven #6' (1975); 7. Slavek Kwi + Siobhan McDonald 'Lava Samples' (2012); 8. Benjamin Thigpen 'Thread0' (2011); 9. Helmut Schäfer 'Infuse' (2005-6); 10. Thanasis Kaproulias / Novi_sad 'The insolence of a poppy' (2011); 11. Saule 'Paperfilm' (2002); 12. Édouard-Léon Scott de Martinville 'Au clair de la lune' (1860).

CD 2: 1. John Oswald 'Vertical Time' (1973); 2. Israël Quellet 'Pour percussions et saturation' (2007); 3. Dennis Wong / Sin:Net 'Decomposition' (2011); 4. Alan Courtis 'Mind Broncoespasmo' (1992); 5. Fausto Romitelli 'Trash TV Trance' (2002); 6. Justin K. Broadrick 'Guitar Three' (1995); 7. Storm Bugs 'Cash Wash/Eat Good Beans' (1980); 8. E.A.R. 'Beyond the Pale' (1992); 9. Henry Cow 'From Trondheim' (1976); 10. Osso Exótico 'Rota de inverno' (1994).

CD 3: 1. Eugeniusz Rudnik 'Collage' (1965); 2. Eduardo Polonio 'Transparencias' (2011); 3. Cabaret Voltaire 'Chance versus Causality' (1979); 4. Mika Vainio 'Transformer in 7' (2011); 5. Alma Laprida + Juan José Calarco 'Contorso' (2011); 6. Klangkrieg 'Korpus I' (1996); 7. Gintas Kraptavicius '4m' (2011); 8. Warong Rachapreecha 'Shambles' (2012); 9. The New Blockaders 'Blockade is Resistance' (1983); 10. GX Jupitter-Larsen / The Haters 'Fuechen' (1985); 11. The Rita 'Skate' (2009); 12. To Die / Indra Hermawan 'Terhempas Iuka / Jurang nestapa' (2011); 13. Agro / Brandon Spivey + Richie Anderson 'Only Those Who Attempt The Impossible Will Achieve The Absurd' (1995); 14. Jamka 'Wild Rose Trees' (2010); 15. Erin Sexton 'Suspend / 2 Electromagnetic Amplifiers' (2011); 16. Gustavo H. Serpa 'Astro Metal' (2008) 17. Anónimo 'Untitled' (?).

Formato: 3CD; Duración total: 236:23

Trino Zurita: "Obres per a violoncel i electrònica"

Trino Zurita

Obres per a violoncel i electrònica (Col·lecció Phonos 2)
(1CM0316)

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Trino Zurita (Antequera, 1976) se encuentra entre los violonchelistas españoles más versátiles. Su actividad se circunscribe tanto al marco del violonchelo moderno como del histórico. En este sentido, interesado por el estilo interpretativo del periodo romántico, concretamente por el que se practicó en la segunda mitad del siglo XIX, desarrolla actualmente su tesis doctoral "La interpretación violonchelística en la era pre-Casals" en la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid, bajo la dirección de Alicia Díaz de la Fuente. También es destacable en este campo su estrecha colaboración con el pianista Antonio Simón, con quien ha registrado la primera integral de la obra para violonchelo y piano de Franz Liszt (Columna Música).

Por otro lado, el interés por la creación de vanguardia siempre ha estado presente en su trayectoria. Consolidado como un especialista en la interpretación de música contemporánea en sus diversas expresiones, numerosos compositores han escrito para él. Entre ellos: Manuel Hidalgo, Eneko Vadillo, Eduardo Polonio, Edson Zampronha, Diana Pérez Custodio, Tomás Marco, José López-Montes, Javier Campaña o Enrique Busto.

Trino Zurita comenzó sus estudios de violonchelo a los once años. Formado en Málaga con Antonio Campos y Urmas Tammik, amplió estudios en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú con Dmitri Miller. En la música de cámara ha tenido a maestros como Alexander Bonduriansky, Alexander Galkovsky, Dmitri Shebalin o Bretislav Nobotny.

