Varios Artistas: "Revista de arte sonoro 7"

Varios Artistas

Revista de arte sonoro 7
(RASCD7)

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Dispongo de diez ejemplares nuevos (todavía retractilados) del que fue el último número de la "Revista de arte sonoro" ((RAS)) que impulsó y publicó el Centro de Creación Experimental de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca. Entre 1996 y 2004 aparecieron siete entregas de esta publicación presentada en disco compacto. Un CD al que acompañaba siempre un generoso libreto con información acerca de las propuesta incluidas en él.

La difusión de obras y documentos sonoros vanguardistas de artistas, músicos, compositores y poetas, así como de algún que otro alumno de esa Facultad de Bellas Artes, constituyó el principal objetivo de los coeditores de ((RAS)): Javier Ariza, José Antonio Sarmiento y Kepa Landa. El número 7 y último de la revista fue el único ofrecido en doble CD. El primer disco contó con grabaciones pertenecientes a Raoul Hausmann, Salvador Dalí, Otto Muehl, Rolf Julius, Max Neuhaus, Jaap Blonk, Pierre Mariétan, Tres, Juan Antonio Lleó y Miguel Molina con Leopoldo Amigo. En el segundo, Manuel Rocha Iturbide nos descubrió algunas de las principales creaciones de arte sonoro realizadas en México entre 1960 y 2003.

"Revista de Arte sonoro 7":

CD1: 1. Raoul Hausmann 'Sound-rel' (4:18); 2. Salvador Dalí 'Entrevista' (7:44); 3. Otto Muehl 'Akt Natur' (5:25); 4. Rolf Julius 'For ears only' (9:46); 5. Max Neuhaus 'Sound Art' (4:54); 6. Jaap Blonk 'Schrorr Blorr Machine' (7:38); 7. Pierre Mariétan 'Klosque à Musique' (8:03); 8. Tres 'Sinfonía de sirenas #5' (8:00); 9. Juan Antonio Lleó 'Weyujoi 5' (4:43); 10. Miguel Molina / Leopoldo Amigo 'Mensaje Electroacústico de Navidad de S.M. a la Nación' (8:20).

CD2 (El arte sonoro en México): 1. Carlos Jiménez Mabarak 'El paraíso de los ahogados' (5:01); 2. Mathias Goeritz / Manuel Rocha Iturbide 'Pocos Cocodrilos Locos' (1:22); 3. Música de Cámara (Ángel Cosmos, Arturo Márquez, Juan José Díaz Infante) 'Sin Título' (2:09); 4. Ulises Carrión 'Hamlet for two voices' (2:08); 5. Daniel Lara 'Amplitud Modulada' (4:48); 6. Víctor Manuel Dávalos 'La salvaje costumbre' (5:40); 7. Felipe Ehremberg 'Maneje con precaución' (1:33); 8. Javier Álvarez 'Mambo a la Braque' (3:03); 9. Antonio Fernández Ros 'Terra Cotta' (3:48); 10. Germán Bringas / Julio Clavijo 'Delayuxta' (1:19); 11. Manuel Rocha Iturbide 'Parlantes' (5:51); 12. Mario de Vega 'Horten' (3:06); 13. Luz María Sánchez 'Radio 1' (6:01); 14. Machintosco (Víctor Romero, Miguel Hernández Montero, José Manuel Mondragón) 'El Santo ¡Cuántico!' (3:41); 15. Guillermo Galindo 'Maíz' (2:56); 16. Gabriel Orozco / Manuel Rocha Iturbide 'Línea de abandono' (9:01); 17. Antonio Russek 'Paisaje Circular' (4:02); 18. Iñaki Bonillas / DJ Sondera '28 light tones' (0:14).

2CD; Duración total: 139:14

Walter Marchetti: "Concerto per la mano sinistra in un solo movimento"

Walter Marchetti

Concerto per la mano siniestra in un solo movimento
(plana-M 40NMN.100-2)

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Gracias a la continuada labor editorial de las modestas discográficas Cramps Records, primero, y Alga Marghen, después, conocemos hoy una buena parte de la obra sonora y musical del artista y compositor italiano Walter Marchetti (1931-2015). La referencia más reciente que de él ha sido publicada es esta grabación efectuada el 29 de abril de 2015, en Valthermond (Países Bajos), de su "Concerto per la mano sinistra in un solo movimento" (1994).

