Sigma Project: "Utopías: New music for saxophone quartet"

Sigma Project

Utopías: New music for saxophone quartet
(SR 001)

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Bajo la denominación de Sigma Project, se congregan cuatro reconocidos solistas del saxofón –Andrés Gomis, Josetxo Silguero, Ángel Soria y Miguel Romero– comprometidos con la creación musical actual y dispuestos a revolucionar el panorama de la música camerística española. Su apuesta por renovar tanto el repertorio para saxofón como el espacio y la puesta en escena de los conciertos, ha despertado el interés de múltiples compositores que, en estrecha colaboración con los cuatro músicos, han efectuado numerosos estrenos. En 2013 celebraron su quinto año de andadura y, desde su fundación, Sigma Project sigue destacando por su reflexión, estudio e investigación del sonido, así como por su constante búsqueda y aplicación de nuevas tecnologías.

Si tuviera que resumir en dos palabras la personalidad del cuarteto Sigma Project no lo dudaría: originalidad y perfección. Originalidad, en la forma joven, inventiva, de aproximarse a la ceremonia del concierto y a las obras interpretadas; perfección, porque ese espíritu lúdico, atrevido, no sólo no excluye el rigor o la profundidad, sino que lo aumenta, le da brillo, fuerza y pasión. Es un placer, una alegría compartir la música con ellos: la comunican, la hacen vivir. (Luis de Pablo, Madrid, diciembre de 2008).

El grupo ha actuado en los más importantes festivales de España y también en ciudades de Francia, Italia, Suiza, Escocia y México. Sus próximos proyectos serán presentados, entre otros países, en Hungría, Alemania, Canadá y Estados Unidos.

Autoproducido y publicado en su propio sello Sigma Records, "Utopías: New music for saxophone quartet" (SR 001, 2013) constituye su debut discográfico. Un registro con música para cuarteto de saxofones escrita por algunos de los compositores más destacados de la escena musical actual española: José Manuel López López, Jesús Torres, Félix Ibarrondo, Ramon Lazkano, Germán Alonso y Juan José Eslava. Obras dedicadas a Sigma Project y estrenadas por el cuarteto entre 2010 y 2013. El CD fue presentado el pasado 31 de octubre en la Sala Columnas del Círculo de Bellas Artes de Madrid.

"Utopías: New music for saxophone quartet" CD: 1. Jesús Torres 'Tenebrae' (2012); 2. Germán Alonso 'In Heaven everything is fine' (2011); 3. Ramon Lazkano 'Jalkin’ (2012); 4. José Manuel López López 'Simog / Civitella' (2011); 5. Félix Ibarrondo 'AIKAN' (2009); 6. Juan José Eslava 'L'Oeil' (2010). El libreto incluido en la edición cuenta con textos a cargo del musicólogo y crítico musical Germán Gan Quesada y del compositor, gestor y divulgador Jorge Fernández Guerra.

Mas información acerca de Sigma Project en: www.sigmaproject.es

Formato: CD; Duración total: 63:29
 

Teodora Stepancic & Martin Lorenz: "Signs - Shapes"

Teodora Stepancic & Martin Lorenz

Signs - Shapes
(DUMPF EDITION #03)

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Del encuentro entre la pianista, performer y compositora de origen serbio Teodora Stepancic (1982- ) y el percusionista y compositor suizo Martin Lorenz (1974- ) surge este registro con una propuesta musical tan original como sencilla y convincente. "Signs - Shapes" (Dumpf, 2011) contiene siete creaciones para piano y tocadiscos que el dúo de artistas grabó en 2008 en el estudio uno de Radio Studio Zürich.

