John Bischoff: "Audio Combine"

John Bischoff

Audio Combine
(NW80727-2)

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Compositor, intérprete y profesor, John Bischoff (1949- ) ha sido una figura destacada en la escena de la música experimental de San Francisco desde finales de los años setenta del pasado siglo. Estudió composición con Robert Moran, James Tenney y Robert Ashley. Junto a Jim Horton y Rich Gold fundó, en 1978, The League of Automatic Music Composers, considerada como la primera formación de música electrónica que utilizó diversos ordenadores conectados en red. Posteriormente fundó también The Hub, otro grupo similar con el que ha actuado desde 1985. Sus trabajos han sido presentados en conciertos en Estado Unidos y Europa y, además, cuenta con grabaciones publicadas en sellos como Artifact Recordings, 23Five y Lovely Music. En 1999, la Fundación para las Artes Contemporáneas en Nueva York reconoció su obra musical, otorgándole un premio dotado con 25.000 dólares. En la actualidad, sigue componiendo y ejerce como profesor asociado de música en el Mills College, en Oakland, California.

Más allá de su importante contribución al desarrollo de diversas herramientas informáticas destinadas a la ejecución de música electrónica en vivo, así como a la creación de formaciones musicales cuyos miembros actúan interconectados en redes de ordenadores y sintetizadores, Bischoff es además un magnífico compositor. Una buena prueba de ello la tenemos en su último registro, "Audio Combine".

Publicado en New World Records este 2012 y grabado en la sala de conciertos Littlefield, del mencionado Mills College, en enero de 2010 y mayo de 2011, el CD incluye una selección de cinco trabajos electrónicos pertenecientes a su producción más reciente. Creaciones musicales surgidas de la investigación y el ejercicio empírico y a las que el propio autor se ha referido, en ocasiones, como análogas a esculturas sonoras. Una música que reconoce elaborar desde el análisis y uso de las características intrínsecas del medio electrónico a su alcance: componentes de ruido de alta definición, márgenes tonales, imperfecciones, transiciones, matización digital y movimiento no lineal. Cualidades, todas o varias de ellas, evolucionando en el contexto variable de la interpretación en vivo.

A diferencia de otros compositores electroacústicos que en su habitual proceder emplean los sonidos ejecutados en instrumentos convencionales u otras fuentes acústicas con el propósito exclusivo de expandir los matices tímbricos de esos instrumentos o fuentes, Bischoff parece renunciar aquí a esta posibilidad. En su lugar, propone integrar ese material acústico en sus sistemas electrónicos e interactuar con él, de tal manera que cualquier sonido originado en la interpretación de un instrumento o en la manipulación de un objeto sea analizado en tiempo real y desencadene, por su parte, una respuesta autónoma en forma de nuevo sonido electrónico. En "Audio Combine" el principal valor composicional a considerar radica fundamentalmente en lo que Ed Osborn, en el ensayo contenido en libreto del CD, denomina como contrapunto expandido. Efectivamente, cualquier réplica electrónica generada por el sistema dará pie una vez más a la yuxtaposición de nuevos eventos interpretativos, y así continuará el proceso hasta que el compositor de por finalizada cada pieza.

Osciladores, una campana de juguete, una caja de música, un ukelele desafinado, un tambor de mano, un circuito analógico denominado crackle box, campanas acústicas y sintetizadas, una vara de metal amplificada y varios sistemas electrónicos informatizados, son básicamente los instrumentos y objetos generadores del material sonoro que Bischoff utiliza en estas realizaciones. Sonidos que, en definitiva, trata y combina con asombroso esmero.

"Audio Combine" CD: 1. 'Audio Combine' (2009); 2. 'Sidewalk Chatter' (2010); 3. 'Local Color' (2004); 4. 'Decay Trace' (2006); 5. 'Surface Effect' (2011). El CD viene con un libreto de dieciséis páginas incluyendo el ensayo de Ed Osborn 'Things Which Are Imperfect, and Things to Which the Term Imperfect Does Not Apply', una nota biográfica y créditos de la producción.

Formato: CD; Duración total: 60:00

F.C. Judd: "Electronics Without Tears"

F.C. Judd

Electronics Without Tears
(PUBINF003CD)

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Enhorabuena al artista audiovisual Ian Helliwell y al sello Public Information por haber rescatado del olvido la figura y obra del músico, inventor y escritor inglés Frederick Charles Judd (1914-1992).

Con la reciente publicación del CD "Electronics Without Tears", se rinde por fin cierto tributo al que posiblemente haya sido el pionero de la música electrónica más instructivo que haya existido en el Reino Unido. Aunque ciertamente resulte menos conocido que algunos de sus colegas contemporáneos como John Baker, Daphne Oram o Delia Derbyshire, miembros los tres del BBC Radiophonic Workshop, F.C. Judd, sin embargo, contribuyó también notablemente con sus actividades a la divulgación de nuevas formas de experimentar con el sonido utilizando recursos tecnológicos.