Publicado tanto en vinilo como en CD -ambos en ediciones limitadas a las 300 unidades (Alga Marghen, 2016)-, el "Concerto per la mano sinistra" para piano fue la última composición inédita de Marchetti presentada en público antes de que el autor falleciera el 12 de mayo de 2015. El pianista Reinier van Houdt fue designado por el propio autor como el intérprete único de la obra.

El concierto pertenece a un conjunto de composiciones escritas entre 1994 y 1997 ('Con vista sui suoni', 'La perdita del tempo' y 'Otto o nove movimenti per quartetto d'archi') que marcan su retorno a la notación musical convencional. Un retorno que, sin embargo, no resultaría en menoscabo de su habituales prácticas performativas e instalativas, ni de su trabajo con sonidos grabados.

Marchetti retomó la notación convencional en gran medida para poder combatir precisamente la rigidez del aparato normativo que enfáticamente atribuía a la partitura musical. Aquí, en lugar de recurrir a una acción transgresora que afectase a la propia fisonomía de la escritura -el concierto consiste básicamente en una apacible atmósfera de acordes pianísticos sostenida a lo largo de escasos cuarenta minutos-, Marchetti optó por focalizar su ánimo crítico en una simple circunstancia paradójica. La que resulta de combinar la literalidad del título de la obra, "Concierto para la mano izquierda en un solo movimiento”, con la de una nota que dejó escrita para la ejecución de la misma: "El pianista está obligado a sostener con la mano izquierda un paraguas negro abierto sobre su cabeza durante toda la interpretación de este concierto".

El libreto incluido en la edición del CD cuenta con diversas fotografías y la traducción al inglés de un extenso texto de Gabriele Bonomo.

"Concerto per la mano sinistra in un solo movimento" CD: 1. 'Concerto per la mano sinistra in un solo movimento' (38:41).

CD; Duración total: 38:41

Tod Dockstader: "From the Archives"

Tod Dockstader

From the Archives
(ST-226)

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El tercer volumen del ciclo "Aerial", aparecido en 2006 en el sello Sub Rosa, constituyó el último registro musical conocido de Tod Dockstader (1932-2015). Sin embargo, y a pesar de una larga enfermedad degenerativa que con el paso de los años impediría a esta figura legendaria de la música electrónica seguir componiendo, su producción no finalizó con ese ciclo.

Hoy, merced a la generosidad de su hija, Tina Dockstader Kinard, y al meticuloso trabajo de producción de Justin H Brierly y Thomas Steenland, este último como dueño del sello Starkland, disponemos de una nueva grabación, "From the Archives", que nos descubre un conjunto de piezas desconocidas del compositor estadounidense. Las quince composiciones breves que el álbum reúne fueron seleccionadas de un total de 4.202 archivos sonoros hallados por Brierley en el ordenador personal de Dockstader.

Con la excepción de 'Big Jig', compuesta en 2005 y que por lo que vemos queda integrada en el disco a modo de "bonus track", todas las piezas fueron creadas entre 2007 y 2008. Además, la primera del programa, 'Super Choral', cuenta con material sonoro original de David Lee Myers, músico con el que Dockstader había colaborado anteriormente en los trabajos "Pond" (ReR Megacorp, 2004) y "Bijou" (ReR Megacorp, 2005). "From the Archives", su música electrónica, sigue reflejando el talante experimental del artista, nos confirma su capacidad para obtener de los sonidos que combina y transforma, texturas musicales de lo más sugestivas. La periodista y crítica Geeta Dayal, de quien la edición del CD que aquí presentamos incluye un texto introductorio -el libreto que acompaña al disco contiene asimismo textos de Thomas Steenland, Tina Dockstader Kinard y Justin H Brierley-, se refiere al álbum en los siguientes términos: «"From the Archives" suena radical y nuevo, tan fresco como si se hubiera hecho hoy. Y, sobre todo, esta música -como toda la de Dockstader- resulta continuamente placentera y tentadora...».

Tráiler oficial: "From the Archives" (Starkland, noviembre de 2016).

"From the Archives" CD: 1. 'Super Choral' (2007); 2. 'Chinese Morf' (2007); 3. 'Basement Passage' (2008); 4. 'Todt I' (2008); 5. 'Anat Loop' (2007); 6. 'First Target' (2008); 7. 'Whisper Smoothed' (2008); 8. 'Mystery Creak' (2007) 9. 'Creek Bells' (2007) 10. 'Creak Creek' (2007); 11. 'Odd Bells' (2008); 12. 'Todt II' (2007); 13. 'Piano Morf' (2007); 14. 'Choral Mix' (2007); 15. 'Big Jig' (2005).

