John Wynne: "Installation for 300 speakers, pianola and vacuum cleaner"

John Wynne

Installation for 300 speakers, pianola and vacuum cleaner

(SR332)

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Compositor y artista sonoro de origen alemán, John Wynne (1957- ) vive y trabaja en Londres, Inglaterra. Además de ser autor de algunas creaciones radiofónicas y bandas sonoras para cine y televisión, su obra incluye básicamente creaciones instalativas exhibidas en museos, galerías de arte y diversos espacios públicos. Es miembro de la organización CRiSAP (Creative Research in Sound Art Practice) y doctor en Arte Sonoro por el Goldsmith College, institución académica perteneciente a la Universidad de Londres.

Una de sus recientes producciones y, con toda seguridad, la más celebrada es su hermosa y monumental instalación para 300 altavoces, una pianola y una aspiradora. Desarrollada durante una residencia del artista en la galería Beaconsfield de Londres, la pieza fue presentada en ese mismo lugar, en 2009, y al año siguiente en la también londinense galería Saatchi. Tras haber examinado preliminarmente las propiedades acústicas del espacio instalativo así como su entorno exterior más inmediato, Wynne puso en juego diversas fuentes sonoras y un espectacular montaje escultórico con el propósito de explorar los límites entre sonido y música y, asimismo, reflexionar acerca de ideas como la obsolescencia y nostalgia. Hasta 300 altavoces desechados que el artista fue coleccionando con el paso del tiempo fueron utilizados para difundir los siempre delicados sonidos de este trabajo instalativo que además cuenta con una pianola modificada tocando, a tempo lentísimo, algunas de las notas de la opereta "Zigeunerliebe" (1909), del compositor húngaro Franz Lehár, y una aspiradora oculta cuya manguera conectada directamente a la pianola pone ésta en funcionamiento. Completan el componente acústico de la instalación el ruido ambiental de la sala que la alberga, así como una serie de sugestivos sonidos electrónicos compuestos por Wynne, algunos de ellos surgidos por la manipulación de las notas del propio piano. Con esta obra, el artista obtuvo el galardón 2010 British Composer Award en la categoría de Arte Sonoro.

"Installation for 300 speakers, pianola and vacuum cleaner" CD: 1. 'Installation for 300 speakers, pianola and vacuum cleaner'. Además de contener una grabación de audio de cuarenta y siete minutos de la instalación, el CD (Sub Rosa, 2011) incluye también "Bouncing off the Walls", un video realizado por Pete Gomes documentando el making of de la pieza. La edición cuenta asimismo con un libreto de ocho páginas con varias fotografías y un breve ensayo a cargo de Brandon LaBelle titulado "An Aesthetics of Pressure".

Formato: CD; Duración total: 46:53

Stefano Scodanibbio: "Oltracuidansa"

Stefano Scodanibbio

Oltracuidansa

(mode 225)

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Nacido en 1956 en Macerata (Italia), Stefano Scodanibbio es contrabajista y compositor. A lo largo de las dos últimas décadas del pasado siglo su nombre comienza a asociarse frecuentemente con el renacimiento del contrabajo, al tocar en los más importantes festivales de música contemporánea interpretando piezas compuestas especialmente para él por autores como Bussotti, Donatoni, Estrada, Ferneyhough, Frith, Globokar, Sciarrino o Xenakis. Durante algunos años colaboró estrechamente con compositores tan célebres como Luigi Nono y Giacinto Scelsi. John Cage, en una de sus últimas entrevistas manifestó: Stefano Scodanibbio es asombroso. No he escuchado contrabajo mejor tocado que el suyo. Me quedé impresionado y creo que todo aquel que le oiga también se asombrará. Es realmente extraordinario. Su actuación fue absolutamente mágica. Además de sus dúos con Rohan de Saram y con Markus Stockhausen, destacan también sus colaboraciones con Terry Riley y con el poeta Edoardo Sanguineti. Su catálogo de composiciones comprende más de cincuenta piezas, la mayoría escritas para instrumentos de arco. En cuatro ocasiones sus obras han sido seleccionadas por la Sociedad Internacional de Música Contemporánea (ISCM). Activo asimismo en los ámbito de la danza y el teatro, ha trabajado con coreógrafos y bailarines como Virgilio Sieni, Hervé Diasnas y Patricia Kuypers, así como con el director de escena Rodrigo García. Scodanibbio fue además el fundador de "Rassegna di Nuova Musica", festival de música contemporánea que se celebra anualmente en su localidad natal.

Inicialmente concebida como mero acompañamiento a una coreografía de Hervé Diasnas titulada "La fine del pensiero" (1998), "Oltracuidansa", composición para contrabajo y cinta de ocho canales, fue evolucionando paulatinamente hasta alcanzar en 2001 plena entidad musical. Con ella, Scodanibbio propone un cuestionamiento radical de la relación entre el cuerpo del contrabajista y su instrumento. Si en una de sus anteriores producciones, "Voyage That Never Ends" (1979-1997), el músico incidía básicamente en la exploración de los aspectos tímbricos, melódicos y rítmicos del contrabajo, en "Oltracuidansa" escudriña en las propias entrañas del instrumento con el propósito de descubrir sus voces más oscuras y animales.