Su devoción por el medio radiofónico, unido a la formación técnica adquirida durante la Segunda Guerra Mundial trabajando con equipos de radar, le llevaron a desempeñar una considerable labor docente. Escribió numerosos artículos a propósito de la tecnología electrónica y la música en diversas publicaciones, particularmente en la revista Amateur Tape Recording. Además, dio conferencias y, a lo largo de su vida, publicó once libros sobre esta misma materia. Entre ellos: "Electronic Music and Musique Concrete" (1961) y "Electronics In Music" (1972).

A pesar de contar con escasa formación musical, Judd estableció su propio estudió en su casa en Woodford (Londres), donde trabajó incansablemente desde mediados de los años cincuenta hasta principios de los setenta componiendo piezas electrónicas y montajes sonoros experimentales tanto para su propio deleite como por encargo de productores cinematográficos, televisivos o publicitarios. Asimismo fundó un pequeño negocio de suministro de sonidos y efectos y junto a su socio, John Ratcliff, creó tres sellos discográficos (Castle, Contrast Sound Producitons y Recorded Tuition Limited) en los que tuvo oportunidad de publicar algunas de sus composiciones.

Otros de sus méritos fueron haber diseñado y fabricado un prototipo de caja de ritmos electromecánica así como un sintetizador experimental que consistía, básicamente, en una unidad de teclado controlada por voltaje con la que generar y dar forma a sonidos electrónicos. Además, Judd desarrolló un novedoso sistema con el que visualizar su propia música partiendo de un simple televisor en blanco y negro modificado. Invento al que denominó como Chromasonics. Lamentablemente, ni éste ni otros componentes de su estudio sobreviven en la actualidad. Su equipo fue vendido y la mayor parte de sus cintas se perdieron con su fallecimiento en 1992. Aun así, con algunas de las grabaciones que todavía conservaba su viuda Freda y otras composiciones publicadas en el pasado en Castle y Studio G, se ha confeccionado el programa de "Electronic Without Tears". El registro que contiene numerosas piezas breves y demostraciones realizadas en los años sesenta, constituye el mejor documento sonoro posible de su enorme ingenio y original música. La edición en digipack incluye un libreto de ocho paginas con un texto introductorio escrito por Ian Helliwell, breves notas al programa y algunas fotografías del artista y de su estudio.

Coincidiendo con la aparición de este CD, Ian Helliwell ha presentado además su documental: "Practical Electronica. The Sound World of F.C. Judd".

"Electronics Without Tears" CD: 1. 'China Bowl'; 2. 'Suspended Motion'; 3. 'Molecules In Space'; 4. 'Atoms In Action'; 5. 'Speed Through Space'; 6. 'Still Particles'; 7. 'Space Laboratory'; 8. 'This Is Fred Judd Here'; 9. 'Automation'; 10. 'Perpetua'; 11. 'This Loop Business'; 12. 'Tempotune'; 13. 'Well You May Have Noticed'; 14. 'Moving Pieces'; 15. 'Sprockets'; 16. 'Studio Equipment'; 17. 'Fright'; 18. 'Ghosts'; 19. 'Mysterioso'; 20. 'Fright Heartbeat'; 21. 'Spooks'; 22. 'Maniac Laughter'; 23. 'So Let's See'; 24. 'Broken Guitar'; 25. 'Weird Sounds'; 26. 'Space Links'; 27. 'Pseudocide'; 28. 'Fairground'; 29. 'Synthesize A Sound'; 30. 'Voltage Control 1'; 31. 'Voltage Control 2'; 32. 'Voix Angelique'; 33. 'Etude For Piano'; 34. 'Musique Concréte Is Fascinating'; 35. 'Cheery Bye'.

Formato: CD; Duración Total: 57:46

Noah Creshevsky: "Rounded with a Sleep"

Noah Creshevsky

Rounded with a Sleep

(P21063-2)

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Noah Creshevsky (Rochester, Nueva York, 1945) lleva componiendo música electrónica desde 1971. Fue alumno de Virgil Thomson en la Universidad del Estado de Nueva York, en Buffalo, y estudió también con Nadia Boulanger en París y con Luciano Berio en la prestigiosa Juilliard School. Entre 1994 y 1999 dirigió el Center for Computer Music de la Universidad de Brooklyn donde además ejerció como docente durante treinta y un años. Asimismo, ha sido miembro facultativo del Hunter College y de la mentada Juilliard School, así como profesor invitado en la Universidad de Princeton.

