Agostino Di Scipio
Hörbare Ökosysteme
(rz 10015)
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La historia y teoría crítica de las tecnologías musicales así como la investigación en el ámbito de la música por ordenador constituyen las principales materias de dedicación en la carrera del compositor y artista sonoro Agostino Di Scipio (Italia, 1962). Concebidas a modo de instalaciones, performances o piezas para concierto, sus obras tienen en el tratamiento electroacústico del sonido el aliado esencial. Un recurso que, además de utilizarlo con profusión, a menudo ha contribuido a desarrollar él mismo.
Este registro monográfico aparecido en Edition RZ en 2005, "Hörbare Ökosysteme" (Ecosistemas audibles), reúne algunos ejemplos de la música electrónica en vivo que el autor produjo entre 1993 y 2005. Dos de las cuatro composiciones incluidas cuentan con la participación de instrumentistas (Ensemble Mosaik, en sexteto, en 'Texture / Multiple' y el cuarteto de cuerda Prometeo en '5 Interazioni Cicliche Alle Differenze Sensibili'), y todas ellas surgen de la aplicación de estrategias de interacción musical. Di Scipio congrega aquí y pone en juego diversas fuentes de sonido, una unidad de procesamiento digital (DSP), posibles intérpretes y un espacio de ejecución/difusión con el propósito de explorar su actividad intercomunicativa y poner de manifiesto la consiguiente producción de efectos. Y es que su música atiende primordialmente a todas aquellas influencias que el sonido encuentra en su camino, desde la fuente de la cual emana hasta nuestra percepción del mismo. Por ello, confía su entramado de interacciones a un tratamiento sonoro dinámico, capaz de adaptarse en todo momento a las propiedades acústicas del espacio en el que la exploración tenga lugar.
Además, en la serie de piezas que conforman esos 'Hörbare Ökosysteme', el trabajo más reciente contenido en el disco y también el de mayor duración, el compositor italiano propone un sistema interactivo autorregulador, apto para finalizar y volver a reiniciar la actividad ante cualquier disfunción que afecte a su equilibrio. Un sistema en el que todos los componentes son equivalentes y comparten idéntica responsabilidad en el objetivo común de su sostenimiento. Sonidos discretos de naturaleza sintética o "concreta" (ruido ambiental y vocalizaciones) difundidos a través de altavoces en un entorno determinado y convenientemente tratados por una unidad DSP, recibirán de aquel su propia impronta acústica en un proceso de reciprocidad ideal. Dice Frank Gertich, autor del texto incluido en el libreto del CD, que en estos casos: El sonido no sólo proporciona el material en bruto sino que también impulsa el despliegue del trabajo en general. Aquí, el sonido (su forma: timbre) constituye el único medio de comunicación y la única interconexión.
"Hörbare Ökosysteme" CD: 1. 'Texture / Multiple' (1993); 2. - 3. 'Craquelure (2 pezzi Silenziosi, A Giuliano)' (2002); 4. - 8. '5 Interazioni Cicliche Alle Differenze Sensibili' (1997-98); 9. - 13. 'Hörbare Ökosysteme' (2002-05).
Formato: CD; Duración total: 68:58
Arf Arf
Arf Arf
(TA114)
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El sello berlinés Tochnit Aleph presenta, en una edición limitada a 500 unidades, este DVD con una selección de trabajos pertenecientes al grupo de artistas, poetas y realizadores cinematográficos australianos Arf Arf. Formado por Marisa Stirpe, Frank Lovece, Michael Buckley y Marcus Bergner, el grupo estuvo activo entre 1985 y 2000, periodo durante el cual efectuaría abundantes actuaciones en Australia y Europa. Actuaciones, por lo general, audaces y altamente estimulantes, surgidas básicamente de la combinación de prácticas artísticas como la poesía sonora y la performance.
¿Qué es lo que estamos haciendo?, se preguntaban sus miembros al poco de iniciar su andadura. A lo que respondían decididamente: Un sonido seguido de otro. Rehabilitar nuestros pulmones. Redefinirnos. Arf Arf utiliza el texto escrito, el dibujo y la notación musical como puntos de partida para la producción de sonidos. En sus interpretaciones, leen, recitan, proclaman, cantan o gritan sus partituras y, al mismo tiempo, gesticulan, caminan, saltan o giran sobre sí mismos. En ocasiones, se acompañan de algún que otro instrumento musical, de varias personas del público, de familiares, de un perro o, se sirven incluso, de otros objetos cotidianos como un conjunto de naipes, lápices, varias sierras y martillos, etc... Propuestas, en fin, perturbadoras y en las que felizmente parece imperar una lógica del sinsentido.