Una buena parte de la música electrónica que Lorenz ha realizado durante los últimos años emana directa o indirectamente del tocadiscos, aparato del cual exhibe además un habilidoso manejo. No solo compone música apropiándose de fragmentos de discos de autoría ajena, sino que a menudo él mismo produce en el ámbito digital sonidos genuinamente electrónicos que luego acaba fijando en soporte de vinilo. Una vez allí dispuestos, puede elaborarlos recurriendo a las técnicas manipulativas que el giradiscos como instrumento suscita. En "Signs - Shapes", sin embargo, Lorenz parece ceñirse a contribuir con sonidos encontrados en vinilos mayoritariamente de música clásica y, por supuesto, con los que él mismo crea al maniobrar sobre la superficie de esos discos. Además, resultan asimismo audibles los distintos ruidos proferidos por el propio aparato en funcionamiento así como el característico y evocador crepitar de los surcos.

El piano de Stepancic, por su parte, cumple satisfactoriamente su función en este diálogo musical repleto de sutilezas tímbricas que constituye "Signs - Shapes". Propone cuando corresponde y secunda con eficacia cualquier anhelo explorador que emprenda su interlocutor. Aun así, su actuación resulta en general algo comedida. Incluso en aquellas incursiones que, a lo largo del disco, efectúa en las mismas entrañas del instrumento, su ejecución parece regida por una extraña mesura.

Por último, no deja de ser curioso que en los créditos de la edición únicamente se haga mención expresa a una sola fuente musical de las empleadas por Lorenz en la realización de la obra, y que esta corresponda precisamente a una pieza, 'O Cure Me', incluida en una reedición en CD del álbum "Man or Monkey" (ReR CCD2, 1992) del grupo avant-rock Cassiber.

"Signs - Shapes" CD: 1. - 7. 'Signs - Shapes'.

Fromato: CD; Duración total: 54:04

Jocelyn Robert: "Cycloïdes"

Jocelyn Robert

Cycloïdes
(GD STEREO GD023)

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Artista multidisciplinar, Jocelyn Robert (Québec, 1959) es autor de un amplio catálogo de creaciones sonoras y trabajos instalativos. En 1993 fundó la asociación Avatar, un colectivo de creadores especializado en la investigación, producción y difusión de obras de arte electrónico. A lo largo de su trayectoria ha disfrutado de diversas residencias artísticas y su trabajo ha sido presentado en Canadá, Estados Unidos, México, Chile, Australia y Europa. Cuenta con una quincena de grabaciones en solitario y otras tantas realizadas en colaboración con otros artistas. Sus escritos a propósito de aspectos de la actividad artística han aparecido en catálogos y numerosas publicaciones internacionales. En 2007 recibió del Consejo de las Artes y las Letras de Québec el Premio a la Creación como parte del Premio del Consejo de la Cultura de Québec. En la actualidad, Robert ejerce como docente en la Escuela de Artes Visuales de la Universidad quebequesa Laval.

Desde 1992, año en el que inició la composición de la secuencia de piezas que conformaron "Le piano flou", hasta la aparición de "Cycloïdes" (GD Stereo, noviembre de 2013), han sido diversas las obras que ha producido expresamente para disklavier. Entre ellas: "Ground Station" (2003) en colaboración con Daniel Jollife, "24 exercices de parallaxe" (2005) junto a Louis Ouellet, el ciclo "Mobile" - "Immobile" (2011/12) y "Versöhnungskirche" (2005, 2011). El disklavier, fabricado por la conocida firma YAMAHA, consiste básicamente en un piano acústico dotado de un conjunto de solenoides y sensores que permiten, si así se desea, la ejecución del instrumento y el manejo de los pedales independientemente de la intervención del intérprete. Un instrumento que fascina a Robert tanto por su elegante sonoridad como por las posibilidades que ofrece su control remoto.