Su particular concepción del hiperrealismo preside prácticamente la totalidad de su producción musical electroacústica. Un término con el que alude tanto al origen de los sonidos que integran sus composiciones (fragmentos brevísimos de canciones, palabras y piezas instrumentales grabadas) como al tratamiento deliberadamente exagerado al que los somete. Además, Creshevsky distingue dos modalidades básicas de música hiperrealista: una, la que utiliza sonidos de instrumentos tradicionales llevándolos más allá de las capacidades del intérprete humano con el propósito de crear así la figura del superintérprete, ese hipotético virtuoso que trascenderá, en todo caso, las limitaciones de la ejecución individual. La otra, por su parte, procura simplemente integrar numerosos elementos sonoros de diversa procedencia con voluntad de desplegar un lenguaje musical inclusivo, expresivo y suficientemente versátil.

A esa primera clase de música hiperrealista parecen pertenecer las piezas contenidas en "Rounded with a Sleep" (Pogus Productions, 2011), su séptimo álbum en solitario. Un disco que incluye siete composiciones realizadas entre 2006 y 2011 y que, para la ocasión, cuenta con material interpretativo desmenuzado de Lisa Barnard Kelley y Tomomi Adachi (voces), Sherman Friedland (clarinete), Stuart Isacoff (piano), Juho Laitinen (violonchelo), Gary Heidt (voz y guitarra), Rich Gross (lap steel / banjo) y Orin Buck (bajo). El resultado es el de una música del apropiacionismo, plagada de yuxtaposiciones imposibles, extraordinariamente dinámica y, sobre todo, celebradora de lo excesivo.

"Rounded with a Sleep" CD: 1. 'Rounded with a Sleep' (2006); 2. 'La Sonnambula' (2010); 3. 'Lisa Barnard Redux' (2008); 4. 'What If' (2009); 5. 'Tomomi Adachi Redux II (Synchronism for vibraphone and playback)' (2011); 6. 'The Kindness of Strangers' (2009); 7. 'In Memoriam' (2008).


Formato: CD; Duración total: 48:02

Gabriel Brncic: "Barcelona. Músiques 1974-2011"

Gabriel Brncic

Barcelona. Músiques 1974-2011

(1CM0295)

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Gabriel Brncic-Isaza (Santiago de Chile, 1942) se formó en su país natal, con Gustavo Becerra-Schmidt en la Universidad de Chile y en Argentina, en el Instituto Di Tella de Buenos Aires, con Francisco Kröpfl, Gerardo Gandini y Alberto Ginastera, allí también conoció a Iannis Xenakis, a John Cage y a Luigi Nono de quienes ha recibido un importante estímulo. Desde finales de 1974 reside en España y ha tomado parte destacada en las diversas iniciativas para el desarrollo de la música actual colaborando con compositores, intérpretes e investigadores. Director artístico de la Fundación Phonos, fue también profesor de teoría de la composición en el máster en Artes Digitales y en el curso de Arte y Tecnología de la Universidad Pompeu Fabra y de composición y análisis en la Escuela Superior de Música de Cataluña.

Gabriel Brncic describe algunos aspectos que pueden definir al compositor del siglo XXI: la investigación sobre orientaciones estéticas que reúnen en un solo trazo el componente científico con la creación artística; el uso del sonido generado por los altavoces -la cultura del altavoz-; la informática que conduce la sintaxis y revela la materia sonora –un recuerdo de la música-, como procedimiento tácito de la técnica musical. La música como disciplina ancestralmente sistemática, -ligada al cálculo estricto- y como expresión sensible, pariente del lenguaje, un cálculo no interpretado.

Más de la mitad de la vida de Gabriel Brncic ha transcurrido en Barcelona, ciudad que quiere y en la cual vive y trabaja desde 1974. Ciudad que conoció en su infancia escuchando con admiración a los exiliados catalanes, amigos de su familia, que acudían a su casa de Santiago de Chile. Algunos de ellos eran músicos, pintores, editores... Ello creó un vínculo profundo con Cataluña a través de la música y el arte. Además, la figura central de Pau Casals tocando las Suites de Bach, la grabación de la Missa Solemnis de Beethoven por el Orfeó Català, las clases de música de cámara y de dirección de orquesta con el Maestro Agustí Cullell... fueron un poderoso aporte en su formación musical de adolescencia. A comienzos de 1975 por mediación del compositor Mesías Maiguashca, conoció a Andrés Lewin-Richter y a Josep M. Mestres Quadreny, a Rosa M. Quinto y a Lluís Callejo Creus, la totalidad de los fundadores de Phonos, hoy en día la Fundación Phonos.