Todos los sonidos contenidos en la cinta, realizada y revisada en diversas ocasiones en el Centro de Creación Musical Iannis Xenakis (CCMIX), fueron obtenidos mediante técnicas interpretativas, nada convencionales, que Scodanibbio ha ido practicando y catalogando a lo largo de los años (hasta veintiséis métodos de producción sonora con el contrabajo vienen enumerados en el libreto que acompaña al CD). Una vez grabadas casi seis horas de sonidos del instrumento, el autor llevó a cabo una minuciosa selección de éstos y pasó a componerlos polifónicamente con la ayuda de un sistema digital de edición multicanal. Exceptuando el uso ocasional de una pequeña unidad de reverberación, los sonidos incluidos en "Oltracuidansa" no fueron objeto de ningún tipo de transformación electroacústica. Circunstancia ésta que resulta cuanto menos asombrosa cuando uno constata la extraordinaria riqueza de matices que el sonar de la pieza despliega a lo largo de su dilatado recorrido. Scodanibbio confía aquí en su incuestionable competencia interpretativa para emprender un refinadísimo diálogo con espectros fijados de sí mismo.

Aunque sólo sea en versión estereofónica, este formidable registro aparecido en 2010 en Mode Records, constituye la primera grabación mundial de "Oltracuidansa". Obra, cuyo estreno en concierto tuvo lugar en la ciudad de Stuttgart en febrero de 2002, durante la celebración del festival de música contemporánea Éclat. "Oltracuidansa" CD: 1. 'Oltracuidansa'. La edición incluye un libreto bilingüe (en inglés e italiano) de ocho páginas con notas del propio Scodanibbio y la reproducción gráfica de un fragmento de la partitura.

Formato: CD; Duración total: 58:14

Carl Stone: "Woo Lae Oak"

Carl Stone

Woo Lae Oak

(UW03)

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Carl Stone nace en la ciudad estadounidense de Los Ángeles en 1953. Estudió con los compositores Morton Subotnick y James Tenney en el Instituto de las Artes de California (CalArts). Dedicado desde hace casi cuarenta años a la composición electroacústica, su música fundamentalmente se caracteriza por la utilización y manipulación sistemática de fuentes musicales variadas. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos encargos compositivos y ha colaborado también con muchos músicos y artistas, especialmente de origen asiático: Yuji Takahashi, Kazue Sawai, Otomo Yoshihide, Michiko Akao, entre otros. Sus trabajos han sido presentados en Estados Unidos, Canadá, Sudamérica, Europa, Australia, Asia y Oriente Próximo. Además de su actividad compositiva, Stone ha sido presidente del Centro de Música Americana (1992-95), director de la organización musical Meet The Composer (1981-1997) y director musical de la emisora KPFK-FM de Los Ángeles (1978-1981). En 2001 entró a formar parte del equipo docente de la Escuela de Información, Ciencia y Tecnología de la Universidad Chukyo (Japón). La conocida publicación norteamericana The Village Voice le ha calificado como 'el rey del sampling'.

Dueña en tiempo pasado del modesto sello Wizard Records, la cantante y compositora Joan La Barbara fue quien ofrecería a Stone la oportunidad de debutar discográficamente al publicarle, en 1983, "Woo Lae Oak". Una extensa creación electroacústica realizada en 1981 en los estudios del CalArts y surgida por encargo de esta institución y del Departamento de Música de la Universidad de California-San Diego. En 2007, Tom Gordon llevó a cabo la masterización digital de esa antigua grabación para esta reedición en CD aparecida en Unseen Worlds Records en 2008.

Dos son tan solo los sonidos fijados concertados en esta pieza de laboratorio: un trémolo ejecutado en un instrumento de cuerda sin especificar y lo que Stone denomina como 'aire en una pequeña cámara' o, en otras palabras, un conjunto de tonos generados al soplar sobre la boca de una botella. Mientras que el trémolo de cuerda irrumpe como sonar de base sin apenas variación y prolongado a lo largo de los cincuenta y cuatro minutos de la pieza, las muestras de sonidos aflautados, por su parte, aparecen y desaparecen inyectadas de un sutil dinamismo. Sonidos estos últimos que, alternando nitidez y deformación, en ocasiones parecen levitar prácticamente impasibles pero, en otras, sugieren tenues eventos melódicos. En cualquier caso, el efecto global de esa contextura que Stone elabora con la dedicación del mejor artesano minimalista es el de una música en suspensión, inquietante y sumamente frágil.

"Woo Lae Oak" CD: 1. 'Woo Lae Oak'. El libreto que acompaña al CD incluye las notas aparecidas en la edición original de 1983, una reseña de la pieza escrita por Phill Niblock, así como varias citas más de otros críticos.