El evento en directo es su principal seña de identidad. De hecho, el grupo sólo pareció reconocerse plenamente vivo en ese hábitat y, a menudo, receló de la fijación sonora y/o visual de su obra. Sin embargo, y debido a las aptitudes de sus integrantes en el ámbito de la realización cinematográfica, hoy contamos, afortunadamente, con diversos documentos audiovisuales de su producción. De las cinco películas breves incluidas en el DVD, tres de ellas se corresponden propiamente con filmaciones de actuaciones poéticas realizadas por el grupo o por varios de sus miembros ('Arf Arf/85', 'Thread of Voice' y 'The Broken Jug'), mientras que 'Doppelganger Films' y 'Work' consisten en verdaderas creaciones visuales acompañadas de la música y los sonidos ejecutados por Arf Arf. De todas ellas, 'Thread of Voice' destaca particularmente por su realización y significativa difusión, además de por contar con la aparición del gran poeta británico Bob Cobbing y su formación Koncrete Canticle.
Al DVD le acompaña un libreto de dieciséis páginas con numerosas fotografías en blanco y negro y textos en inglés acerca del grupo y de las filmaciones incluidas.
Arf Arf DVD: 'Arf Arf/85' (realización: Arf Arf; 12 minutos, blanco y negro, 1985); 'Thread of Voice' (realización: Arf Arf; 19 minutos, blanco y negro, 1993); 'The Broken Jug' (realización: Franck Lovece y Marisa Stirpe; 4 minutos, 1983); 'Doppelganger Films' (realización: Marcus Bergner; 14 minutos, color, 1985); 'Work' (realización: Michael Buckley; 12 minutos, color, 1985/1986).
Formato: DVD; Duración total: 60:00
Varios Artistas
A Young Person's Guide to the Avant-Garde
(LTMCD 2569)
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Con "A Young Person's Guide to the Avant-Garde", aparecido este pasado mes de julio, ya son veinte los títulos que integran el catálogo de grabaciones de arte de vanguardia que publica LTM Recordings. El autor, productor y dueño del sello, James Nice, lleva años dirigiendo esta colección con un rigor y buen gusto encomiables. Para esta ocasión, propone una guía sonora acerca de la música y modernismo en el siglo XX.
Presentada en un doble CD conteniendo veintiséis piezas, la guía atiende, pues, a algunos de los principales hitos que la pasada centuria deparó en lo concerniente a las diversas expresiones de avanzada musical surgidas en Occidente. Así, además de piezas originadas en el transcurso de vanguardias históricas como el futurismo, el dadaísmo y el surrealismo, la colección comprende también, entre otros, ejemplos de música maquinista, poesía fonética, composición electroacústica y música experimental. Entre los autores incluidos, figuran nombres como los de Erik Satie, Luigi Russolo, George Antheil, Marcel Duchamp, Jean Cocteau, Kurt Schwitters, Igor Stravinsky, John Cage o Karlheinz Stockhausen.
Completa la edición de "A Young Person's Guide to the Avant-Garde" un libreto de doce páginas con un estupendo texto en inglés del propio James Nice y fotografías todos los autores.
CD 1: 1. Erik Satie 'Vexations' (fragmento) (1893); 2. Leo Ornstein 'Suicide in an Airplane' (1913); 3. Luigi Russolo 'Risveglio di una città' (1913); 4. Francesco Balilla Pratella 'L'Aviatore Dro' (1915); 5. Antonio Russolo 'Corale' (1924); 6. Filippo Tommaso Marinetti 'La Battaglia di Adrianopoli' (1924); 7. Franco Casavola 'Dance of the Monkeys' (1925); 8. George Antheil 'Mechanisms' (1923); 9. Marcel Duchamp 'Musical Erratum' (1913); 10. Francis Poulenc 'Mouvements perpétuels' (1918); 11. George Ribemont-Dessaignes 'Pas de la chicorée frisée' (1920); 12. Francis Picabia 'La nourrice américaine' (1920); 13. Jean Cocteau 'La Toison d'Or' (1929); 14. Kurt Schwitters 'Die Sonata in Urlauten' (fragmento) (1932); 15. Robert Desnos 'Description of a Dream' (1938).