Si en esa primera creación con el disklavier, efectuada unos veinte años atrás, el artista utilizó un software específico capaz de detectar las propias imprecisiones y vacilaciones interpretativas con el propósito de magnificarlas y convertirlas en la propia esencia de la composición, en "Cycloïdes" la programación utilizada no analiza errores ni dudas en la ejecución pero sí mantiene las notas acabadas de tocar y fuerza al ejecutante a tomarlas como base para las siguientes. Hayan sido o no de su agrado, hayan resultado o no acertadas, deberá adoptarlas. De esta manera, la música volverá continuamente sobre sí misma reafirmando su pasado inmediato.

Con la publicación del CD "Cycloïdes", en una edición limitada a las 200 unidades, GD Stereo inaugura una colección de grabaciones titulada "Arquitectura Improvisacional". La serie, según manifiesta el dueño del sello Geoff Dugan, dirige su atención a artistas y creadores cuyo trabajo sonoro desafía los límites, normas y definiciones de la arquitectura y la música.

"Cycloïdes" CD: 1. - 7. 'Cycloïdes'.

Formato: CD; Duración total: 50:13

Peter Cusack: "Favourite Berlin Sounds"

Peter Cusack

Favourite Berlin Sounds
(ReRPC5)

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En su faceta como artista sonoro, el músico británico Peter Cusack cuenta ya con una considerable actividad desarrollada en los ámbitos de la ecología acústica y la composición paisajística. A este respecto, destacan sus iniciativas: "Sounds from Dangerous Places", una serie de exploraciones sonoras llevadas a cabo en entornos que sufren o han sufrido una clara degradación ecológica (Chernobyl, yacimientos petrolíferos en la cuenca del Caspio, centrales nucleares en el Reino Unido) y "Favourite Sounds", un proyecto de largo recorrido encaminado a descubrir y celebrar lo que la gente valora de los paisajes sonoros de las ciudades, pueblos y barrios en los que viven y trabajan. "Favourite Sounds" tuvo su inicio en 1998 en la ciudad de Londres y, desde entonces, ha continuado en Beijing, Praga, Manchester, Birmingham, Chicago, Bruselas, Southend on Sea y Berlín. Precisamente a esta última ciudad atañe el registro que ha publicado ReR Megacorp a finales de 2013 y que ahora presentamos.

"Favourite Berlin Sounds" (2011-2013) contiene una selección de los sonidos preferidos por múltiples ciudadanos berlineses que tuvieron a bien responder a la pregunta formulada por el artista: ¿Cuál es su sonido favorito de Berlín y por qué?

Muchos de esos sonidos manifestados fueron grabados por el propio Cusack y un conjunto de colaboradores: Anna Bogner, Elen Flügge, Thomas Koch, Jasmine, Guffond, Klaus Hamlescher, Valeria Merlini y Udo Noll. De todas esas captaciones, se incluyen aquí treinta y un ejemplos escogidos tanto por su diversidad como por su significación en la vida cotidiana de la ciudad. Entre ellos: sonidos de distintos medios de transporte; del bullicio nocturno; del mercado; de campanas de iglesias; de músicos callejeros; de ríos; de parques; de pájaros; y de los recurrentes hinterhöfe o patios interiores de algunos edificios, espacios sosegados en los que prevalece la claridad acústica.

Señalar, por último, que el libreto del CD recoge literalmente algunas de las razones dadas por los participantes en "Favourite Berlin Sounds" a la hora de elegir aquellos sonidos que luego resultarían grabados e incluidos en el registro.