Formato: CD; Duración total: 53:48

Eliane Radigue: "Transamorem - Transmortem"

Eliane Radigue

Transamorem - Transmortem

(IMPREC337)

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Eliane Radigue nace en París en 1932. Entre 1957 y 1958 estudió técnicas de música electroacústica con Pierre Schaeffer y Pierre Henry. Se casó con el famoso artista y escultor francés Arman (1928-2005) y dedicó prácticamente diez años de su vida a educar a sus tres hijos mientras ampliaba estudios de música clásica y practicaba instrumentos como el arpa y el piano. Trabajó un año en la escuela de artes de la Universidad de Nueva York y como artista residente en los estudios de música electrónica de la Universidad de Iowa y en el Instituto de las Artes de California. Su música para cinta, realizada con su inseparable sintetizador ARP, pronto atrajo la atención de la crítica por su originalidad y extrema pureza. Convertida al budismo tibetano, en 1975 cesó su actividad compositiva durante un tiempo. Al retomarla, en 1978, continuó utilizando su sintetizador ARP para componer, entre otras, piezas como "Triptych", la segunda y tercera parte de su producción "Adnos" y un importante ciclo de creaciones basadas en la vida del maestro tibetano Milarepa. Mención especial merece "Trilogie de la Mort", realizada entre 1985 y 1993 y considerada por algunos como su obra maestra.

Originalmente concebida como una instalación y realizada únicamente con los sonidos de un sintetizador ARP 2500, "Transamorem - Transmortem" (1973) fue estrenada en concierto en la sala The Kitchen de la ciudad de Nueva York, en marzo de 1974. Gracias a la iniciativa de Lionel Marchetti y Emmanuel Holterbach de digitalizar las primeras obras de la veterana compositora francesa, así como al empeño editorial de John Brien, dueño del sello estadounidense Important Records, "Transamorem - Transmortem" ve la luz por primera vez en este CD de reciente aparición.

«Esta cinta monofónica debería ser reproducida sonando en cuatro altavoces situados en las cuatro esquinas de una habitación vacía. Moqueta en el suelo. La impresión de distintos puntos de origen del sonido se produce por la localización de varias zonas de frecuencias y por los desplazamientos ocasionados por simples movimientos de cabeza en el espacio acústico de la habitación. Una leve luz reflejada en el techo, en el centro de la habitación, obtenida mediante iluminación indirecta. Varios proyectores de luz blanca de muy débil intensidad cuyos rayos, procedentes de distintos ángulos, acaban confluyendo en un único punto». Con estas palabras, Radigue describía, a grandes rasgos, la articulación de un trabajo instalativo cuya versión en disco resulta aquí de lo más sugestivo. Una mínima combinación de sonidos de su sintetizador, brotando con calmosa elegancia, parece prevenirnos de la formidable aventura perceptiva a la que vamos a asistir. Por delante disponemos de un amplio trecho para dejarnos arrastrar por la diversidad de matices de una corriente o continuo sonante que sólo el oyente más ausente percibirá como inamovible. Elaborada minuciosamente en la soledad de su estudio, su música electrónica siempre se muestra sutil y penetrante, marcada por una especial trascendencia personal y, por consiguiente, tan sólo apta a una escucha íntima, a una fruición sosegada. Una vez más, la austeridad estilística y de medios así como el largo discurrir del tiempo se antojarán como preceptos indispensables de su particular credo musical.

"Transamorem - Transmortem" CD: 1. 'Transamorem - Transmortem'. Al CD le acompaña un libreto de ocho páginas con varias fotografías, un texto en inglés a cargo de Emmanuel Holterbach y la reproducción de material gráfico de archivo correspondiente a la producción y difusión de la obra.

Formato: CD; Duración total: 67:02

Israel Martínez: "El hombre que se sofoca"

Israel Martínez

El hombre que se sofoca

(SR319)

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La actividad creativa de Israel Martínez (Guadalajara, México, 1979) se desarrolla fundamentalmente en los ámbitos de la composición electroacústica, la instalación sonora y la producción audiovisual. En la edición de 2007 del renombrado festival Ars Electronica, obtuvo el Premio de Distinción en la categoría de Músicas Digitales con su composición 'Mi Vida'. Desde 2003 ha actuado y presentado su trabajo en diversos países de América y Europa. Junto al artista multidisciplinar, también mexicano, Luis Felipe Ortega publicó en 2010 una colección de creaciones audiovisuales con el título "Triptych". Además, Martínez es responsable del proyecto musical Nebula 3, miembro del dúo de improvisación electrónica Lost Martínez y cofundador del sello discográfico Abolipop. Asimismo, escribe regularmente sobre música alternativa y cultura en varias publicaciones de su país.