CD; Duración total: 65:50

Michel Chion: "Musiques concrètes 1988-91"

Michel Chion

Musiques concrètes 1988-91
(Brocoli 019)

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'Dix études de musique concrète', 'Variations' y 'Crayonnés ferroviaires' son, respectivamente, las obras 29, 31 y 33 del catálogo musical de Michel Chion (Creil, 1947). Las produjo entre 1988 y 1991 en los estudios del Groupe de Recherches Musicales (GRM, París) y, entre 2006 y 2007, las revisó contando con la ayuda de Geoffroy Montel ('Dix études...') y Lionel Marchetti ('Variations' y 'Crayonnés ferroviaires'). Las tres son objeto de este reciente registro editado por Brócoli, el cuarto ya que el sello consagra a la música concreta del autor francés.

'Diez estudios de música concreta' es el primero de una serie de trabajos de índole más técnica y formal. Chion deja temporalmente de lado su característico énfasis poético de la celebrada misa "Réquiem" o de melodramas como "Tu" o "La Tentation de Saint Antoine", para centrarse en composiciones que nos ilustren acerca de los recursos propios de la música concreta. Justamente en 1988, año de creación de estos estudios, nuestro protagonista empieza a poner en práctica un procedimiento técnico que el mismo denominó como "crayonné". Consistió básicamente en explorar en la especificidad del soporte magnético analógico con el propósito de obtener de él resultados expresivos de alcance. Mediante minuciosas manipulaciones con el magnetófono de bobina abierta, que incluían desplazamientos diversos de la cinta sobre los cabezales de borrado y grabación, Chion producía un conjunto de sorprendentes sobreimpresiones sónicas.

Una buena muestra de la adopción del "crayonné" la encontramos, como decíamos, en estos diez concisos estudios a los que el autor se refiere como "Piezas de interior, austeras y ajustadas, obsesivas, donde se alterna lo seco y lo líquido, y que acaban por abrirse a un espacio más vasto y a un canto". Se revelan, efectivamente, como ejercicios precisos de combinación y oposición de distintos objetos sonoros que demandan claramente de una audición analítica.

Siguiendo con la predilección formalista del autor, iniciada con los estudios y que tendrá continuidad en sus 'Vingt-quatre préludes à la vie' (1989-91), las 'Variaciones' (1990) -segundo de los trabajos contenidos en el CD- parten de un tema original de un vals que resultó modificado y desmenuzado en múltiples fragmentos separados por instantes de silencio. El compositor pide al oyente que trate de reconstituir el vals mentalmente. La tecnología analógica seguirá sirviendo eficazmente aquí al designio de producir un catálogo infinito de texturas sonoras.

'Crayonnés ferroviaires' (1991), por último, fue concebida como una suerte de pieza-manifiesto; el efecto musical idóneo, podríamos decir, a la aparición, también en 1991, del elogiado ensayo del propio Chion "El arte de los sonidos fijados". Aquí las posibilidades creativas del magnetófono quedarán exhibidas no solo a través de la composición con sonidos que constituye esta fantasía sobre le ferrocarril, sino también a través de un alegato de viva voz que el compositor mismo va profiriendo de forma intermitente en el transcurso de la obra.

Tanto 'Dix études de musique conrète' como 'Crayonnés ferroviaires' aparecen en disco por primera vez.

"Musiques concrètes 1988-91" CD: 1. - 10. 'Dix études de musique concrète' op. 29, 1988 [Toucher Présence (1:45); Phrases (2:02); Mots (2:39); Rêverie (4:30); Craquements (1:54); Rixe (3:48); Fonte (1:48); Ménage (3:20); Manège (1:36); Cantique (5:54)]; 11. 'Variations' op. 31, 1990 (10:19); 12. 'Crayonnés ferroviaires' op. 33, 1991 (23:18).

CD: Duración total: 63:00

John Cage, Sun Ra: "John Cage Meets Sun Ra"

John Cage, Sun Ra

John Cage Meets Sun Ra
(The Complete Concert, June 8, 1986, Coney Island, NY)
(MHCD-020)

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Con voluntad de dar a conocer el sello americano Meltdown Records, fundado en 1986, sus dueños y directores artísticos, Rick Russo y Bronwyn Rucker, organizaron un concierto que reunió por primera vez a estas dos grandes figuras de la música experimental y del jazz de vanguardia, respectivamente: John Cage (1912-1992) y Sun Ra (1914-1993). El evento tuvo lugar el 8 de junio de ese 1986 ante unas 200 personas que se congregaron en Sideshows By The Seashore, un local próximo a la playa de Coney Island, destinado habitualmente a espectáculos circenses.