"Favourite Berlin Sounds" CD: 1. 'Bells of the Kaiser Wilhelm Gedächtnis Kirche, Breitscheidplatz'; 2. 'Boats and Waves, River Spree at Bellevue'; 3. 'S-Bahn trains, Alexanderplatz station'; 4. 'Midnight Crowds, Warschauerstrasse S-Bahn station'; 5. 'Schinkstrasse Hinterhof'; 6. 'Table Tennis outdoors'; 7. 'Panke River Quiet'; 8. 'U-Bahn Screeching, Gleisdreieck Bridges'; 9. 'Traffic Light Clicks, Passing Trams'; 10. 'Riverside Atmosphere, Treptower Park'; 11. 'Glass Bottle Recycling, Marienburgerstrasse Hinterhof'; 12. 'Football by Ear, Germany v Greece, Euro2012'; 13. 'Small Stones thrown on Ice, Engelbecken'; 14. 'U-Bahn Sounds, late evening Klosterstrasse station'; 15. 'Berlin Nightingale, Midnight'; 16. 'Quite Streets in the Small Hours, Footsteps, Home'; 17. 'Blackbird, Hinterhof dawn 4.00am'; 18. 'Reuterstrasse Hinterhof 8.00am'; 19. 'Stralau Church Bell chimes 7.00am'; 20. 'Trumpet and Accordion street musicians'; 21. 'Maybachufer Street Market Walk'; 22. 'Berlin Hauptbahnhof, Regional Train Jingles'; 23. 'S-Bahn Acceleration, inside the train'; 24. 'Passengers for Schoenefeld Airport, Please Change Here'; 25. 'Seaplane, Summertime, Stralau'; 26. 'Tempelhof Airfield Atmosphere with Crickets'; 27. 'Synchronous Kite Flying, Tempelhof Airfield'; 28. 'Wind Through Canvas and Plastic Sheeting'; 29. 'Teufelsberg, Cold War Reverberation'; 30. 'Bicycles on Cobblestones, Bergmannstrasse'; 31. 'New-Year Fireworks from the 24th Floor'.

Formato: CD; Duración total: 77:23

Brandon LaBelle & Cláudia Martinho (Ed.): "Site of Sound #2: Of Architecture and the Ear"

Brandon LaBelle & Cláudia Martinho (Ed.)

Site of Sound #2: Of Architecture and the Ear
(ISBN: 978-0-9827439-0-4)

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Doce años pasaron desde la aparición de la antología "Site of Sound: Of Architecture and the Ear" (Errant Bodies Press, 1999), actualmente descatalogada, y la publicación de este segundo volumen, "Site of Sound #2: Of Architecture and the Ear" (Errant Bodies Press, 2011), que ahora sugerimos.

Como refiere Brandon LaBelle, editor junto a Cláudia Martinho de la nueva colección: Desde 1999, los asuntos y actividades concernientes con el sonido y la arquitectura se han expandido de tal manera que hoy transitan más dinámicamente entre los campos del arte sonoro, el diseño sonoro y las prácticas espaciales. Desde las tecnologías acústicas y el urbanismo al arte realizado en dominio público, aspectos relativos a las estructuras auditivas y a las experiencias de escucha están encontrando un mayor asentamiento dentro de los contextos artísticos y ambientales. Así pues, con ánimo de aproximarnos al trabajo contemporáneo surgido de esa confluencia entre sonido y arquitectura se presenta esta segunda entrega.

Dos textos introductorios que firman los citados Brandon LaBelle y Cláudia Martinho dan paso a las contribuciones escritas de los siguientes artistas, músicos, compositores, arquitectos y teóricos: Justin Bennett, Michael Gendreau, Jean-Paul Thibaud, Tao G. Vrhovec Sambolec, Jacob Kreutzfeldt, Björn Quiring, Jenny Pickett / Julien Ottavi, Nigel Helyer, Oliver Laric, Usman Haque, David Schafer, David Stalling / Anthony Kelly, Carrie Bodle, Jodi Rose, Scott Arford / Randy Yau, Pascal Broccolichi, Natasha Barrett / Birger Sevaldson, Brandon LaBelle, Riccardo Benassi, Franz Pomassl, Romano, James Webb, Edwin van der Heide y Raviv Ganchrow. Ensayos, entrevistas y la descripción de múltiples proyectos artísticos ocupan las trescientas páginas del libro que además cuenta con abundantes fotografías y otro material gráfico.

La edición incluye como complemento un CD de setenta minutos de duración con obras y fragmentos de obras de arte sonoro relacionadas con los contenidos de "Site of Sound #2".