CD 2: 1. Charles Ives 'The Unanswered Question' (1906); 2. Arnold Schoenberg 'Sechs kleine Klavierstücke' (1911); 3. Igor Stravinsky 'The Rite of Spring' (fragmento) (1913); 4. Josef Matthias Hauer 'Tanz Op. 10' (1915); 5. Arthur Honegger 'Pacific 231' (1923); 6. Alexander Mosolov 'Iron Foundry' (1927); 7. Henry Cowell 'The Aeolian Harp' (1923); 8. John Cage 4'33'' (1952); 9. Karlheinz Stockhausen 'Gesang der Jünglinge' (1956); 10. Edgar Varèse 'Poème électronique' (1958); 11. György Ligeti 'Atmosphères' (1961).
Formato: 2CD; Duración total: 145:19
John Cage
Variations V
(mode 258)
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El volumen 48 de la colección de registros que la firma Mode Records viene dedicando a John Cage (1912-1992) desde mediados de los años ochenta del pasado siglo, corresponde a esta primera edición en DVD de "Variations V".
La quinta de la serie de ocho "Variaciones" que el compositor produjo entre 1958 y 1978, surgió por encargo de los patrocinadores del Festival Franco-Americano, celebrado en 1965, en el Philharmonic Hall del Lincoln Center de Nueva York. Fue ideada como una creación multimedia en la que concurrirían la música electrónica de Cage, la danza de Merce Cunningham, proyecciones y efectos visuales a cargo de Stan VanDerBeek y Nam June Paik respectivamente, y una iluminación especial diseñada por Beverly Emmons. La partitura, escrita curiosamente con posterioridad a la ejecución de la obra, consistió en un conjunto de simples notas que instruirían a todo aquel que en el futuro quisiera emprender su realización.
Precedido de una notable expectación, el estreno de "Variations V" tuvo lugar el 23 de julio de 1965 en el mentado Lincoln Center. Los movimientos coreográficos realizados por los bailarines (Merce Cunningham, Carolyn Brown, Barbara Dilley Lloyd, Sandra Neels, Albert Reid, Peter Saul y Gus Solomons Jr.) a lo largo de la función, fueron captados en el escenario por doce antenas desarrolladas por Robert Moog y un juego de células fotoeléctricas diseñadas por el científico de los Laboratorios Bell, Billy Klüver, de tal manera que esa interacción desencadenó la transmisión de sonidos a una mezcladora de cincuenta canales cuya salida pudo oírse a través de seis altavoces repartidos en el interior de la sala. El material sonoro constituido por fragmentos grabados de diversos proyectos musicales de Cage, entre ellos "Williams Mix" y "Fontana Mix", objetos amplificados y emisiones radiofónicas, fue supervisado por el propio Cage y los compositores James Tenney, Malcom Goldstein y Fredric Lieberman. Cage y David Tudor operaron la mezcladora. La performance se complementó además con la proyección simultánea de un atractivo collage fílmico ejecutado por Stan VanDerBeek y unas imágenes televisivas procesadas por Nam June Paik. El crítico de música y danza del New York Times, Allen Hughes, escribía a los pocos días: Me parece que los señores Cage y Cunningham pueden habernos ofrecido una fascinante, si bien sumamente primitiva mirada a un extraordinario teatro del futuro.
Un año después del estreno en Nueva York y tras haber concluido una gira europea de verano, la compañía de Cunningham recaló en Hamburgo para cumplir con el compromiso de prestarse a una filmación en estudio de "Variations V". Producida por la NDR (Norddeutscher Rundfunk) y dirigida por Arne Arnbom, la película resultante es uno de los pocos filmes disponibles del grupo en la década de los sesenta. En lo sustantivo, la obra filmada conserva prácticamente todos los ingredientes originales, si bien la plantilla de músicos fue, en esta ocasión, más reducida: John Cage, David Tudor y Gordon Mumma.
El DVD, publicado ahora por Mode Records, contiene la película realizada por la televisión alemana en 1966 (47 minutos), una versión solo audio de otra ejecución de la obra efectuada en París ese mismo año (40 minutos) y, finalmente, dos entrevistas actuales hechas por David Vaughan, archivero de la Compañía de Danza de Merce Cunningham, a Carolyn Brown (40 minutos) y a Sandra Neels y Gus Solomons Jr. (30 minutos), bailarines, los tres, presentes en la producción original. La edición incluye además un libreto con algunas fotografías de archivo y escritos de Rob Haskins y de Gordon Mumma con Michelle Fillion.