Con ocasión del setenta aniversario del compositor y en agradecimiento a todos estos amigos, aparece este nuevo registro con seis de sus obras compuestas y grabadas entre 1974 y 2011. Incluye dos composiciones instrumentales para solistas, una electroacústica y tres mixtas. Al CD le acompaña un libreto trilingüe (catalán, castellano e inglés) de cuarenta y ocho páginas con abundante información a propósito del compositor, intérpretes y obras incluidas. Con "Barcelona. Músiques 1974-2011" (Columna Música, 2012), Projecte Phonos d’Edició inicia una nueva colección de música grabada.

"Barcelona. Músiques 1974-2011" CD: 1. 'Cueca para la exaltación de Jorge Peña Hen' (1974-1976, Dávalos-Cherubito, dúo de guitarras); 2. 'Contrabajo-Concert' (1991, Daniel Kientzy, saxofón contrabajo); 3. 'La casa del vent' (1996, Ensemble Mosaik, Berlín); 4. 'Variacions' (1975, Gabriel Brncic, sintetizador AKS); 5. 'Polifonia de Barcelona' (1983, Ensemble 2e2m, París); 6. 'Clarinen tres' (1986, Harry Sparnaay, clariente bajo).

Formato: CD; Duración total: 74:56

Pete Stollery: "Scènes"

Pete Stollery

Scènes

(IMED11111)

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Pete Stollery (Halifax, Reino Unido, 1960) estudió composición con Jonty Harrison en la Universidad de Birminghan y fue uno de los primeros integrantes del grupo de música acusmática BEAST (Birminghan ElectroAcoustic Sound Theatre). A lo largo de su carrera ha colaborado con artistas adeptos a otras disciplinas, particularmente a la danza y a la escultura, y ha desarrollado el diseño acústico de espacios como Dynamic Earth (Edimburgo), Magna (Rotherham) y St Patrick World, en Downpatrick (Irlanda del Norte). Stollery es además profesor de composición y música electroacústica y director del Estudio de Música Electroacústica de la Universidad de Aberdeen (Escocia). En 1996, junto a Alistair MacDonald, Robert Dow y Simon Atkinson, fundó invisiblEARts, un colectivo de artistas dedicado a difundir la música acusmática producida por compositores escoceses.

Cinco años después de la aparición de su primer álbum de creaciones electroacústicas, "Un son peut en cacher un autre", en empreintes DIGITALes (IMED 0678, 2006), la firma editorial quebequesa repite con la publicación de este nuevo CD del compositor y artista sonoro inglés. "Scenes" contiene seis nuevas obras producidas en estudios en Escocia y Francia entre 2004 y 2007. Tres de ellas, 'Still Voices', 'Resound' y 'Fields of Silence', surgen como complemento de su Gordon Soundscape, proyecto con el que Stollery aspira a trazar un exhaustivo mapa de sonidos del antiguo distrito Gordon en Aberdeenshire, Escocia. Concebidas como piezas acúsmaticas, 'Still Voices' y 'Fields of Silence' exploran respectivamente los entornos acústicos de una destilería y de unos campos de cosecha sitos en el citado distrito. Por su parte, el testimonio oral de algunos habitantes de Aberdeenshire acerca de su paisaje sonoro sirvió al autor en la realización de 'Resound', creación presentada a la vez como documental y proyecto instalativo.

'Back to Square One' abre el disco con una original composición a propósito del énfasis y musicalidad inherentes al relato radiofónico y televisivo en algunos eventos deportivos. Los sonidos proferidos por algunos locutores y comentaristas así como otros producidos por una serie de aficionados parisinos celebrando el pase de Francia a la final del Mundial del Fútbol de 2006, constituyen el material básico con el que cuenta Stollery para mostrar su incuestionable maestría en el uso de los recursos morfológicos. Compuesta para ser incluida en la producción teatral Standing Wave (Reeling & Writhing y Tron Theatre Company, 2004), 'Serendipities and Synchronicities' rinde homenaje a la desaparecida creadora inglesa Delia Derbyshire, pionera en la composición de música electrónica y autora, entre otras obras, del tema de la conocida serie televisiva Dr Who. Manejando, entre otras fuentes, varios fragmentos de realimentación electroacústica sujetos a ligeras modificaciones tímbricas, el crujido que emana de la reproducción de discos de vinilo y alguna que otra referencia al repertorio musical de Derbyshire, Stollery propone aquí un breve encuentro con el pasado sugiriendo la atmósfera y sonoridades del ya mítico BBC Radiophonic Workshop. Por último, en 'Scènes, rendez-vous' acompañamos al artista en un dilatado paseo sonoro por las calles de París, desde Boulevard Périphérique hasta la basílica Sacré-Coeur. Alternando con elegancia grabaciones ambientales de los lugares transitados ('escenas') y elaboraciones acusmáticas de esos mismos sonidos ('episodios'), Stollery rememora aquí el corto cinématográfico C'était un rendez-vous, del realizador Claude Lelouch, coincidiendo con el itinerario que el protagonista de la película, un Ferrari 275 GTB, recorrió en ella a velocidad vertiginosa en 1976.