La grabación de ese concierto fue objeto del primer registro que publicó el sello al año siguiente, en 1987. Un vinilo que incluyó una selección de momentos destacados de la actuación de ambos artistas. Casi tres décadas después, Modern Harmonic / Sundazed Music rescata esa grabación para remasterizarla y reeditarla ahora en su versión íntegra que alcanza los 70 minutos de duración.

Dispongo solo de unas pocas unidades del CD "John Cage Meets Sun Ra. The Complete Concert, June 8, 1986, Coney Island, NY". Al disco le acompaña un libreto desplegable que en una de sus caras muestra varias instantáneas del encuentro entre ambos músicos y en la otra puede leerse una extensa crónica del evento escrita por uno de los asistentes al mismo, el escritor Howard Mandel.

Descrito en su día como un concierto lleno de electrónica disonante, florituras astrales, experimentaciones vocales y, como podríais esperar de Cage, momentos de profundo silencio, "John Cage Meets Sun Ra" nos parece, sin embargo, un documento sonoro de indudable valor histórico pero claramente endeble en lo musical.

"John Cage Meets Sun Ra" CD: 1. Rick Russo 'Introduction' 1:11; 2. Marshall Allen 'Untitled Wind Synthesizer Intro' 1:02; 3. Sun Ra 'Untitled Keyboard Solo 1' 6:44; 4. John Cage 'Empty Words (Vocal Solo)' 2:40; 5. J. Cage 'Empty Words (Silent Solo)' 3:03; 6. J. Cage 'Empty Words (Vocal Solo)' 4:46; 7. Sun Ra 'Untitled Keyboard Solo 2' 2:54; 8. Sun Ra 'We Hold This Myth To Be Potential' 2:41; 9. Sun Ra 'The Damned Air' 2:51; 10. J. Cage 'Empty Words (Vocal Solo)' 1:30; 11. J. Cage 'Empty Words (Silent Solo)' 2:37; 12. J. Cage 'Empty Words (Vocal Solo)' 4:01; 13. Sun Ra 'The Living Parable' 0:37; 14. Sun Ra 'This Is The Space Age' 1:25; 15. Sun Ra 'Untitled Keyboard Solo 3' 6:56; 16. Sun Ra 'Enlightenment' (featuring June Tyson) 2:28; 17. Sun Ra 'Untitled Keyboard Solo 4' 2:03; 18. J. Cage & Sun Ra 'Silent Duet' 2:14; 19. J. Cage & Sun Ra 'Empty Words & Keyboard' 5:24; 20. J. Cage & Sun Ra 'Silent Duet 2' 2:47; 21. Sun Ra 'Untitled Keyboard Solo 5' 10:05.

CD; Duración total: 70:00

M. Fontán del Junco, J. Iges, J. L. Maire (eds.): "Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España, 1961-2016."

Manuel Fontán del Junco, José Iges, José Luis Maire (eds.)

Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España, 1961-2016.
(ISBN: 978-84-7075-642-9)

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Dispongo de algunos ejemplares de este libro-catálogo publicado con motivo de la exposición "Escuchar con los ojos. Arte Sonoro en España, 1961-2016". Exposición producida por el Departamento de Exposiciones de la Fundación Juan March y que ha contado con José Iges y José Luis Maire como comisarios invitados. "Escuchar con los ojos. Arte Sonoro en España, 1961-2016." fue inaugurada en Madrid el pasado 14 de octubre y puede seguir visitándose hasta el 15 de enero de 2017.

En palabras de Manuel Fontán del Junco, director de Exposiciones de la Fundación Juan March y uno de los tres editores de la presente publicación, "Este libro-catálogo se presenta con la pretensión de acompañar a la exposición que lo ha hecho nacer, y como ella pretende narrar de un modo si no exhaustivo, sí lo más completo posible, la historia del sonido organizado con criterios artísticos en España desde los años sesenta del pasado siglo hasta el presente".

Sus páginas contienen textos de Albert Alcoz, Miguel Álvarez-Fernández, María Andueza, Javier Ariza, José Manuel Berenguer, José Manuel Costa, Francisco Felipe, Manuel Fontán del Junco, José Iges, Javier Maderuelo, José Luis Maire, Miguel Molina, Carmen Pardo, Antoni Pizà y Henar Rivière. También cuentan con abundante material gráfico, la catalogación de obras expuestas, un glosario, una bibliografía, y otros contenidos que nos remiten a march.es, un portal de acceso libre que la fundación pone a nuestra disposición con el propósito de complementar lo aquí tratado.