Tras haber incluido ya la pieza 'Mi Vida' en "An Anthology of Noise & Electronic Music vol. 6" (SR290, 2010), el sello Sub Rosa repite publicando ahora, dentro de su nueva colección New Series Framework, "El hombre que se sofoca", una flamante creación electroacústica del joven artista mexicano que además representa su cuarta grabación en el mercado. Cuenta el propio Martínez que la lectura del afamado aunque también polémico libro "Punks de boutique", debut literario del autor francés Camille de Toledo, inspiró el título de esta nueva composición, no exenta tampoco de matices denunciadores. Producida a lo largo de tres años, entre 2007 y 2010, "El hombre que se sofoca" está compuesta de seis secciones, enlazadas sin solución de continuidad, configurando un relato musical imaginario, a la par intenso e inquietante. Martínez utiliza grabaciones ambientales, sintetizadores y herramientas digitales de procesamiento electrónico para dar vida a una música de sensaciones, evocadora de espacios desolados y que transita sin miramiento entre el hipnotismo y la palpitación, entre lo abstracto y lo reconocible. Acaso la confusión del individuo contemporáneo ante una sociedad inmersa en un claro proceso de deshumanización, constituya el motivo subyacente de esta obra de impecable realización y decididamente introspectiva. "El hombre que se sofoca" CD: 1. 'Weekend'; 2. 'There were people I'; 3. 'El hombre que se sofoca'; 4. 'Entrecruce'; 5. 'There were people II'; 6. 'Mere presence'.

Formato: CD; Duración total: 59:26

Varios Artistas: "Musica Futurista"

Varios Artistas

Musica Futurista - A cura di Daniele Lombardi

(CRSBOX0110)

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Dispongo de nuevos ejemplares de la que sin duda es la colección musical más completa a propósito del futurismo italiano. Mudima Edizioni Musicali y Cramps Music han unido esfuerzos en la realización de esta espléndida edición que reúne ocho discos compactos con una duración total que sobrepasa los quinientos minutos y que además cuenta con un precio razonablemente económico.

El primero de los discos contenidos en "Musica Futurista" incluye versiones pianísticas de temas musicales pertenecientes a Francesco Balilla Pratella, Silvio Mix, Franco Casavola, Daniele Napoletano, Virgilio Mortari, Luigi Grandi y Aldo Giuntini, así como una recreación de las cinco síntesis radiofónicas de Filippo Tommaso Marinetti, grabaciones originales de Antonio y Luigi Russolo y ejemplos sonoros de intonarumori reconstruidos; el segundo, lo ocupa "Metropolis", una extensa composición electroacústica de Daniele Lombardi realizada con algunos fragmentos musicales instrumentales y sonidos de intonarumori; el tercero, retoma una nueva selección de piezas futuristas italianas ejecutadas aquí por diferentes intérpretes y formaciones instrumentales; el cuarto, está dedicado a una serie de ejercicios de 'escritura vocal' interpretados por la cantante Gabriella Bartolomei; el quinto, presenta cuatro creaciones musicales de Francesco Giomi/Francesco Canavese, Alvin Curran, Fabio Cifariello Ciardi y Sylvano Bussotti compuestas en homenaje al legado inventivo de Luigi Russolo; el sexto, ofrece una colección de declamaciones de Marinetti grabadas entre 1920 y 1942; el séptimo, atiende fundamentalmente a la influencia que el movimiento tuvo en la música de otros compositores no italianos del primer tercio del siglo XX, incluyendo obras emblemáticas de Alexandr Mossolov, Henry Cowell y George Antheil, entre otros; finalmente, el octavo disco cierra la edición con realizaciones para solo flauta de tres partituras futuristas del compositor Leonardo De Lorenzo.

Cada uno de los CDs albergados en la colección viene con su propio libreto bilingüe (en italiano e inglés). Ocho libretos, pues, que cuentan con abundante información escrita, fotografías, ilustraciones y reproducciones de partituras y obras pictóricas. "Musica Futurista" ha sido un proyecto coordinado y producido por el compositor, pianista y artista visual Daniele Lombardi.

CD I: (Daniele Lombardi, piano) 1. Francesco Balilla Pratella 'La Guerra'; 2. F. B. Pratella 'Giorno di festa'; 3. Silvio Mix 'Due Preludi da "Stati d’animo"'; 4. S. Mix 'Profilo Sintetico Musicale di F.T. Marinetti'; 5. Franco Casavola 'Preludio a Prigioneri'; 6. F. Casavola 'Danza delle scimmie da "Hop Frog"'; 7. Daniele Napoletano 'Estratti Musicali'; 8. Virgilio Mortari 'Fox-Trot del Teatro della Sorpresa'; 9. Luigi Grandi 'Aeroduello Dinamositesi'; 10. L. Grandi 'Cavalli + Acciaio Meccanocavalcata'; 11. Aldo Giuntini 'The India Rubber Man'; 12. Filippo Tommaso Marinetti 'Cinque Sintesi per il Teatro Radiofonico'; 13. Antonio Russolo 'Corale'; 14. A. Russolo 'Serenata'; 15. Luigi Russolo 'Il risveglio di una città'; 16. - 19. L. Russolo 'Esempi sonori di Intonarumori'.

CD II: ('Metropolis' - Daniele Lombardi, intonarumori y música por ordenador) 1. 'La città che sale'; 2. 'Drops'; 3. 'Gorgogliatoremix'.