Formato: CD; Duración total: 66:44

Varios Artistas: "Colección AMEE, vol. 3"

Varios Artistas

Colección AMEE, vol. 3

(ColecciónAMEE-volumen03)

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Presentamos el tercer volumen recopilatorio de música electroacústica que continúa la colección comenzada en 2009 y que tuvo su continuidad con la publicación en 2010 del segundo volumen. Este CD triple se presenta en el marco del XVIII Festival Internacional de Música Electroacústica Punto de Encuentro en diferentes ciudades de la geografía española. Recoge veintiséis creaciones de miembros de la Asociación con la vocación de documentar y difundir el trabajo de los compositores españoles implicados en el uso de las tecnologías como herramienta de trabajo y la búsqueda de nuevas posibilidades expresivas. (Gregorio Jiménez Payá, Presidente de la AMEE; Valencia, noviembre de 2011)

A la edición en atractivo digipack le acompaña un libreto de veintiocho páginas con breves descripciones de las piezas y notas biográficas de los compositores. Edita y produce: Asociación de Música Electroacústica de España.

"Colección AMEE, vol. 3" CD I: 1. Víctor Vallés 'Tensions'; 2. Vicent Gómez Pons 'For Josefa'; 3. Stefano Scarini y Julia Chiner 'Smu'; 4. Joan Bagés i Rubí 'AE(V3)'; 5. Reyes Oteo 'El Príncipe Carpa'; 6. Rafael Liñán 'Conjuro'; 7. Pere Vicalet 'Colapse'; 8. Pablo Vega 'Mirrors 02.Flowers'; 9. Oriol Graus 'Intangible'. CD II: 1. Juan José Eslava 'Under construction'; 2. Miguel Molina 'Composición tocada por la turbulencia de los mercados'; 3. Joaquín Medina Villena 'Ritmias'; 4. Miquel Àngel Múrcia i Cambra 'Funeral industrial de la tara'; 5. José López-Montes 'Mai Morente'; 6. José Andrés Prieto Franco 'Piano Sketches'; 7. Jaime Esteve Almeda 'SATZ 1.SLUM'; 8. Gregorio Jiménez 'Work in process'. CD III: 1. Carlos D. Perales 'tics, cracks, chops & other glamorous'; 2. Equipo Elevador 'Control'; 3. Enrique Mateu 'Escultura sonora 1'; 4. Diana Pérez Custodio 'Harmonía, hija de Afrodita'; 5. David Mantecón 'Agonía': 6. David Alarcón Folgado 'yo vivo (del despertar)'; 7. Ángel Arranz 'Electronic study (2009)'; 8. Andrés Lewin-Richter 'Omaggio a Berio: Sequenza per tuba'; 9. Alejandra Hernández 'Shine Mr.?'

Formato: 3CD; Duración total: 173:21

Otros títulos de interés:

Varios Artistas: "Colección AMEE, vol. 1 (3CD)

Varios Artistas: "Colección AMEE, vol. 2 (3CD)

Tod Dockstader & David Lee Myers: "Pond"

Tod Dockstader & David Lee Myers

Pond

(ReR TDDM1)

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Figura pionera de la música concreta, Tod Dockstader (Minnesota, 1932) cuenta con una dilatadísima aunque intermitente trayectoria como compositor e ingeniero de sonido. Ya desde sus primeros montajes sonoros, llevados a cabo a finales de los años cincuenta en los estudios de grabación Gotham, Dockstader haría gala de una constante vocación autodidacta y de una admirable, casi obsesiva, minuciosidad organizativa. "Luna Park" (1961), "Quatermass" (1964) y el ciclo "Aerial" (2003) son algunas de sus creaciones electroacústicas más destacadas. Por su parte, el artista sonoro y visual David Lee Myers (1949- ) lleva produciendo música electrónica basada en sistemas de realimentación acústica desde 1987. Primero bajo el seudónimo Arcane Device y más recientemente utilizando su propio nombre, Myers es autor de una veintena de grabaciones y ha colaborado con músicos y artistas como Ellen Band, Asmus Tietchens y Thomas Dimuzio.

Publicada en 2004 por ReR Megacorp, "Pond" es fruto de la primera colaboración musical entre ambos creadores. Una formidable obra electroacústica concebida en trece secciones y que parte de una serie de grabaciones ambientales que Myers y Dockstader realizaron en distintas charcas y arroyos. Su idea consistió en la captación de los sonidos producidos por animales que habitan en esos entornos, particularmente ranas y sapos, con el propósito de utilizarlos como material esencial de sus exploraciones. Sometidos a ejercicios de severa transformación electrónica, esos sonidos naturales alcanzaron así una dimensión inaudita. Sin embargo, lejos de erigirse en un simple catálogo de sonidos extravagantes, "Pond" despliega una lógica musical asombrosa, repleta de matices tímbricos e hipnóticos apuntes rítmicos; un imaginario acústico representado con motivos recurrentes y de singular belleza. Myers y Dockstader han logrado crear un misterioso y, en ocasiones, alucinante universo de sonido que exhibe un grado imponente de intensidad y complejidad (Bill Tilland – BBC Review). 