Por último, a modo de suplemento sonoro, el libro incluye un pequeño reproductor de mp3 con 45 obras sonoras pertenecientes a artistas y compositores como Luis de Pablo, Juan Hidalgo, Javier Maderuelo, Francisco López o Isidoro Valcárcel Medina, entre otros muchos.

Edita: Fundación Juan March, Madrid, 2016 / Editorial de Arte y Ciencia, Madrid, 2016. Encuadernación de tapa dura; 354 páginas; 25 x 20 cm.

Libro-catálogo + mp3

Otros títulos de interés:
Varios Autores: "MASE. Historia y Presencia del Arte Sonoro en España" (Libro)
Varios Autores: "I Muestra de Arte Sonoro Español" (Libro+DVD)

Ernstalbrecht Stiebler: "Unisono Diviso"

Ernstalbrecht Stiebler

Unisono Diviso
(WE0007)

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"Zeile für Zeile" es el título de una película sobre el compositor Ernstalbrecht Stiebler (Berlín, 1934) que Viola Rusche y Hauke Harder realizaron y presentaron en 2014. Con ella se contribuía a hacer algo más visible la interesante personalidad musical de este veterano autor alemán que además ejerció, entre 1969 y 1995, como productor radiofónico al frente del Departamento de Nueva Música de la Hessischer Rundfunk. Desde allí, Stiebler llevó a cabo una labor tenaz de promoción y difusión de la música de compositores experimentales, particularmente la de los integrantes de lo que se conoció como The New York School: John Cage, Morton Feldman, Earle Brown y Christian Wolff.

Su inclinación hacia los experimentadores americanos se remonta a su época formativa –alrededor de finales de los cincuenta-, cuando asistió en Darmstadt a varias conferencias impartidas por el propio Cage y tuvo ocasión de conocer la música de este y, especialmente, la de Feldman, que le causó una gran impresión. También en esos días asiste a un curso de composición instruido por Karlheinz Stockhausen en el marco de los Internationale Ferienkurse für Neue Musik (IFNM). Sin embargo, Stiebler pronto mostrará su incomodidad y rechazo por la complejidad matemática y tacticismo exhibidos en la propuesta serialista del autor de "Gruppen" y "Gesang der Jünglinge".

Una de las primeras partituras que escribió nuestro compositor fue 'Extension I' (1963) para trío de cuerda (Violín, viola y violonchelo). Contenida en el CD "Unisono Diviso" (Maria de Alvear World Edition, 2003) que aquí presentamos, 'Extension I' constituye su reacción manifiesta a las anteriores experiencias con la armonía y el contrapunto tradicionales, así como a las técnicas seriales aprendidas. Además, marca el punto de partida hacia lo que el propio Stiebler denominó como una "nueva continuidad elemental".

Prácticamente toda su música desde esa fecha se caracterizará por una obstinada exploración de la sonoridad en su complejidad. Cada nueva partitura que escriba la concebirá como un viaje recurrente al interior del sonido. Prescindirá de todo rasgo temático o de cualquier gesto retórico para centrarse plenamente en las cualidades del material sonoro utilizado. Por consiguiente, ya sea combinando esos tres instrumentos de cuerda en 'Extensión I' (1963), el clarinete, el violonchelo y el contrabajo en 'Extensión III' (1979), o los de toda una orquesta sinfónica en 'Unisono Diviso' (1999) –por hablar solo de los tres trabajos comprendidos en esta grabación-, Stiebler procede fundamentalmente de un mismo modo: proyectando una sucesión de líneas sonoras que, suspendidas en el espacio, envuelvan al oyente en un experimento perceptivo.

Apenas unos pocos sonidos cuyas alturas resultan muy próximas serán aquí llamados a coincidir, a compartir un mismo ambiente de continuada quietud mesurada. Más o menos mantenidos en el tiempo, seguidos o entrelazados, y repetidos una y otra vez, esos sonidos en suspensión deben contribuir a agudizar nuestra atención. Deben invitarnos a descubrir aquellos sutiles acontecimientos microtonales y aquellas leves inflexiones tímbricas que inevitablemente dimanan de la propia convivencia y del ejercicio interpretativo.