"Site of Sound #2" CD: 1. Joaquín Gutiérrez Hadid '34º28'50.54’'S – 58º38'36.27''W (like cars in betweening recent places)'; 2. Natasha Barrett 'Barely'; 3. Riccardo Benassi 'II’’ endless loop tape played for a while'; 4. James Webb 'Le Marché Oriental'; 5. Pascal Broccolichi 'Dial-O-Map 25º' (fragmento); 6. Anthony Kelly & David Stalling 'Valve – Streetfield – Voyaging'; 7. Jenny Pickett & Julien Ottavi 'Dream Sweepers'; 8. David Schafer 'What Should a Museum Sound Like?' (fragmento); 9. Raviv Ganchrow 'Crescents’ (fragmento); 10. Edwin van der Heide 'The Speed of Sound – recording'; 11. Jodi Rose 'Singing Bridges: Live in Linz'; 12. James Webb 'Ost'; 13. Tao G. Vrhovec Sambolec 'Reality Soundtrack' (fragmento).

Formato: Libro+CD; Duracion total CD: 71:42

Daniel Blinkhorn: "Terra Subfónica"

Daniel Blinkhorn

Terra Subfónica
(Gruen 117)

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Tras resultar premiado en la octava edición del Concours International d'Art Radiophonique Luc Ferrari (La Muse en Circuit, Centre National de Création Musicale, 2009) por su pieza para clarinete y sonidos fijados 'In situ bacia', el compositor australiano Daniel Blinkhorn disfrutó, en 2010, de una residencia artística concedida por la Australian Broadcasting Corporation (ABC). En el transcurso de la misma realizó "Terra Subfónica", composición de la cual es objeto este registro publicado recientemente por el sello alemán Gruenrekorder.

Se trata de una interesante creación radiofónica a propósito de aquellos sonidos que, a pesar de rodearnos a diario, o bien quedan fuera del alcance de nuestra percepción auditiva, o bien desatendemos sin más. Eventos sonoros esencialmente invisibles a los que el autor denomina con el término "sub sound". Aspectos pues de la actividad subsónica resultarán reflejados a través de las diecinueve secciones o miniaturas acusmáticas que, sin sujeción a una narrativa específica, integran esta obra de una hora escasa de duración.

En ella, Blinkhorn congrega numerosas grabaciones ambientales, sonidos electrónicos y algunos fragmentos instrumentales (Jeremy Sawkins, guitarras; Rémi Delangle, clarinete; Olivier Zeller, DJing) para elaborarlos y componerlos en estampas diversas de entornos inauditos. Su dominio subfónico abarca, entre otros elementos: distintas muestras de ambientes marinos y submarinos, representaciones acústicas del paso del tiempo, sonidos internos del cuerpo humano y de máquinas, otros producidos con ocasión de juegos infantiles, alarmas de evacuación, susurros o el zumbar de las ciudades.

Todo el material contenido en "Terra Subfónica" fue grabado, compuesto, mezclado y masterizado por el propio autor, contando con la asistencia del ingeniero de sonido de la ABC Philip Ulman. En el libreto incluido en la edición del CD, Blinkhorn ofrece una descripción de todas y cada una de las diecinueve secciones comprendidas en la obra.

"Terra Subfónica" CD: 1. 'Seascape Triptych I'; 2. 'Subfón ˆ Monochrome I'; 3. 'Sub Chron I'; 4. 'Seascape Triptych II - Hermetica'; 5. 'Corpus Sanus - Computare'; 6. '(Sub)Urban Mantra'; 7. 'Corpus Sanus - Hominis'; 8. 'Geste Sonore'; 9. 'Relatively Loud Tones'; 10. 'Tape Junk'; 11. 'Seascape Triptych III - Cnidaria'; 12. 'Sub Chron II'; 13. 'Voix Sous'; 14. 'Norse Hamn (Norse Harbor)'; 15. 'Toy Bagatelle I'; 16. 'Toy Bagatelle II (Glass Ear) ˆ Monochrome'; 17. 'Toy Bagatelle ˆ Section III'; 18. 'Intersections'; 19. 'Place / Space Threnody'.