"Pond" CD: 1. 'Crepitata'; 2. 'Slow Marsh'; 3. 'Horsefly'; 4. 'Chorus'; 5. 'Surge'; 6. 'Glottalk'; 7. 'Assembly'; 8. 'Twango'; 9. 'Swarm'; 10. 'Bellpool'; 11. 'Springers'; 12. 'Pterygota'; 13. 'Corridor'. La edición incluye un libreto de ocho páginas con la transcripción de una de las conversaciones que mantuvieron ambos artistas a propósito de la realización de la obra.

Formato: CD; Duración total: 63:37

David Rosenboom: "How Much Better if Plymouth Rock Had Landed on the Pilgrims"

David Rosenboom
How Much Better if Plymouth Rock Had Landed on the Pilgrims
(NW80689-2)

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Compositor, intérprete y artista interdisciplinar, David Rosenboom (1947- ) es una de las figuras pioneras de la música experimental americana. A lo largo de su brillante trayectoria ha explorado formas musicales de generación espontánea y lenguajes de improvisación; ha participado en colaboraciones artísticas interculturales, producciones de arte performativo y proyectos multimedia. Es autor de un modelo composicional denominado propositional music y ha desarrollado innovadoras técnicas de escritura para formaciones interpretativas, así como un interfaz musical que permite la interacción con el sistema nervioso humano. En la actualidad Rosenboom sigue componiendo y ejerce como docente en la escuela de música del California Institute of the Arts.

La presente edición en doble disco compacto contiene realizaciones recientes de las nueve secciones de "How Much Better if Plymouth Rock Had Landed on the Pilgrims", una singular creación que Rosenboom compuso y desarrolló entre 1969 y 1971. Documentada por primera vez en su totalidad, "...Plymouth Rock..." abraza diversos estilos musicales e influencias y fue concebida como una ambiciosa composición basada en la prescripción de procesos evolutivos y una intensa actividad de colaboración con experimentados músicos. Como el propio Rosenboom indica al referirse a 'Section V (humanity)', la sección más extensa y posiblemente más popular de la obra: requiere que los músicos aprendan a tocar una serie de patrones melódicos con tremenda fluidez y agilidad y trabajen con ellos hasta que emerja la forma y estructura derivada de la escucha compartida y el ejercicio interpretativo. Ragas indios, minimalismo, jazz, rock e improvisación libre, se dan cita en una aventura musical que tiene su inspiración en el medio electrónico y que evoluciona gradualmente con la integración de instrumentos acústicos y virtuosas interpretaciones. "...Plymouth Rock..." es una obra magna que demuestra que un proceso que comienza con un circuito electrónico, en el transcurso de cuarenta años, puede llegar a codificarse, ejercitarse y permutarse para abarcar un mundo entero de estilos musicales, técnicas y experiencias. (Chris Brown)

"How Much Better if Plymouth Rock had Landed on the Pilgrims" CD1: 1. 'Section I esential tension to universe' (Erika Duke-Kirkpatrick, violonchelos); 2. 'Section II symmetrical harmonies in chaotic orbits' (David Rosenboom, electrónica y ordenador); 3. 'Section III world' (Vinny Golia, saxofones contrabajo); 4. 'Section IV life' (Erika Duke-Kirkpatrick, violonchelos; Vinny Golia, instrumentos de viento; David Rosenboom, grabaciones de campo); 5. 'Section V humanity' (Swapan Chaudhuri, tabla; Vinny Golia, instrumentos de viento; Aashish Khan, sarode; Daniel Rosenboom, trompeta; David Rosenboom, piano y ordenador; I Nyoman Wenten, pemade). CD2: 1. 'Section VI culture' (las bandas de rock PLOTZ y DR. MiNT); 2. 'Section VII impression' (David Rosenboom, piano; I Nyoman Wenten, pemade; William Winant, jegog y calung); 3. 'Section VIII unification' (Daniel Rosenboom, trompetas; David Rosemboom, piano, órgano y ordenador); 4. 'Section IX links' (David Rosenboom, piano y ordenador; I Nyoman Wenten, kendang; William Winant, marimba. La edición cuenta con un libreto de treinta páginas que incluye ensayos de Chris Brown y Sande Cohen a propósito de la pieza, así como notas biográficas del compositor e intérpretes.