DVD-Video NTSC; todas las zonas; blanco y negro / color; subtítulos en inglés y alemán únicamente en la introducción de la película.
Formato: DVD; Duración total: 157:00
Varios Artistas
10e concours international d'art radiophonique Luc Ferrari. Correspondance
(Muse 13/1)
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El término "correspondencia", en sus varias acepciones, fue el argumento al que los participantes en la décima edición del concurso internacional de arte radiofónico Luc Ferrari (La Muse en Circuit y SACEM, 2012/2013) debieron atender a la hora de preparar y componer sus creaciones sonoras.
Reunido el 4 de septiembre de 2012, el jurado compuesto por Anne Gillot (Radio Suisse Romande), Nicolas Horber (Radio Campus France), Ingo Kottkamp (Deutschlandradio Kultur), Anne Mattheeuws (Musiq3 - RTBF), Irène Omélianenko (Atelier de Création Radiophonique - France Culture), Marc Texier (Festival Archipel) y Philippe Langlois y David Jisse (La Muse en Circuit), decidió premiar a:
Sam Salem (Reino Unido, 1982) por 'Dérive', obra surgida de los sonidos que el compositor grabó en París con ocasión de múltiples paseos efectuados en la ciudad; Julia Hanadi Al Abed (Francia, 1977) por 'Bilad El Cham', una sentida ofrenda acústica a Siria, país de origen del padre de la artista; y Alejandro Montes de Oca (México, 1980) por 'CorresponTrans', composición a propósito de la correspondencia de amor. Esta última realizada además con las voces de Frédérique Leroy, Sabine Revault D’Allones, Atsushi Sakai, Jean-Daniel Senesi, Yumiko Tanimura-Droy y Rebecca Tepfer.
Los tres trabajos fueron presentados en concierto el pasado 22 de marzo de 2013 en el marco del Festival Archipel (Ginebra, Suiza) y, seguidamente, incluidos en este registro de reciente publicación.
"10e concours international d’art radiophonique Luc Ferrari" CD: 1. Sam Salem 'Dérive'; 2. Julia Hanadi Al Abed 'Bilad El Cham'; 3. Alejandro Montes de Oca 'CorresponTrans'. El CD viene acompañado de un libreto bilingüe (en francés e inglés) que contiene descripciones de las piezas y notas biográficas de los autores seleccionados.
Formato: CD; Duración total: 53:44
Christopher DeLaurenti
Favorite Intermissions
(GD STEREO GD019)
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"Favorite Intermissions: Music before and between Beethoven, Stravinsky and Holst" seguramente sea el disco más singular y conocido del compositor y artista sonoro Christopher DeLaurenti (Estados Unidos, 1967). Fue publicado en 2007 por GD Stereo, un pequeño sello neoyorquino fundado y dirigido por el arquitecto Geoff Dugan. Inicialmente, la portada y demás elementos gráficos del CD aparecieron ejecutados en clara imitación tanto del color como del distintivo y diseño tan característicos de la popular firma discográfica Deutsche Grammophon. Circunstancia por la cual, GD Stereo fue denunciada y obligada a retirar del mercado y destruir todas las copias existentes de esa edición. Al poco tiempo, sin embargo, Dugan preparó una reedición del registro, limitada a novecientas unidades, que ahora sí cumplía, en todos sus extremos, con el requerimiento de la plena originalidad.
¿Pero cuál fue el motivo por el que el artista, de acuerdo con el editor, pretendió asociar, a modo de parodia, la procedencia de "Favorite Intermissions" con la imagen del gigante alemán? La respuesta a esta cuestión se obtiene fácilmente al reconocer la naturaleza de las piezas contenidas en el disco.
DeLaurenti ofreció en él una selección de "grandes éxitos" de las algo más de cincuenta horas de grabaciones sonoras que efectuó, a lo largo de unos siete años, en el interior de auditorios. Grabaciones que únicamente documentaban los minutos previos al inicio de la ejecución de un concierto de música clásica así como los entreactos. El ambiente reinante en la espera, ese conjunto de sonidos tan típicos como ignorados (el chirriar de las butacas al ser ocupadas, el rumor del público, los músicos realizando aquellos últimos ejercicios interpretativos de distensión, etc.) fueron objeto de la más reverencial atención por parte del artista. Captadas todas ellas de forma clandestina, las grabaciones aquí incluidas tan solo pudieron surgir de un aliento explorador, del empecinamiento en hallar musicalidad en todo evento sonante.