Producidas en el marco de la antes citada Hessischer Rundfunk, 'Extension I' y 'Extension III' fueron grabadas en 1998 y 1982, respectivamente. La primera de ellas llega aquí interpretada por el Trio Recherche (Melise Mellinger, violín; Barbara Maurer, viola; Lucas Fels, violonchelo). Y 'Extension III' cuenta con la ejecución de Hans-Wilhem Goetzke (clarinete), Susanne Müller-Hornbach (violonchelo) y Timm-Johannes Trappe (contrabajo). ‘Unisono Diviso’ fue grabada con ocasión de un concierto que ofreció la Orquesta Sinfónica de la Radio de Fráncfort, el 10 de septiembre de 1999, en el auditorio de la Hessischer Rundfunk.

"Unisono Diviso" CD: 1. 'Unisono Diviso' (1999) 29:03; 2. 'Extension I' (1963) 15:06; 3. 'Extension III' (1979) 18:00.

CD; Duración total: 61:54

Varios Artistas: "Landscape and Apocalypse"

Varios Artistas

Landscape and Apocalypse
(Obres per a conjunt instrumental i electroacústica)
(SR1507280)

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Prácticamente coincidiendo con el fallecimiento del músico y compositor Peter John Bacchus (1954-2016) el pasado nueve de julio, Solfa Recordings publicaba "Landscape and Apocalypse", un registro surgido de la colaboración musical entre la Fundació Phonos (Barcelona) y el conjunto instrumental, también barcelonés, Grup21, del cual Bacchus era fundador y director artístico. Contiene cuatro creaciones de música mixta representativas del repertorio que conjuntamente ofrecieron a lo largo de seis temporadas de conciertos, durante la primera década del presente siglo.

Los compositores Andrés Lewin-Richter (1937) y Gabriel Brncic (1942), vinculados estrechamente a Phonos, participan respectivamente en el CD con las obras 'Solars Vortices' (1985, para flauta, clarinete, violín, violonchelo, percusión y cinta electroacústica) y 'La Casa del Viento' (1996, para flauta clarinete, violín, violonchelo, piano y electroacústica). El disco incluye asimismo la composición del catalán Josep Maria Guix (1967) 'Landscape' (2000, para flauta, clarinete, violín, violonchelo, piano y electroacústica), por la que obtuvo el Premio SGAE de Jóvenes Compositores en su decimocuarta edición, y la pieza del compositor portugués João Pedro Oliveira (1959) 'Íris' (1999, para clarinete, violín, violonchelo, piano y electrónica).

Grup21: Peter John Bacchus, dirección artística; Jordi López, flauta y flauta en sol; Naüm Monterde, clarinete y clarinete bajo; María José Aznar, violín; Mark Freidhoff, violonchelo; Jordi Torrents, piano; Robert Armengol, percusión.

"Landscape and Apocalypse" CD: 1. - 5. Josep Maria Guix 'Landscape' (14:36); 6. Andrés Lewin-Richter 'Solars Vortices' (14:08); 7. - 10. João Pedro Oliveira 'Íris' (12:31); 11. - 12. Gabriel Brncic 'La Casa del Viento' (13:00).

CD; Duración total: 54:25

Karel Appel: "Musique Barbare"

Karel Appel

Musique Barbare
(SR420)

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El realizador y periodista holandés Jan Vrijman (1925-1997) produjo y dirigió en 1961 "The Reality of Karel Appel", un breve documental cinematográfico a propósito del trabajo de su amigo y compatriota, el pintor vanguardista Karel Appel (1921-2006). La banda sonora de la película incluyó 'Lyrics for Appel', pieza que el famoso trompetista estadounidense Dizzy Gillespie escribió para la ocasión, y varios fragmentos de "Musique Barbare", una composición de música concreta en tres movimientos creada por el propio Karel Appel.

Producida en el Instituut voor Sonologie, vinculado en ese momento a la Universidad de Utrecht (Paises Bajos), "Musique Barbare" acabó convirtiéndose en un álbum que publicaron en 1963 los sellos Wereldvenster Baarn (WVB) y Phillips. Cincuenta y tres años después de la aparición del registro, Sub Rosa lo reedita tanto en LP como en CD contando con la coproducción de la Fundación Karel Appel.

Presentada en un elegante digipak, la edición en CD -solo dispongo de unidades a la venta en este soporte-, viene con un libreto de veinticuatro páginas lleno de atractivas fotografías del artista tomadas por su también amigo y compatriota, el fotógrafo y cineasta Ed Van der Elsken (1925-1990). Asimismo se incluyen dos escritos de Jan Vrijman y breves notas biográficas de Appel, Van der Elsken y Vrijman.