Formato: 2CD; Duración total: 117:26

Gordon Monahan: "Seeing Sound / Sound Art, Performance and Music 1978-2011"

Gordon Monahan

Seeing Sound / Sound Art, Performance and Music 1978-2011

(ISBN: 978-1-926589-09-1)

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Nacido en 1956 en la ciudad canadiense de Kingston, Gordon Monahan es compositor, artista sonoro, performer, pianista y musicólogo. Sus obras para piano, altavoces, vídeo, esculturas cinéticas y entornos sonoros, abarcan varias disciplinas, desde la música de concierto vanguardista a la instalación multimedia y el arte sonoro. Como compositor y artista sonoro, Monahan combina ciertos aspectos cuantitativos y cualitativos de los fenómenos acústicos naturales con elementos de la tecnología, el medio ambiente, la arquitectura, la cultura popular y la performance.

Publicada con ocasión de una reciente exposición retrospectiva del artista, organizada por la galería Robert McLaughlin (Oshawa, Ontario) en colaboración con otras seis instituciones canadienses, "Seeing Sound / Sound Art, Performance and Music 1978-2011" constituye la primera monografía exhaustiva a propósito de su obra y trayectoria. Se trata de un espléndido libro de tapa dura (25 x 19,5 cm.) y edición trilingüe (inglés, francés y alemán), cuyas 160 páginas contienen, además de abundantes fotografías y diverso material gráfico, un prólogo a cargo de los editores del libro (Linda Jansma y Carsten Seiffarth), la transcripción de una entrevista a Monahan realizada por Matthias Osterwold, los artículos de Earl Miller 'Gordon Monahan / Record, Replay, Reveal' y Gabriele Knapstein 'Puzzles of Nature and Technology: Gordon Monahan’s Water Music', descripciones de una cuarentena de sus creaciones, su discografía, bibliografía y biografías de los colaboradores. Al libro le acompaña asimismo un DVD de ochenta minutos de duración con grabaciones audiovisuales de catorce de sus obras producidas entre 1986 y 2010. Un sensacional documento, en definitiva, con el que conocer las ideas, técnicas y procedimientos de este importante y talentoso creador, autor de verdaderos hitos en los ámbitos de la performance musical y el arte sonoro como son 'Speaker Swinging' o 'Long Aeolian Piano'.

"Seeing Sound / Sound Art, Performance and Music 1978-2011" DVD: 1. 'Speaker Swinging' (1982/1987); 2. 'A Magnet That Speaks Also Attracts' (1986); 3. 'Long Aeolian Piano' (1986); 4. 'Aquaeolian Whirlpool' (1990); 5. 'Aquaeolian Music Room' (1991); 6. 'Sounds and the Machines That Make Them' (1994); 7. 'Spontaneously Harmonious in Certain Kinds of Weather' (1996); 8. 'When it Rains' (2000); 9. 'New and Used Forniture Music' (2003/2005); 10. 'Aeolian Winds Over Claybank, Saskatchewan' (2007); 11. 'Theremin Pendulum' (2008); 12. 'Syncopated Precipitation' (2009); 13. 'Space Becomes the Instrument' (2009); 14. 'Sauerkraut Synthesizer' (2010).

Formato: Libro+DVD: Duración total DVD: 80:58

Wolf Vostell: "Dé-Coll/Age Musik"

Wolf Vostell

Dé-Coll/Age Musik

(TA101/2011)

14,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

Wolf Vostell, nacido en Leverkusen (Renania) en 1932, fue uno de los más importantes integrantes del movimiento artístico y filosófico Fluxus y uno de los artistas multimedia más relevantes de la segunda mitad del siglo XX. Creador de un arte en contacto y conflicto directo con la vida y la sociedad de su tiempo, Wolf Vostell fue un ingeniero de la vida y como tal le gustó experimentar con todos los materiales disponibles: utilizó los medios gráficos, fotomecánicos (fotografía), electroacústicos (micrófonos y osciladores), pintura al óleo, acrílica, con cemento, cobre, plomo; objetos-partituras, conciertos de música, ambientes, acciones y happenings, cuadros-objeto, vídeo... Todo ello unido mediante su concepto de dé-collage. Además, fue el primer artista del siglo XX que emplea el aparato de televisión en sus obras, detrás del lienzo de sus cuadros-objeto y sus piezas de automóviles.