Aunque en los títulos de las seis piezas se hiciera mención de los compositores o de las obras que fueron interpretadas en esas ocasiones ('Holst, hasta ahora'; 'Antes de Petrushka'...), en ningún caso se indicaron la fecha y lugar de los conciertos en cuestión ni tampoco las orquestas y solistas ejecutantes. La cautela del editor alcanzó también a la fotografía de la portada que, a pesar de mostrar el escenario de un auditorio en el que un músico aparece ensayando mientras DeLaurenti supuestamente graba en secreto a unos pocos metros de él, toda ella se presentó ligera y deliberadamente desenfocada.
"Favorite Intermissions" CD: 1. 'Holst, Hitherto'; 2. 'Before Petrushka'; 3. 'SF Variations'; 4. 'Holding Out for Ein Helden'; 5. 'Awaiting AGON'; 6. 'After Beethoven'.
Formato: CD; Duración total: 68:10
Christian Marclay
More Encores
(ReR CM1)
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Ganador del León de Oro por su obra audiovisual "The Clock" (2010), presentada en la 54 edición de la Bienal de Venecia, Christian Marclay (Estados Unidos, 1955) es un eminente artista del collage. Tanto en sus performances como en su creaciones instalativas, escultóricas, fotográficas y videográficas, acude siempre a elementos distintivos de nuestra cultura de masas, particularmente a aquellos que atañen al ámbito de la música y el cine, con voluntad de reorganizarlos, transformarlos y, en definitiva, componer con ellos un objeto de nueva significación.
En su faceta como artista sonoro e improvisador, lleva experimentando e interpretando con múltiples tocadiscos y discos de vinilo desde 1979. Ya sea en solitario o en colaboración con músicos como Elliott Sharp, John Zorn, Zeena Parkins, Otomo Yoshihide, Okkyung Lee, Christian Wolff o Shelley Hirsch, Marclay actúa mezclando numerosos discos, tocándolos al revés, modificando sus velocidades de reproducción y manipulando sus sonidos de mil y una maneras, propiciando así lo que alguien acertadamente ha denominado como su particular "teatro de sonidos encontrados".
"More Encores" (1988) es uno de los registros más emblemáticos de su discografía. Publicado originalmente en vinilo en el sello alemán No Man’s Land, el disco sería reeditado nueve años más tarde por ReR Megacorp, tanto en su versión de vinilo como en la de CD que aquí nos ocupa.
La grabación contiene doce piezas breves (tan solo una supera los tres minutos de duración) tituladas, cada una de ellas, sencillamente con el nombre de un músico o de un dúo de músicos. Grabadas en estudio entre enero de 1987 y mayo de 1988, las doce miniaturas fueron compuestas utilizando únicamente discos pertenecientes a esos artistas de estilos musicales francamente diversos. Además del propio Marclay, integran aquí la lista de representados: Johann Strauss, John Zorn, Martin Denny, Frederic Chopin, Fred Frith, Louis Armstrong, Arthur Ferrante y Louis Teicher, John Cage, Maria Callas, Jimi Hendrix, Jane Birkin y Serge Gainsbourg. De la apropiación, mezcla y experta manipulación de fragmentos de esos discos por parte de nuestro protagonista surgieron pues collages sonoros de un ingenio y humor merecedores de aplauso. Advierte Marclay, sin embargo, que la pieza dedicada a John Cage consistió simplemente en la reproducción de un disco resultante del ensamblaje y encolado de diversas secciones correspondientes a otros tantos fonogramas del compositor americano.
"More Encores" CD: 1. 'Johann Strauss'; 2. 'John Zorn'; 3. 'Martin Denny'; 4. 'Frederic Chopin'; 5. 'Fred Frith'; 6. 'Louis Armstrong'; 7. 'Arthur Ferrante & Louis Teicher'; 8. 'John Cage'; 9. 'Maria Callas'; 10. 'Jimi Hendrix'; 11. 'Jane Birkin & Serge Gainsbourg'; 12. 'Christian Marclay'.