CD III: 1. Francesco Balilla Pratella 'Musica Futurista (Inno alla Vita)'; 2. F. B. Pratella 'Marcia Futurista'; 3. F. B. Pratella 'Preludio'; 4. F. B. Pratella 'Danza dei serpenti'; 5. F. B. Pratella 'Canzone di Mabima'; 6. F. B. Pratella 'Notturno'; 7. F. B. Pratella 'Giallo Pallido'; 8. Da Ardengo Soffici 'Tipografia'; 9. Franco Casavola 'Danza dell'elica'; 10. F. Casavola 'La canzone di Uriele'; 11. F. Casavola 'Campari'; 12. Carmine Guarino 'Simultanina'; 13. Ricky 'Macaroni'.

CD IV: (Gabriella Bartolomei, escritura vocal y voz) 1. 'Sensibilità numerica'; 2. 'Finale di partitura strawinskyana'; 3. 'Tipografia'; 4. 'Canzone Rumorista (ritmo cinese)'; 5. 'Stati d’Animo'; 6. 'Grande serata Futurista. Boccioni'; 7. 'Raggio. Ardengo Soffici'.

CD V: ('W Russolo') 1. Francesco Giomi/Francesco Canavese 'Sdeng'; 2. Alvin Curran 'Transdadaexpress-extraordinary renderings'; 3. Fabio Cifariello Ciardi 'Cara P'; 4. Sylvano Bussotti 'Variazione Russolo – slancio d’angoli'.

CD VI: (Filippo Tommaso Marinetti) 1. 'Parole in libertà'; 2. 'Definizione di futurismo'; 3. 'Bombardamento di Adrianopoli'; 4. '700 Km. all'ora'; 5. 'Spiralando sul porto di Napoli'; 6. 'Bombardamento di Adrianopoli'; 7. 'Ritratto olfattivo di una donna'; 8. 'Amanti simultanei'; 9. 'La morte della mula di batteria'; 10. 'La difesa del Passo Uarieu'; 11. 'Sintesi musicali futuriste'; 12. 'Simultaneità futurista di una battaglia aeronavale'; 13. 'Simultaneità futurista di patria e voluttà'; 14. 'Gli eroi della nostra guerra'; 15. 'Intervista radiofonica'.

CD VII: ('Zavod') 1. Alexandr Mossolov 'Zavod (Fonderia D'Acciaio)'; 2. Henry Dixon Cowell 'The Tides of Manaunaun'; 3. Arthur Honegger 'Pacific 231'; 4. H. D. Cowell 'Dynamic Motion'; 5. Malneck/Signorelli 'Capriccio Futurista'; 6. H. D. Cowell 'Antinomy'; 7. Mc Huges/M. Malneck 'Futuristic Rhythm'; 8. H. D. Cowell 'Aeolyan Harp'; 9. Walter Ruttmann 'Weekend'; 10. H. D. Cowell 'Sinister Resonance'; 11. Rodolfo De Angelis 'Brano del Manifesto del Teatro di Varietà'; 12. 'Quattro piano di sensualità in uno stabilimento di bagni'; 13. H. D. Cowell 'The Banshee'; 14. Julius Sergheievitch Meytuss 'The Dnieper Water Power Station'; 15. George Antheil 'Sonata Sauvage'; 16. H. D. Cowell 'Tiger'; 17. Alexandr Mossolov 'The Steel Foundry'.

CD VIII: (Leonardo De Lorenzo. Roberto Fabbriciani, flauta) 1. 'Sogno futuristico'; 2. – 14. 'Capriccio strambo d’un flautista eccentrico'; 15. – 17. 'Eccentric Futuristic Monstrosity'.

Formato: 8CD; Duración total: 503:42

Dub Taylor: "Lumière"

Dub Taylor

Lumière

(SR327)

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Dub Taylor nace el 22 de junio de 1948 en la ciudad californiana de Burbank. Además de ser compositor y artista visual, ha ejercido como productor discográfico, ingeniero de grabación y diseñador gráfico. Estudió con Richard Burger y Karlheinz Stockhausen y colaboró con Ernst Krenek produciéndole varias grabaciones musicales. En 1973, tras haber publicado en disco de vinilo su creación electroacústica 'Lumière', Taylor estableció el estudio Vargod para música electrónica y sonido grabado. Estudio en el que un año después compuso 'Variations on the Dudley Do-Right Theme'. Junto a Chris Kuchler fundó, en 1972, Varese International Productions, sello discográfico que con el tiempo crecería hasta convertirse, en 1977, en Varese Sarabande, posiblemente la firma editorial más importante en el ámbito de la música compuesta para el cine. Durante ese periodo, Taylor remasterizó grabaciones de Leonard Bernstein, Darius Milhaud y Miklos Rozsa, dirigió sus propios obras y también algunas interpretaciones musicales de Leopold Stokowski, Walter Gieseking y Lukas Foss. Asimismo, restauró las bandas sonoras originales de filmes clásicos como "Lawrence de Arabia" y "Casino Royale". En la actualidad, Taylor sigue desarrollando diversos proyectos creativos

Cuatro años después de haber publicado la primera parte de 'Lumière' en su "An Anthology of Noise & Electronic Music vol. 5" (SR290, 2007), el sello Sub Rosa vuelve a rescatar esta original obra, incluyéndola ahora íntegra en este nuevo CD que asimismo contiene la otra pieza electroacústica conocida del compositor estadounidense, 'Variations on the Dudley Do-Right Theme'.