Sin embargo, el material musical de Wolf Vostell está disperso y sus aportaciones a este campo no han sido tan analizadas como su material escultórico o sus happenings, pero es esencial y se encuentra en todo su trabajo. (*)

Una buena manera de atender a la dimensión sonoro-musical de la obra de Vostell es, sin duda, a través de la audición de "Dé-Coll/Age Musik", reedición en CD (Tochnit Aleph, 2011) del disco de vinilo publicado en 1983 por la Fondazione Mudima. Incluye breves grabaciones de trece de sus realizaciones efectuadas en Europa y Estados Unidos entre 1959 y 1981. Acciones, creaciones ambientales, performances y happenings en los que Vostell lleva a cabo sorprendentes ejercicios de descomposición manejando objetos cotidianos y múltiples fuentes sonoras amplificadas. Presentada en un espléndido digipak, la edición contiene un libreto de dieciséis páginas con imágenes ilustrativas de algunas de las producciones más destacadas del creador alemán.

"Dé-Coll/Age Musik" CD: 1. 'Radio dé-coll/age' (1959, interpretado por Vostell); 2. 'Dé-coll/age Manifesto' (1961, Happening, performance realizada por Vostell); 3. 'Sun in your Head' (1963, Happening, Técnico: Jaap Speck); 4. 'El aeropuerto como sala de concierto' (1964, Ulm); 5. 'Elektronischer dé-coll/age Happening Raum' (1968, Ambiental); 6. 'Telemetre' (1969, Mónaco, Ambiental); 7. 'MiM' (1969, Colonia, Ambiental); 8. 'Hochspannung' (1970, Aachen, Ambiental); 9. 'Fandango' (1975, Milán, Acción ambiental); 10. 'Heuwagen' (1977, Essen, Happening); 11. 'Giovanna La Pazza' (1980, Florencia, Ambiental); 12. 'San Diego Freeway' (1980, Los Ángeles, Happening); 13. 'Garden of Delices' (1981, Berlín, fragmento de la Ópera-Fluxus).

(*) El texto en letra cursiva al inicio de este anuncio pertenece al artículo "Wolf Vostell: La vida como ruido" de Ana María Sedeño Valdellós, Doctora en Comunicación Audiovisual (Facultad de Ciencias de la Comunicación, Univ. de Málaga). Artículo que fue publicado en octubre de 2006 en la revista online "Sinfonía Virtual".

Formato: CD; Duración total: 44:41

Michael Byron: "Dreamers of Pearl"

Michael Byron

Dreamers of Pearl

(NW80679-2)

15,95 EUR más gastos de envío - Pídelo

Considerado por algunos como uno de los compositores de la segunda generación de minimalismo musical de la Costa Oeste de los Estados Unidos, Michael Byron (1953- ) estudió con James Tenney en el Instituto de las Artes de California y posteriormente con Richard Teitelbaum en la Universidad de York (Toronto, Canadá). Es autor de unas cincuenta obras instrumentales que han sido interpretadas por destacados solistas y formaciones como Sarah Cahill, el cuarteto FLUX, Joseph Kubera, Jenny Lin, Aki Takahashi y la William Winant Percussion Ensemble. Además de haber recibido numerosos encargos musicales y disfrutado de distintas residencias artísticas, Byron ha sido becado por la National Endowment for the Arts, el New York State Council on the Arts y el Ontario Arts Council. Además, ha ejercido como docente en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de York y fue el artífice, a mediados de los años setenta, de Pieces, una serie de tres publicaciones que documentaban aspectos diversos de la obra de compositores americanos experimentales.

Escrita entre 2004 y 2005 para el célebre intérprete Joseph Kubera, "Dreamers of Pearl" es una extensa y compleja composición para piano que el propio Byron describe como una larga sucesión de operaciones contrapuntísticas abstractas. De notación meticulosa y compuesta de tres movimientos (rápido-lento-rápido) de similar duración, la obra exhibe una clara inclinación hacia recursos composicionales asociados al minimalismo musical clásico si bien enriquecidos por graduales modulaciones del material sonoro, efectivos rompecabezas rítmicos y una notable inmersión en la textura contrapuntística. ‘Dreamers of Pearl pertenece a una clase inusual de música reciente para piano -composiciones monumentales de gran duración, belleza e intensidad- deliberadamente ligadas a géneros pianísticos tradicionales y cuyas estructuras profundamente arraigadas, aunque también ingeniosas y emocionantes, animan tan sólo a unos pocos pianistas valientes a dedicarse con entusiasmo a estas piezas a menudo despiadadamente difíciles’ (Amy C. Beal). 

"Dreamers of Pearl" CD: 1. 'Enchanting the Stars'; 2. 'A Bird Revealing the Unknown to the Sky'; 3. 'It Is the Night and Dawn of Constellations Irradiated'. Grabado en la Academia Americana de las Artes y las Letras, en la ciudad de Nueva York, entre el 14 y 15 de noviembre de 2007. Publicado en 2008 por New World Records. La edición incluye un libreto de veinte páginas con un ensayo a cargo de la profesora estadounidense Amy C. Beal, varios fragmentos de la partitura de "Dreamers of Pearl" y notas biográficas de Byron y Kubera.

Formato: CD; Duración total: 53:24