Formato: CD; Duración total: 33:07
Varios Artistas
An Anthology of Noise & Electronic Music vol. 7
(SR300)
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Con este séptimo volumen publicado en 2013, el sello Sub Rosa pone fin a su conocida antología dedicada a la música electrónica y a la música del ruido. Iniciada en 2001, la colección entera ha incluido un total de 176 trabajos cuyos años de realización van desde 1921 a 2012. Cerca de 18 horas de música originada y producida en 42 países distintos, ya sea en estudios oficiales o privados, en el ámbito puramente doméstico o en ocasión de concierto.
A diferencia de las seis anteriores entregas, presentadas en doble CD, "An Anthology of Noise & Electronic Music vol. 7" cuenta con un disco adicional que le convierte en el volumen más generoso de la antología, alcanzando prácticamente las cuatro horas de contenidos. En cuanto a estos, casi huelga decir que continúan alternándose básicamente obras pioneras y/o emblemáticas de la experimentación musical electrónica ('Thema, Ommaggio a Joyce' de Luciano Berio, 'Collage' de Eugeniusz Rudnik, 'Electronic Music' de Bülent Arel...) con varios ejemplos de creaciones actuales de arte sonoro (Slavek Kwi + Siobhan McDonald 'Lava Samples', Alma Laprida + Juan José Calarco 'Contorso', Erin Sexton 'Suspend / 2 Electromagnetic Amplifiers'), algún que otro documento sonoro histórico ('Au clair de la lune', grabada por Édouard-Léon Scott de Martinville, o la recreación de 'Radio Pravda' de Dziga Vertov) y, sobre todo, abundantes piezas surgidas de planteamientos ruidistas (Israël Quellet 'Pour percussions et saturation', The Rita 'Skate', The New Blockaders 'Blockade is Resistance'...).
De los 38 temas que contiene en total "An Anthology of Noise & Electronic Music vol. 7", 19 han sido publicados aquí por primera vez. El digipack viene además con un libreto de 84 páginas que incluye varios textos a cargo del impulsor y coordinador de la antología, Guy Marc Hinant, así como información acerca de todas y cada una de las piezas del programa.
CD 1: 1. Henry Jacobs 'Sonata for Loudspeakers' (1953-4); 2. Dziga Vertov 'Radio Pravda' (1930); 3. Bebe & Louis Barron 'Bells of Atlantis' (1952); 4. Luciano Berio 'Thema (Omaggio a Joyce)' (1958); 5. Bülent Arel 'Electronic Music' (1961); 6. Don Preston 'Analog Heaven #6' (1975); 7. Slavek Kwi + Siobhan McDonald 'Lava Samples' (2012); 8. Benjamin Thigpen 'Thread0' (2011); 9. Helmut Schäfer 'Infuse' (2005-6); 10. Thanasis Kaproulias / Novi_sad 'The insolence of a poppy' (2011); 11. Saule 'Paperfilm' (2002); 12. Édouard-Léon Scott de Martinville 'Au clair de la lune' (1860).
CD 2: 1. John Oswald 'Vertical Time' (1973); 2. Israël Quellet 'Pour percussions et saturation' (2007); 3. Dennis Wong / Sin:Net 'Decomposition' (2011); 4. Alan Courtis 'Mind Broncoespasmo' (1992); 5. Fausto Romitelli 'Trash TV Trance' (2002); 6. Justin K. Broadrick 'Guitar Three' (1995); 7. Storm Bugs 'Cash Wash/Eat Good Beans' (1980); 8. E.A.R. 'Beyond the Pale' (1992); 9. Henry Cow 'From Trondheim' (1976); 10. Osso Exótico 'Rota de inverno' (1994).
CD 3: 1. Eugeniusz Rudnik 'Collage' (1965); 2. Eduardo Polonio 'Transparencias' (2011); 3. Cabaret Voltaire 'Chance versus Causality' (1979); 4. Mika Vainio 'Transformer in 7' (2011); 5. Alma Laprida + Juan José Calarco 'Contorso' (2011); 6. Klangkrieg 'Korpus I' (1996); 7. Gintas Kraptavicius '4m' (2011); 8. Warong Rachapreecha 'Shambles' (2012); 9. The New Blockaders 'Blockade is Resistance' (1983); 10. GX Jupitter-Larsen / The Haters 'Fuechen' (1985); 11. The Rita 'Skate' (2009); 12. To Die / Indra Hermawan 'Terhempas Iuka / Jurang nestapa' (2011); 13. Agro / Brandon Spivey + Richie Anderson 'Only Those Who Attempt The Impossible Will Achieve The Absurd' (1995); 14. Jamka 'Wild Rose Trees' (2010); 15. Erin Sexton 'Suspend / 2 Electromagnetic Amplifiers' (2011); 16. Gustavo H. Serpa 'Astro Metal' (2008) 17. Anónimo 'Untitled' (?).