En un ejercicio compositivo a medio camino entre la música concreta y la puramente electrónica, Taylor concibió 'Lumière’ como una suite de ruido. Si bien la gestación de la obra se remonta al año 1969, no fue hasta el periodo comprendido entre junio y octubre de 1972 cuando el compositor llevó a cabo su efectiva realización. Provisto de un sintetizador ARP 2600 y numerosas grabaciones ambientales, coleccionadas durante esos años, organizó con lucidez un alborotado collage musical de media hora de duración que, en momentos, acaso pueda evocar el sonar directo y algo estridente de alguno de esos célebres estudios parabólicos de Henri Pousseur. Aquí, no obstante, Taylor acabará dulcificando ligeramente esas omnipresentes ráfagas de sonidos electrónicos encrespados, material primordial de 'Lumière', mediante insistentes referencias a músicas populares, emisiones radiofónicas y televisivas, conversaciones y, en definitiva, a retazos de cotidianeidad. Por su parte, 'Variations on the Dudley Do-Right Theme' (1974) es un breve divertimento electroacústico basado en un fragmento de 'Dudley Do-Right of the Mounties', tema musical perteneciente a una famosa serie americana de dibujos animados de finales de los años sesenta y principios de los setenta, titulada "The Rocky and Bullwinkle Show". Manejando con agudeza los sonidos contenidos en tan solo veinte segundos de ese jocoso tema musical, Taylor exhibió otra vez su incuestionable dominio del medio a la par de una sorprendente frescura compositiva.

"Lumière" CD: 1. 'Lumière Part One'; 2. 'Lumière Part Two'; 3. 'Variations on the Dudley Do-Right Theme'.

Formato: CD; Duración total: 35:41

Michel Chion: "La vie en prose"

Michel Chion

La vie en prose

(brocoli 009)

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Compositor, realizador de cine y video, profesor e investigador, Michel Chion nace en Creil (Francia) en 1947. Tras haber cursado estudios literarios y musicales, trabajó en la Oficina de Radiodifusión-Televisión Francesa (ORTF), colaboró con Pierre Schaeffer en el Conservatorio Nacional de Música de París y ejerció como productor de las emisiones del Groupe de Recherches Musicales (GRM). También fue responsable de las publicaciones del INA-GRM, institución de la que fue miembro desde 1971 a 1976. Fue allí donde conoció a Robert Cahen, compositor y video-artista con el que colaboró asiduamente. Chion es autor de numerosos trabajos de música concreta y melodramas electroacústicos. Entre ellos destacan: "Le prisionner du son" (1972), "Requiem" (1973), "La tentation de Saint-Antoine" (1984), "Tu" (1977-85), "Gloria" (1994) o "L'Isle Sonante" (1998-2010). Como teórico trabaja en el estudio sistemático de las relaciones audiovisuales, materia de la que imparte clases en varios centros universitarios y escuelas de cine. Además de contar con veinticinco publicaciones a propósito de la música y el cine, Chion ha escrito multitud de artículos en la prensa francesa e internacional y ensayos acerca de compositores y realizadores como Pierre Henry, François Bayle, Charlie Chaplin, Jacques Tati, David Lynch y Stanley Kubrick. Su composición "Requiem" obtuvo en 1978 el Grand Prix du Disque de l'Académie du Disque Français y su creación audiovisual "La Messe de terre" (1996) fue galardonada asimismo con el Grand Prix de la ciudad de Locarno.

Si hace tan solo unos pocos meses el sello Nuun debutaba en el panorama discográfico con la publicación del melodrama electroacústico de Chion "Diktat" (1979, revisado en 2006), ahora es la firma editorial Brocoli la que tras presentar, en octubre de 2006, otro de sus inéditos melodramas, el primoroso "Tu" (1977-85), repite con el lanzamiento de este registro en doble disco compacto conteniendo una flamante creación del compositor francés. En esta ocasión se trata de "La vie en prose", una sinfonía concreta creada entre 2006 y 2009 en las ciudades de París, Montreal y Yokohama y revisada posteriormente hasta su definitiva versión de 2011.

Presentada en estreno mundial el 24 de marzo actual en el Café Oto de Londres, "La vie en prose" supone la culminación de una de las aspiraciones creativas de Chion: utilizar los medios de la música concreta para componer lo que él mismo ha denominado como una sinfonía de energía. 'Le chant des heures' (moderato), 'Le souffle court' (scherzo), 'Dans la chambre' (adagio) y 'Salut au jour' (allegro) son los cuatro movimientos que integran esta monumental producción musical realizada con múltiples sonidos analógicos y digitales que el compositor ha atesorado a lo largo de los últimos cuarenta años. Carente de un hilo narrativo determinado, la obra acoge personajes, diversas referencias a músicas populares y, sobre todo, esos sonidos primordiales, sonidos que transitarán generosos de un movimiento a otro exhibiendo indicios de vida propia. Chion parece haber dejado de lado su otrora inclinación hacia modos y contenidos perturbadores, para invocar aquí una expresividad más lúdica de su arte. Numerosos y concisos relatos de lo cotidiano, elaborados mediante expertos juegos de yuxtaposiciones, resonarán animosos en una extensa procesión celebradora de la vida. "La vie en prose" CD I: 1. - 7. 'Le chant des heures'; 8. 'Le souffle court'. CD II: 1. 'Dans la chambre'; 2. - 4. 'Salut au jour'.