Appel acometió la composición de "Musique Barbare" con el mismo talante impetuoso con el que venía abordando sus pinturas y esculturas. Talante propio de un creador inconformista y transgresor que confiaba principalmente en el poder transformador del gesto espontáneo. La paleta de fuentes sonoras de que se valió el autor incluyó un piano, diversos instrumentos de percusión, un órgano eléctrico y su propia voz exclamativa. A su disposición tuvo también un estudio de música electrónica y el compositor Frits Weiland, quien le asistió en el manejo de los dispositivos tecnológicos. El resultado de esa aventura musical no debería sorprender demasiado a aquel que conozca ya la bravura expresiva del arte de Appel.

En el que constituye el primer segmento del programa, 'Paysage Electronique', Appel nos presenta una sucesión abundante de figuras sonoras, obtenidas de la exploración del piano, que circulan frenéticas en un espacio imaginario habitado asimismo por otros tantos ruidos explosivos. Su 'Poème Barbare' consiste sencillamente en una suerte de rito musical primitivo para magnetofón, voz y percusión. Al ritmo de un fiero ataque continuado sobre esta, Appel profiere insistentemente, entre otros gritos, uno de sus lemas más célebres: "I do not paint, I hit!". La percusión sigue gozando de protagonismo, finalmente, en 'Le Cavalier Blanc'. Aquí, sin embargo, ofreciéndose en una ejecución más elaborada. También están presentes de nuevo, pero con un menor énfasis, las exclamaciones del artista, quien además pronuncia, sobre unos graves acordes de órgano y en un inglés muy mejorable, un breve discurso de tono apocalíptico. Y precisamente en las sonoridades del órgano eléctrico, que aparecen inquietantes en varias ocasiones a lo largo de la pieza, Appel alcanza su efecto musical más llamativo.

"Musique Barbare" CD: 1. 'Paysage Electronique' (11:37); 2. 'Poème Barbare' (3:29); 3. 'Le Cavalier Blanc' (12:46).

CD; Duración total: 27:57

Steve Roden, In Be Tween Noise: "Every Color Moving (1988 - 2003)"

Steve Roden, In Be Tween Noise

Every Color Moving (1988 - 2003)
(sns - 12)

00,00 € más gastos de envío - Agotado

Desde el pasado mes de junio está disponible esta antología de creaciones sonoras del artista Steve Roden (Los Ángeles, Estados Unidos, 1964). Publicada por el pequeño sello francés Sonoris, "Every Color Moving" consiste en una caja con 6CD que reúnen treinta y seis trabajos producidos entre 1988 y 2003, esto es, durante los primeros quince años de actividad compositiva del artista.

Mientras que los cuatro primeros discos contienen obras inéditas o que fueron objeto tan solo de pequeñas ediciones, hoy ya descatalogadas, los dos últimos recogen únicamente piezas que resultaron incluidas en diversas compilaciones. Además de los seis discos -encajados en sendas fundas de cartón cuyas portadas reproducen distintas creaciones visuales también del artista-, la caja cuenta asimismo con un amplio libreto donde encontramos un texto de presentación del autor, notas detalladas de cada una de las composiciones allí contenidas, así como una decena de fotografías y varias ilustraciones más.

Estamos, pues, ante una edición espléndida que nos permitirá fijar la consideración en el refinado arte sonoro de este creador intuitivo y prolífico. Creador al que además debemos asociar con la inclinación estética conocida como "lowercase". Término que el propio Roden ya empleó tiempo atrás para referirse a su disposición a explorar las ideas de humildad e intimidad a través de procesos creativos en trabajos tanto sonoros como visuales. En otras palabras, se trata de adoptar deliberadamente lo quieto, sutil o minúsculo como reacción ante la omnipresencia de voces estridentes en la cultura popular. Estas grabaciones son, indudablemente, resultado genuino de esta adopción.

A Steve Roden se le ha conocido también con el alias artístico "In Be Tween Noise".

"Every Color Moving (1988 - 2003)":

CD 1: 1. 'and go the great man' (1990); 2. 'trees' (c. 1987); 3. 'counting the ways and listening' (1993).

CD 2: 1. 'tube / fan / voice' (1995); 2. 'ash loop red island swarm' (1994); 3. 'cloud forms' (1994); 4. 'tree: sleep in heavenly peace' (1999); 5. 'of space enclosed' (1997).