Formato: 3CD; Duración total: 236:23
Trino Zurita
Obres per a violoncel i electrònica (Col·lecció Phonos 2)
(1CM0316)
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Trino Zurita (Antequera, 1976) se encuentra entre los violonchelistas españoles más versátiles. Su actividad se circunscribe tanto al marco del violonchelo moderno como del histórico. En este sentido, interesado por el estilo interpretativo del periodo romántico, concretamente por el que se practicó en la segunda mitad del siglo XIX, desarrolla actualmente su tesis doctoral "La interpretación violonchelística en la era pre-Casals" en la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid, bajo la dirección de Alicia Díaz de la Fuente. También es destacable en este campo su estrecha colaboración con el pianista Antonio Simón, con quien ha registrado la primera integral de la obra para violonchelo y piano de Franz Liszt (Columna Música).
Por otro lado, el interés por la creación de vanguardia siempre ha estado presente en su trayectoria. Consolidado como un especialista en la interpretación de música contemporánea en sus diversas expresiones, numerosos compositores han escrito para él. Entre ellos: Manuel Hidalgo, Eneko Vadillo, Eduardo Polonio, Edson Zampronha, Diana Pérez Custodio, Tomás Marco, José López-Montes, Javier Campaña o Enrique Busto.
Trino Zurita comenzó sus estudios de violonchelo a los once años. Formado en Málaga con Antonio Campos y Urmas Tammik, amplió estudios en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú con Dmitri Miller. En la música de cámara ha tenido a maestros como Alexander Bonduriansky, Alexander Galkovsky, Dmitri Shebalin o Bretislav Nobotny.
Con su violonchelo Francesco Lazzaretti, construido en Vicenza en 1983, ejecuta las piezas comprendidas en este registro que constituye el segundo volumen de la "Col·lecció Phonos", serie iniciada en Columna Música en febrero de 2012 con un monográfico dedicado al compositor Gabriel Brncic. Elegidas por el propio instrumentista, "Obres per a violoncel i electrònica" incluye una pieza para violonchelo solo, perteneciente al catalán Oriol Saladrigues, y seis composiciones para ese mismo instrumento y electrónica de los autores: Eneko Vadillo (dos de ellas), Teresa Carrasco, Jesús Villa-Rojo, José Iges y Gabriel Brncic. Acompaña al CD un libreto trilingüe (catalán, castellano e inglés) de veintidós páginas con breves descripciones de cada una de las obras contenidas en el disco y notas biográficas de los autores e intérprete.
"Obres per a violoncel i electrònica" CD: 1. Gabriel Brncic 'Violonchelo-Concert I' (2009); 2. Eneko Vadillo 'Requies' (2004); 3. Teresa Carrasco 'Seguiriyas de cielo, tierra y aire' (2009); 4. Oriol Saladrigues 'Inclinations vers l'instable' (2010); 5. Jesús Villa-Rojo 'Glosario III' (2009); 6. Eneko Vadillo 'Evocación' (2010); 7. José Iges 'Nihil Obstat' (2005).
CD; Duración total: 71:10
Luca Forcucci
Fog Horns
(SR359)
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En la primavera de 2011, el compositor, artista sonoro y performer italo-suizo Luca Forcucci viajó a Estados Unidos con el ánimo de ofrecer diversos conciertos en las ciudades de Los Ángeles y San Francisco. A su llegada a esta última localidad, quedó pronto cautivado por un sonido distinguido que, proveniente de la bahía, iba repitiéndose a intervalos iguales de unos cuantos segundos. Era el sonido producido por las llamadas sirenas de niebla o fog horns: aparatos instalados en algunos puertos, puentes o faros cuya función consiste en emitir señales acústicas, a modo de bufidos profundos, para advertir al navegante de posibles escollos en días de bruma.
Aprovechando pues su estancia en la ciudad, el artista recorrió esa área de la bahía y realizó múltiples captaciones sonoras. Con el material acústico obtenido compondría, un año después, las tres piezas incluidas en este registro titulado precisamente "Fog Horns" (Sub Rosa, new series Framework, 2013).