Con su violonchelo Francesco Lazzaretti, construido en Vicenza en 1983, ejecuta las piezas comprendidas en este registro que constituye el segundo volumen de la "Col·lecció Phonos", serie iniciada en Columna Música en febrero de 2012 con un monográfico dedicado al compositor Gabriel Brncic. Elegidas por el propio instrumentista, "Obres per a violoncel i electrònica" incluye una pieza para violonchelo solo, perteneciente al catalán Oriol Saladrigues, y seis composiciones para ese mismo instrumento y electrónica de los autores: Eneko Vadillo (dos de ellas), Teresa Carrasco, Jesús Villa-Rojo, José Iges y Gabriel Brncic. Acompaña al CD un libreto trilingüe (catalán, castellano e inglés) de veintidós páginas con breves descripciones de cada una de las obras contenidas en el disco y notas biográficas de los autores e intérprete.

"Obres per a violoncel i electrònica" CD: 1. Gabriel Brncic 'Violonchelo-Concert I' (2009); 2. Eneko Vadillo 'Requies' (2004); 3. Teresa Carrasco 'Seguiriyas de cielo, tierra y aire' (2009); 4. Oriol Saladrigues 'Inclinations vers l'instable' (2010); 5. Jesús Villa-Rojo 'Glosario III' (2009); 6. Eneko Vadillo 'Evocación' (2010); 7. José Iges 'Nihil Obstat' (2005).

CD; Duración total: 71:10

Luca Forcucci: "Fog Horns"

Luca Forcucci

Fog Horns
(SR359)

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En la primavera de 2011, el compositor, artista sonoro y performer italo-suizo Luca Forcucci viajó a Estados Unidos con el ánimo de ofrecer diversos conciertos en las ciudades de Los Ángeles y San Francisco. A su llegada a esta última localidad, quedó pronto cautivado por un sonido distinguido que, proveniente de la bahía, iba repitiéndose a intervalos iguales de unos cuantos segundos. Era el sonido producido por las llamadas sirenas de niebla o fog horns: aparatos instalados en algunos puertos, puentes o faros cuya función consiste en emitir señales acústicas, a modo de bufidos profundos, para advertir al navegante de posibles escollos en días de bruma.

Aprovechando pues su estancia en la ciudad, el artista recorrió esa área de la bahía y realizó múltiples captaciones sonoras. Con el material acústico obtenido compondría, un año después, las tres piezas incluidas en este registro titulado precisamente "Fog Horns" (Sub Rosa, new series Framework, 2013).

Tres creaciones electroacústicas concebidas alrededor de tres elementos básicos de ese entorno visitado: el mar, el viento y, por supuesto, las mentadas sirenas de niebla. Una música del paisaje que parte de lo reconocible o familiar para acabar explorando en lo recóndito. Así es, apenas asomen unos instantes las fuentes ambientales su devenir resultará aquí en un sonar transfigurado e intrigante. Forcucci situará al oyente ante escenarios de ensoñación, confiando en una elaboración detenida de los materiales, sometiendo los sonidos a ejercicios manipulativos, estirándolos prolongadamente, filtrándolos, saturándolos, enmascarándolos, en definitiva, entre marañas brumosas. Una música altamente sugestiva que contará además con las aportaciones ocasionales de los intérpretes Goo Le Gooster (tocadiscos y echoplex en 'Fog Horns') y Michael Kott (violonchelo electrónico en 'Winds').

"Fog Horns" CD: 1. 'Fog Horns'; 2. 'L'Ecume des Jours'; 3. 'Winds'.

Formato: CD; Duración total: 37:47

Marcel Duchamp: "Musical Erratum + In Conversation"

Marcel Duchamp

Musical Erratum + In Conversation
(LTMCD 2504)

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Tres son las obras musicales que el incomparable artista Marcel Duchamp (Francia, 1887-1968) ideó y compuso a lo largo de su vida. Las tres, al parecer, en 1913: 'Erratum Musical' (pieza para tres voces cuya partitura fue incluida en su "Caja verde"); 'La Mariée mise à nu par ses célibataires, même: Erratum Musical' (perteneciente a la serie de notas y proyectos que Duchamp realizó con vistas al conocido "Gran vidrio"); y, finalmente, 'Sculpture Musicale' (una simple nota escrita en un pequeño papel que también encerró en su "Caja verde").