Formato: 2CD; Duración total: 84:57

Varios Artistas: "9e concours international d'art radiophonique Luc Ferrari. Composer le réel"

Varios Artistas

9e concours international d'art radiophonique Luc Ferrari. Composer le réel

(Muse 11/1)

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El presente CD incluye las obras premiadas en la novena edición (2011) del concurso internacional de arte radiofónico Luc Ferrari, organizado por el Centro Nacional de Creación Musical, La Muse en Circuit (Alfortville, Francia). En esta ocasión, los artistas y compositores participantes debieron concurrir con una creación radiofónica original que atendiera a la idea de 'componer la realidad'.

El jurado compuesto por Olivier Bernard (SACEM – Division culturelle); André Defossez (Musiq3 – RTBF); Marcus Gammel (Deutschlandradio Kultur), Vicent Esteve y David Jisse (La Muse en Circuit); Anne Gillot (Espace 2 – Radio Suisse Romande; Philippe Langlois (Atelier de Création Radiophonique – France Culture); Christophe Ruetsch (Compositor); Marc Texier (Festival Archipel); y Christian Zanési (Compositor / Ina-GRM), decidió premiar las siguientes creaciones:

'Topographies nocturnes' – un paseo colectivo a ciegas, a la escucha de los sonidos de la noche- realizada en colaboración entre la artista radiofónica DinahBird (1975- ) y la performer y artista multidisciplinar Caroline Bouissou; 'Couvre-feux' –una reflexión a propósito de las nociones de identidad, frontera y territorio en un contexto de guerra- de la compositora y performer Floy Krouchi (1971- ); y finalmente, 'All In Time' –un evocador viaje del tiempo, guiado por la física, la filosofía y la poesía, e inspirado particularmente en la novela de H. G. Wells "The Time Machine"- compuesta por la artista sonora Sarah Boothroyd (1978- ). Las tres obras fueron asimismo presentadas en concierto el pasado 20 de marzo de 2011 en el marco del Festival Archipel (Ginebra, Suiza).

"9e concours international d’art radiophonique Luc Ferrari" CD: 1. DinahBird & Caroline Bouissou 'Topographies nocturnes'; 2. Floy Krouchi 'Couvre-feux'; 3. Sarah Boothroyd 'All In Time'. A la edición en CD le acompaña un libreto bilingüe (francés e inglés) de catorce páginas conteniendo descripciones de las piezas y notas biográficas de las autoras seleccionadas.

Formato: CD; Duración total: 64:39

Dimitri Voudouris: "...; UVIVI; ...; ONTA"

Dimitri Voudouris

...; UVIVI; ...; ONTA

(P21056-2)

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De origen griego aunque establecido en Sudáfrica, Dimitri Voudouris (1961- ) cursó estudios de Farmacia, Ciencia de la Religión, Antropología Socio-Cultural y Filosofía. A partir de los años noventa y de forma autodidacta inicia su carrera compositiva basada particularmente en la investigación de patrones de comportamiento psicoacústico en el individuo. Desde entonces ha compuesto obras instrumentales y electroacústicas así como varias producciones para teatro y danza. Sus intereses socioculturales le han llevado a investigar a propósito de la supervivencia de la música en el siglo XXI y acerca del impacto que la tecnología y los media tienen en el compositor. En 2003 fue nombrado director de NewMusicSA, una organización que promueve la difusión de la música contemporánea en Sudáfrica. Voudouris fue además artífice de Unyazi, el primer simposio-festival de música electrónica celebrado en el continente africano. Sus composiciones han sido difundidas en África, obviamente, aunque también en diversos países europeos, Canadá y Australia.

Tras un superlativo primer CD de Voudouris aparecido en 2006 en Pogus Productions ("'NPFAI.1'; 'Palmos'; 'NPFAI.3'; 'Praxis'"), Al Margolis, dueño del sello estadounidense, vuelve a insistir en la producción de nuestro protagonista publicándole en 2010 este nuevo monográfico de trabajos electroacústicos.