Tres creaciones electroacústicas concebidas alrededor de tres elementos básicos de ese entorno visitado: el mar, el viento y, por supuesto, las mentadas sirenas de niebla. Una música del paisaje que parte de lo reconocible o familiar para acabar explorando en lo recóndito. Así es, apenas asomen unos instantes las fuentes ambientales su devenir resultará aquí en un sonar transfigurado e intrigante. Forcucci situará al oyente ante escenarios de ensoñación, confiando en una elaboración detenida de los materiales, sometiendo los sonidos a ejercicios manipulativos, estirándolos prolongadamente, filtrándolos, saturándolos, enmascarándolos, en definitiva, entre marañas brumosas. Una música altamente sugestiva que contará además con las aportaciones ocasionales de los intérpretes Goo Le Gooster (tocadiscos y echoplex en 'Fog Horns') y Michael Kott (violonchelo electrónico en 'Winds').
"Fog Horns" CD: 1. 'Fog Horns'; 2. 'L'Ecume des Jours'; 3. 'Winds'.
Formato: CD; Duración total: 37:47
Marcel Duchamp
Musical Erratum + In Conversation
(LTMCD 2504)
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Tres son las obras musicales que el incomparable artista Marcel Duchamp (Francia, 1887-1968) ideó y compuso a lo largo de su vida. Las tres, al parecer, en 1913: 'Erratum Musical' (pieza para tres voces cuya partitura fue incluida en su "Caja verde"); 'La Mariée mise à nu par ses célibataires, même: Erratum Musical' (perteneciente a la serie de notas y proyectos que Duchamp realizó con vistas al conocido "Gran vidrio"); y, finalmente, 'Sculpture Musicale' (una simple nota escrita en un pequeño papel que también encerró en su "Caja verde").
La segunda de ellas sería objeto de este estupendo registro, "Musical Erratum + In conversation" (LTM Recordings, 2007), en el que se incluyen dos realizaciones de la misma: la primera, de 1981 (Mats Persson y Kristine Scholz, piano preparado) y la segunda, fechada en 2007 (Tom Feldschuh, piano). Acerca de 'La Novia desnudada por sus novios, incluso: Erratum Musical', el músico checo Petr Kotik, a quien se le atribuye una primera y completa ejecución/realización de la obra junto a la S.E.M. Ensemble, en 1974, comenta:
Existen dos partes en el manuscrito (la partitura escrita por Duchamp). Una contiene la composición para un instrumento mecánico. La pieza consta como inacabada y está escrita utilizando números en lugar de notas, aunque Duchamp explica claramente el significado de esos números, facilitando así su transcripción a notas musicales. Además, también indica el/los instrumento/s en el/los que debería se interpretada: piano mecánico, órganos mecánicos u otros nuevos instrumentos que no precisen de un intermediario virtuoso. La segunda parte incluye una descripción del sistema composicional. El título de Duchamp para el sistema es: un aparato que graba automáticamente los periodos musicales fragmentados. El aparato se compone de tres partes: un embudo, varias vagonetas, y un juego de bolas numeradas. Cada número en una bola representa una nota. Duchamp sugirió 85 notas de acuerdo con el rango estándar de un piano de esa época; hoy, todos los pianos tienen 88 notas. Las bolas caen, a través del embudo, en las vagonetas que pasan por debajo a velocidades variables. Cuando el embudo queda vacío se ha completado un periodo musical.
El CD cuenta además con cuatro documentos sonoros del artista. Se trata de fragmentos originales, dichos todos en inglés, correspondientes a: "The Creative Act", conferencia que Duchamp presentó durante la Convención de la Federación Americana de las Artes, celebrada en Houston (Texas), en abril de 1957; la lectura de un texto contenido en "À l’infinitif (The White Box)" grabada en Nueva York en 1967; y, por último, dos extensos pasajes de una entrevista que concedió a George Heard Hamilton en Londres en 1959. El libreto del CD viene con diversas fotografías, la reproducción de la partitura de ‘La Mariée mise à nu par ses célibataires, même' y un texto introductorio a cargo de James Hayward.
"Musical Erratum + In conversation" CD: 1. 'Musical Erratum. La Mariée mise à nu par ses célibataires, même' (piano preparado); 2. 'The Creative Act'; 3. 'A l’infinit'; 4. Interview; 5. Interview; 6 - 13. 'Musical Erratum. La Mariée mise à nu par ses célibataires, même' (piano).
Formato: CD; Duración total: 71:19