La segunda de ellas sería objeto de este estupendo registro, "Musical Erratum + In conversation" (LTM Recordings, 2007), en el que se incluyen dos realizaciones de la misma: la primera, de 1981 (Mats Persson y Kristine Scholz, piano preparado) y la segunda, fechada en 2007 (Tom Feldschuh, piano). Acerca de 'La Novia desnudada por sus novios, incluso: Erratum Musical', el músico checo Petr Kotik, a quien se le atribuye una primera y completa ejecución/realización de la obra junto a la S.E.M. Ensemble, en 1974, comenta:

Existen dos partes en el manuscrito (la partitura escrita por Duchamp). Una contiene la composición para un instrumento mecánico. La pieza consta como inacabada y está escrita utilizando números en lugar de notas, aunque Duchamp explica claramente el significado de esos números, facilitando así su transcripción a notas musicales. Además, también indica el/los instrumento/s en el/los que debería se interpretada: piano mecánico, órganos mecánicos u otros nuevos instrumentos que no precisen de un intermediario virtuoso. La segunda parte incluye una descripción del sistema composicional. El título de Duchamp para el sistema es: un aparato que graba automáticamente los periodos musicales fragmentados. El aparato se compone de tres partes: un embudo, varias vagonetas, y un juego de bolas numeradas. Cada número en una bola representa una nota. Duchamp sugirió 85 notas de acuerdo con el rango estándar de un piano de esa época; hoy, todos los pianos tienen 88 notas. Las bolas caen, a través del embudo, en las vagonetas que pasan por debajo a velocidades variables. Cuando el embudo queda vacío se ha completado un periodo musical.

El CD cuenta además con cuatro documentos sonoros del artista. Se trata de fragmentos originales, dichos todos en inglés, correspondientes a: "The Creative Act", conferencia que Duchamp presentó durante la Convención de la Federación Americana de las Artes, celebrada en Houston (Texas), en abril de 1957; la lectura de un texto contenido en "À l’infinitif (The White Box)" grabada en Nueva York en 1967; y, por último, dos extensos pasajes de una entrevista que concedió a George Heard Hamilton en Londres en 1959. El libreto del CD viene con diversas fotografías, la reproducción de la partitura de ‘La Mariée mise à nu par ses célibataires, même' y un texto introductorio a cargo de James Hayward.

"Musical Erratum + In conversation" CD: 1. 'Musical Erratum. La Mariée mise à nu par ses célibataires, même' (piano preparado); 2. 'The Creative Act'; 3. 'A l’infinit'; 4. Interview; 5. Interview; 6 - 13. 'Musical Erratum. La Mariée mise à nu par ses célibataires, même' (piano).

Formato: CD; Duración total: 71:19

José Antonio Sarmiento: "El ojo del silencio"

José Antonio Sarmiento

El ojo del silencio
(CDCE001)

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El Centro de Creación Experimental de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (Universidad de Castilla-La Mancha) publicó en 1999 este registro de audio con cuatro fragmentos pertenecientes a "El ojo del silencio", obra del profesor y artista español José Antonio Sarmiento (Las Palmas, 1952). Concebida al mismo tiempo como acción e instalación sonora, su ejecución tuvo lugar en el estudio de Radio Fontana Mix entre los días 22 y 31 de septiembre de 1999.

A propósito de ella, su autor comenta: Creo en la radio como laboratorio de investigación y de creación. En "El ojo del silencio" utilizo la radio como medio y como instrumento. La obra se desarrolla de la siguiente manera: En una mesa de forma oblonga donde se sitúa normalmente el presentador de un programa radiofónico he dispuesto 110 aparatos de radio sintonizados en las diferentes emisoras que se pueden escuchar en la ciudad de Cuenca. La emisión concluye cuando se agotan las baterías de cada uno de los transistores. La mesa donde están situadas las radios tiene forma de ojo, aunque esto para mi no es lo más importante. Lo que me interesa destacar, ante todo, es que aquí los escuchantes de esta emisión radiofónica pueden ser espectadores, pueden entrar en el estudio de radio y permanecer en él. Estos espectadores además de escuchar pueden ver el sonido/silencio que se genera por la superposición de las diferentes emisiones. En definitiva, el ojo del oyente termina percibiendo el silencio. Al final, el silencio se impone. Como decía Cage, refiriéndose a su obra "Il treno di Cage. Alla ricerca del silenzio perduto" (1978), cuanto más ensordecedor es el ruido, más próximo y vecino parece el silencio. La saturación es para el oído/ojo otra forma de silencio.