Un registro con excelente sonido y alto rango dinámico para una música del ciberespacio que Voudouris concibe a partir de algunas inquietudes de calado teórico. Así es, las cuatro realizaciones electrónicas aquí incluidas constituyen representaciones eminentemente abstractas de esas inquietudes: un estudio acerca de la interacción comunicativa entre el hombre y la máquina ( '...', para formación de veinticuatro altavoces robóticos y compuesta mediante ejercicios de síntesis del habla y tratamiento del sonido asistido por ordenador); ciertos efectos musicales obtenidos de la observación del tráfico rodado en Mozambique ('UVIVI', música por ordenador para una creación teatral de danza contemporánea); la exploración de la voz humana como un complejo de expresión oral, escrita y maquinal ('...', síntesis del canto para cuatro voces femeninas artificiales); y finalmente, la consideración de la movilidad del individuo en la gran ciudad y sus experiencias cotidianas en ella como posible modelo de interacción musical o práctica estética ('ONTA', para voz -Alecia Van Huysteen- y electrónica). Cuestiones o motivos todos ellos de endiablada complejidad cuya plasmación musical acaba resultando, sin embargo, de lo más estimulante. Voudouris obra con habilidad en materiales severamente procesados, dando forma a ambientes sonoros de una densidad y contundencia expresiva que rayan en lo alucinante.

1. '...' (2005-2008); 2. 'UVIVI' (2008); 3. '...' (2007); 4. 'ONTA' (2003-2005). Al CD le acompaña un libreto de doce páginas conteniendo descripciones y diagramas de las cuatro piezas así como notas biográficas.

Formato: CD; Duración total: 73:48

Ostravská Banda: "On Tour"

Ostravská Banda

On Tour

(Mutable 17544-2)

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Formada en 2005 por el compositor, director y flautista Petr Kotík, Ostravská Banda es la orquesta de cámara residente del célebre festival checo "Ostrava Days". Sus integrantes son jóvenes músicos europeos y estadounidenses cuyo interés primordial radica en la interpretación de música contemporánea. Cuatro han sido hasta ahora los directores principales de este conjunto: Petr Kotík (Nueva York / Ostrava), Roland Kluttig (Berlín), Peter Rundel (Berlín) y Ondrej Vrabec (Praga). El repertorio interpretado por Ostravská Banda incluye música de los compositores John Cage, Iannis Xenakis, Morton Feldman, Edgar Varèse, Luigi Nono, György Ligeti, Louis Andriessen, Elliott Carter, Christian Wolff, Petr Kotík, Alvin Lucier, Phill Niblock, Martin Smolka y Miroslav Srnka, así como de otros tantos autores jóvenes y emergentes. Además de su participación regular en las distintas ediciones del festival "Ostrava Days", destacan también sus actuaciones en las salas Carnegie Hall y Alice Tully de Nueva York, el Conservatorio de París, el Festival de Primavera de Praga, la Akademie der Künste de Berlín y el festival Musicadhoy de Madrid.

"On Tour", publicado por Mutable Music en 2011, supone su debut discográfico. Un doble CD con excelentes grabaciones en vivo de la orquesta obtenidas durante su gira europea de octubre y noviembre de 2010. El repertorio, audaz y de exigente ejecución, presenta dos piezas instrumentales compuestas por dos jóvenes promesas, el checo Petr Bakla y la polaca Paulina Zalubska; un clásico de la música experimental americana como el 'Concierto para Piano y Orquesta' de John Cage; una singular y muy refinada versión de la 'Pasión de Cristo' escrita por el compositor japonés Somei Satoh; la música virtuosa de 'Riti Neurali', partitura para violín y orquesta del italiano Luca Francesconi; y dos recientes creaciones para percusión de las que son autores Petr Kotík y el austríaco Benrhard Lang. Tres de las obras aquí incluidas cuentan además con las actuaciones solistas de Hana Kotková, violín; Thomas Buckner y Gregory Purnhagen, barítonos; y Joseph Kubera, piano. A la edición en digipack, le acompaña un libreto de doce páginas con diversas fotografías del grupo, notas biográficas, breves descripciones de las piezas y detalle de las ciudades visitadas en su gira europea así como del repertorio interpretado.

Ostravská Banda: Daniel Havel, flauta; Daniel Svoboda, clarinete; Stefan Most, corno; Jan Hyncica, trombón; Tamás Schlanger, percusión; Ádám Maros, percusión; Katerina Sabová, arpa; Conrad Harris, violín; David Danel, violín, Andrej Gál, violonchelo; Eduardo Olloqui, oboe; Stefanie Liedtke, fagot; Ladislav Kozderka, trompeta; Karel Malimánek, tuba; László Tömösközi, percusión; Darina Yanková, arpa; Ivan Siller, piano; Pauline Kim, violín; Peter Zwiebel, viola; Frantisek Vyrostko, contrabajo.

"On Tour" CD I: 1. Luca Francesconi 'Riti Neurali' (1991 / Hana Kotková - violín); 2. Petr Bakla 'Serenade' (2010); 3. Paulina Zalubska 'Dispersion' (2007); 4. Somei Satoh 'The Passion' (2009 / Thomas Buckner - barítono; Gregory Purnhagen - barítono; Canticum Ostrava). CD II: 1. John Cage 'Concert for Piano and Orchestra' (1957-58 / Joseph Kubera - piano); 2. Petr Kotík 'In Four Parts (2, 6 & 11 for John Cage)' (2009 / Tamás Schlanger, Ádám Maros, László Tömösközi - percusión); 3. Bernhard Lang 'Monadologie IV' (2008 / Tamás Schlanger, Ádám Maros, László Tömösközi - percusión).

Formato: 2CD; Duración total: 121:53