CD 3: 1. 'that i couldn't breath' (2002); 2. 'bird sleeping, bird walking' (2001); 3. 'hanging garden' (version) (2000); 4. 'view' (bard version) (2002).

CD 4: 1. 'mint and ferns' (2000); 2. 'chamber music' (2003).

CD 5: 1. 'stars and moon' (1995); 2. 'heaven. open. purple. elastic.' (1998); 3. 'sar hon yenko' (1995); 4. 'fabafbabfafb' (1996); 5. 'meccano' (1995); 6. 'rain vienna window' (1996); 7. 'vein ítems is calm' (1997); 8. 'luminous color water' (1999); 9. 'arieto' (first study) (2000); 10. 'maa.lwah' (2001); 11. 'turnturnturn' (2000); 12. 'eleven zeros' (2002); 13. 'the presence of cooper' (2003).

CD 6: 1. 'vegetal oscillations' (1999); 2. 'mobile stabile' (2001); 3. 'heizlufter' (slight return) (2002); 4. 's.w.o.t.r.' (2002); 5. 'bookshelf: the titles of visible books' (2003); 6. 'to the pineal body' (2002); 7. 'giglio' (2002); 8. 'as slow as swarm' (2003); 9. 'for thomas wilfred' (2000).

6CD; Duración total: 416:00

Gen Ken Montgomery & Conrad Schnitzler: "GENCON Duets"

Gen Ken Montgomery & Conrad Schnitzler

GENCON Duets
(GD022)

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Algo más de un año después de la aparición del CD que aquí presentamos, "GENCON Duets" (GD Stereo, 2010), fallecía el compositor y artista alemán Conrad Schnitzler (1937-2011). Conocido por una amplísima producción en el campo de la música electrónica, así como por haber sido integrante, junto a Edgar Froese y Klaus Schulze, de los primeros Tangerine Dream y haber fundado el grupo Kluster, Schnitzler fue buen amigo del artista sonoro americano Gen Ken Montgomery (1957- ), con quien además colaboró de forma esporádica. Merecen mención el LP que produjeron conjuntamente hace casi treinta años, "New Dramatic Electronic Music" (Generations Unlimited, 1988), y, cómo no, varios conciertos octofónicos de música electrónica que ofrecieron utilizando múltiples reproductores de casete.

Otra propuesta fundada en la complicidad entre ambos creadores fue "GENCON Duets". En 1996, Schnitzler envió a Montgomery un CD conteniendo algunas piezas sencillas para piano solo que aquel había compuesto. Piezas en las que el pianista era, asimismo, el propio Schnitzler. Durante la audición atenta de esa música de escasa materia sonora y con cariz contemplativo -hecha de pocos acordes, notas aisladas y pequeñas figuras de índole resolutiva-, Montgomery advirtió con deleite como iba fusionándose en el ambiente acústico el ruido percutido de unos operarios trabajando en la rehabilitación de la fachada del edificio en el que se encontraba.

La sensación fascinó de tal modo al artista que decidió poner en marcha su grabadora de audio para poder capturar así el acontecimiento. La grabación resultante fue entonces remitida a Schnitzler que la acogió con la mejor de las reacciones. Sin embargo, este registro acabó extraviándose y, con el paso de los años, Montgomery quiso retomar el CD con la música pianística del alemán para combinarla con algunos fragmentos grabados pertenecientes a su colección de "Domestic Recordings". Son estos precisamente los duetos que ofrece este disco: sonidos de eventos cotidianos originados en el entorno doméstico y algunos en la calle (sorprende que, a pesar de lo acabado de contar, aún pueda aparecer y con especial protagonismo el repique del cincel sobre piedra o mortero), yuxtapuestos a esas estampas al piano.

Publicado en una edición limitada a las 300 unidades, "GENCON Duets" se presenta como un bello objeto. Consiste en una delgada cajita cuadrada (12,5 x 12,5 cm) y desplegable, hecha de cartulina, que alberga, además del CD, doce tarjetas con instantáneas impresas de los artistas, tomadas de un video titulado "Trans Berlin-Brooklyn Exchange" (1985). Todo el contenido gráfico de la edición fue realizado en impresión tipográfica o letterpress.

"GENCON Duets" CD: 1. - 7. 'GENCON Duets'.

CD; Duración total: 58:09

Otros títulos de interés:
Gen Ken Montgomery: "Pondfloorsample" (2CD)
Gen Ken montgomery: "Birds + Machines" (CD)