A la edición en CD le acompaña un libreto de veinte páginas que incluye diversas fotografías tomadas durante la preparación y ejecución de la obra.

"El ojo del silencio": 1. 22 septiembre (19:01:39 - 19:16:39); 2. 25 septiembre (02:10:40 - 02:34:40); 3. 29 septiembre (08:15:20 - 08:28:20); 4. 30 septiembre (16:53:16 - 16:59:16).

Formato: CD; Duración total: 58:16

David Rosenboom: "In the Beginning"

David Rosenboom

In the Beginning

(NW80735-2)

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Compositor, intérprete y artista interdisciplinar, David Rosenboom (1947- ) es una de las figuras pioneras de la música experimental americana. A lo largo de su trayectoria ha explorado formas musicales de generación espontánea y lenguajes de improvisación, ha participado en colaboraciones artísticas interculturales, producciones de arte performativo y proyectos multimedia. También es autor de un modelo composicional denominado propositional music y ha desarrollado innovadoras técnicas de escritura para formaciones interpretativas, así como un interfaz musical que permite la interacción con el sistema nervioso humano. En la actualidad, Rosenboom sigue componiendo y ejerce como docente en la escuela de música del Instituto de las Artes de California.

"In the Beginning" es el tercer registro monográfico que New World Records dedica al compositor estadounidense. (Los otros dos fueron: "Future Travel", publicado en 2007, y "How Much Better if Plymouth Rock had Landed on the Pilgrims", aparecido en 2009).

Compuestas entre 1978 y 1981 para grupos instrumentales y solistas ejecutantes de música instrumental o electrónica, las ocho piezas que integran la serie "In the Beginning" constituyen un claro ejemplo de su idea de propositional music, esto es, de la voluntad del autor de equiparar el propio acto de componer con la elaboración de un modelo musical. Todas ellas son resultado del desarrollo de un lenguaje único basado en la utilización de proporciones armónicas simples. Así es, un conjunto de relaciones numéricas básicas regirán aquí la estructura esencial de las composiciones, si bien los intérpretes tendrán, en cualquier caso, la facultad de reaccionar expresivamente ante aspectos musicales cualitativos dimanantes de la propia ejecución de las mismas. Variaciones en la calidad tonal y contenido dinámico de la música que interpretan serán pues algunos de esos recursos expresivos que el compositor alentará al contemplar, en las propias partituras, diversas cualidades de índole emocional asociadas a la disciplina vertebradora de las ratios. En ocasiones, Rosenboom se servirá también de métodos estocásticos con los que definir transiciones regulares entre las distintas secciones que conforman cada uno de los trabajos de la serie.

El registro, en doble disco compacto, incluye dos realizaciones electrónicas captadas en vivo en 1979 y 1980 y seis trabajos instrumentales de estudio grabados en diversas sesiones en 2008, 2009 y 2012. La nómina de músicos la integran: David Rosenboom, Buchla & Associates 300 Series Electric Music Box, piano y ordenador; Mike Svoboda, trombón; William Winant, percusión; Erika Duke-Kirkpatrick, Aniela Perry, Derek Stein y April Guthrie, violonchelos; Quinteto de viento Midnight Winds; Jane Grothe, arpa; Jerónimo Rajchenberg, requinto, charango y muestras de coco banjo; David Rosenboom, piano; Amy Tatum, flauta; Claire Chenette, oboe; Andrew Leonard, clariente; Briana Lehman, fagot; Daniel Rosenboom, trompeta 1; Marissa Benedict, trompeta 2; Steven Suminsky, trombón; Doug Tornquist, tuba; Danny Holt, piano 1; Richard Valitutto, piano 2; Nicholas Terry, percusión 1; Matthew Cook, percusión 2; Andrew Tholl, violín; Mark Menzies, viola, Derek Stein, violonchelo, Maggie Hasspacher, contrabajo y David Rosenboom, director.

A la edición, le acompaña un libreto de treinta y seis páginas con un detallado análisis de la obra que firma el compositor Chris Brown, así como biografías, créditos y la reproducción gráfica de fragmentos pertenecientes a las partituras de la serie.