Formato: CD; Duración total: 55:34

Varios Artistas: "Cold Blue Two"

Varios Artistas

Cold Blue Two
(CB0036)

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En 1984 Cold Blue Music publicó el vinilo "Cold Blue", un álbum con música inédita escrita por distintos autores pertenecientes o afines estilísticamente al catálogo del sello californiano que dirige Jim Fox. Calificado por el compositor Charles Amirkhanian como "una antología clásica de la música contemporánea americana", el registro fue reeditado en CD en 2002. Diez años después, en 2012, apareció "Cold Blue Two", una segunda colección musical que ahora presentamos, cuyas breves propuestas comparten de nuevo una cierta significación estética: aquella que ha llevado a emparentarlas con lo que se conoce como minimalismo y posminimalismo de la costa oeste americana.

Nueve de los autores comprendidos en la primera recopilación (Chas Smith, Ingram Marshall, Peter Garland, Daniel Lentz, Jim Fox, Read Miller, Rick Cox, Michael Jon Fink, James Tenney) contribuyen asimismo en "Cold Blue Two". Destaca, además, la inclusión aquí de un invitado de origen no americano, el conocido compositor inglés Gavin Bryars. La grabación contiene un total de catorce composiciones instrumentales, varias de ellas acompañadas de electrónica. El libreto del CD viene ilustrado con un conjunto de fotografías cedidas tanto por Jim Fox como por las siguientes instituciones: Center for Land Use Interpretation, Museum of Jurassic Technology y Santa Paula Snapshot Museum.

"Cold Blue Two" CD:

1. Daniel Lentz 'Celli' (2008; Erika Duke-Kirkpatrick - violonchelo); 2. Ingram Marshall 'Son of Soe-pa' (2007; Clement Marshall - guitarra clásica, Ingram Marshall - procesamiento electrónico); 3. Phillip Schroeder 'Another Shore' (2007; Phillip Schroeder - celesta y delay digital); 4. Rick Cox 'Later' (2007; Marty Walker y Phil O'Connor - clarinetes, Thomas Newman - piano, Rick Cox - electrónica y sonidos fijados); 5. Chas Smith 'Sometimes the Sword of Seven' (2008; realización electroacústica); 6. John Luther Adams 'Sky with Four Suns' (2010; Cuarteto de cuerda ETHEL); 7. Read Miller 'Come out, sit awhile; break the bottle, and you is lost' (1982; Sarah Cahill - piano); 8. Gavin Bryars 'It Never Rains' (2010; R. Cox - guitarra eléctrica, Alma Lisa Fernández - viola, E. Duke-Kirkpatrick - violonchelo, James Bergman - contrabajo); 9. Michael Jon Fink 'Prelude to Alone' (2010; Brian Walsh - clarinete, Alex Iles - trombones alto, tenor y bajo, M. Jon Fink - guitarra eléctrica); 10. James Tenney 'Mallets in the Air' (2002; Erin Barnes - Partch diamond marimba in just intonation, Formalist Quartet - cuarteto de cuerda); 11. Larry Polansky 'Eskimo Lullaby' (2006; John Schneider - voz y just intonation National steel guitar); 12. Peter Garland 'Nights in the Gardens of Maine' (2010; Guy Klucevsek - acordeón); 13. David Rosemboom 'Hymn of Change' (2010; Formalist Quartet - cuarteto de cuerda); 14. Jim Fox 'Colorless sky became fog' (2005; Theresa Dimond - salterio, Bryan Pezzone - piano, A. Lisa Fernández - viola, E. Duke-Kirkpatrick y Jessica Catron - violonchelos, J. Bergman - contrabajo).