CD-1: 1. 'In the Beginning I: (Electronic)' (1978); 2. 'In the Beginning II: (Song of Endless Light + Sextet)' (1979); 3. 'In the Beginning III: (Quintet)' (1979).

CD-2: 1. 'In the Beginning: Etude I (Trombones)' (1979); 2. 'In the Beginning: Etude II (Keyboard-Plucked Strings)' (1980); 3. 'In the Beginning: Etude III (Keyboard & Two Oranges)' (1980); 4. 'In the Beginning IV: (Electronic)' (1980); 5. ˆ 10. 'In the Beginning V: (The Story)' (1981).

Formato: 2CD; Duración total: 127:00

Varios Artistas: "I want the Beatles to play at my art center!"

Varios Artistas

I want the Beatles to play at my art center!
(PRISMADVD001)

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Sonja Henie (Oslo, Noruega, 1912-1969) fue una célebre patinadora sobre hielo y una de la actrices más cotizadas de Hollywood. En 1956, tras haberse retirado prácticamente de ambas actividades profesionales, contrajo matrimonio con el reputado empresario naviero y mecenas, también noruego, Niels Onstad (1909-1978). Juntos atesoraron un importante conjunto de obras de arte moderno que, al cabo de unos años, supuso el reclamo ideal para impulsar la fundación del Henie Onstad Kunstsenter (HOK).

Inaugurado en 1968 en Hovikodden, a unos pocos kilómetros de la ciudad de Oslo, el Centro de Arte Henie Onstad fue entonces y sigue siendo hoy uno de los espacios culturales más representativos del país. Además de las magníficas colecciones artísticas que en él se exhiben, sus instalaciones se caracterizan también por haber albergado numerosos conciertos, performances y representaciones teatrales y coreográficas. Atendiendo pues a esta otra faceta del HOK y especialmente a las actuaciones musicales allí acontecidas, Prisma Records ha publicado recientemente "I want the Beatles to play at my art center!", un DVD que además acompaña a la exposición de mismo título, iniciada allí también el 28 de octubre de 2012 y cuya finalización está prevista para el 26 de mayo de 2013.

La edición incluye solo una pequeña selección del catálogo de grabaciones audiovisuales conservado en los archivos del centro. Grabaciones de contenido diverso y apenas divulgadas, entre las que me permito destacar, por su valor documental fundamentalmente, los fragmentos de la acción musical 'EX-POSITION' de Mauricio Kagel y de la lectura de 'Mouyce' de John Cage. El DVD presenta asimismo dos interesantes reportajes acerca del HOK y de sus fundadores: el primero, en blanco y negro y narración en noruego sin subtítulos, 'Epoke', fue producido por la NRK (Norwegian Broadcasting Corporation) y difundido el 22 de agosto de 1968, precisamente un día antes de la inauguración del centro; el segundo, filmado ya en color y con narración en inglés sin subtítulos, 'A Forum of the Arts' (1970), fue una producción de Norsk Film A/S y cuenta con música electrónica del compositor Arne Nordheim y las apariciones, entre otros, del propio Nordheim, Ketil Bjornstad y Cathy Berberian.

"I want the Beatles to play at my art center!" DVD: (Documentaries) 1. 'Epoke' (1968); 2. 'A Forum of the Arts' (1970); (Performances and Comissioned works) 3. Terje Rypdal 'Orfeus vender seg ser pa Eurydike' (1972, fragmento); 4. A silent tour of the Norwegian Studio for Electronic Music with Hal Clark (1975); 5. Kjartan Slettemark 'Poodleperformance at HOK' (1975); 6. Mauricio Kagel 'EX-POSITION' (1978, fragmento); 7. Lasse Thoresen 'Skapelser' (1978, fragmento); 8. John Cage 'Mouyce' (1983, fragmento); 9. Stian Skagen / Monica Winther 'The Inward Rising' (2008); 10. KILLL 'Live at HOK' (2009); 11. MoHa and Idan & Anu 'Fire & Ignorance' (2009); 12. Stephen O'Malley 'Le Petite Géante' (2009); 13. Masselys, Christopher Nielsen & Matt Willis-Jones 'Jimmy Polaris' (2011).

Formato: DVD; Duración total: 129:32