Formato: CD; Duración total: 58:10

Jean Dubuffet, Ilhan Mimaroglu: "Musiques pour Coucou Bazar"

Jean Dubuffet, Ilhan Mimaroglu

Musiques pour Coucou Bazar
(SR350)

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En la trayectoria de quien fue el máximo exponente del Art Brut, el pintor y escultor Jean Dubuffet (1901-1985), la práctica musical constituyó un medio más al servicio de un ideario basado, permanentemente, en la transgresión y el antidogmatismo. En estos términos se expresaba el artista ante su amigo, el compositor turco Ilhan Mimaroglu, durante una entrevista que mantuvieron en 1966: En mi música quise situarme en la condición de un hombre de hace cincuenta mil años, un hombre que lo ignora todo acerca de la música occidental y que inventa una música para él mismo, sin ninguna referencia, sin ninguna disciplina, sin nada que le impida expresarse libremente y para su propio placer.

Toda la música que Dubuffet produjo se circunscribió a dos momentos concretos: 1961, año a lo largo del cual compuso y grabó sus veinte "Expériences musicales", y entre 1973 y 1974, periodo en el que retomó la actividad con voluntad de generar una buena parte del material musical que debería acompañar a la que fue la última tanda de representaciones de su importante obra "Coucou Bazar". Perteneciente al ciclo creativo "L'Hourloupe", "Coucou Bazar" fue concebida como un espectáculo de pintura animada. Sobre grandes paneles recortables, a los que bautizó con el nombre de Practicables, Dubuffet dibujó extravagantes figuras tricolores que, una vez en escena, ponían en movimiento una serie de actores así como motores manejados por control remoto.

En primera instancia, Dubuffet confió la realización de la música al citado compositor Ilhan Mimaroglu que residía en Nueva York trabajando como profesor de música en la Universidad de Columbia. Allí, en el Columbia-Princeton Electronic Music Center, Mimaroglu completó en 1973 las diez piezas que integraban su "Electronic Music for Jean Dubuffet's Coucou Bazar". Una composición utilizada tanto en el estreno mundial de "Coucou Bazar", que tuvo lugar en el Museo Guggenheim neoyorquino el 16 de mayo de ese mismo año, como en el ciclo de representaciones llevadas a cabo durante todo el mes de noviembre, también de 1973, en el Grand Palais de París.

Sin embargo, Dubuffet imaginó también su espectáculo de pintura animada sonando con su propia música. Así pues, la que resultó ser la tercera y última realización de "Coucou Bazar", producida y finalmente presentada en la ciudad de Turín en 1978 gracias al patrocinio de la compañía automovilística FIAT, incluyó una banda sonora compuesta, ahora sí, con diversos experimentos musicales originales del artista francés. Experimentos efectuados en 1961, 1973 y 1974 que la coreógrafa Anna Sagna se encargó de montar, para la ocasión, en un espléndido collage. Una música inclasificable, exenta de escritura, que Dubuffet ejecutaba con su voz o con múltiples instrumentos tradicionales y exóticos fijándola directamente en cinta. En ocasiones alborotada e insistente, su música asimismo evitaba cualquier muestra de desarrollo en un intento por priorizar la mera producción de efectos sorprendentes.

Presentado en una cuidada edición en doble CD y libreto de cuarenta páginas, "Musiques pour Coucou Bazar" (Fundación Dubuffet / Sub Rosa, 2013) contiene ambas bandas sonoras, la de Mimaroglu y la de Dubuffet, así como un poema sonoro inédito, 'Bal de leurres' que este último grabó en enero de 1973.

"Musiques pour Coucou Bazar"

CD 1: (Electronic Music for Jean Dubuffet's Coucou Bazar, Ilhan Mimaroglu) 1. 'Fragmentation'; 2. 'Motors'; 3. 'Hide & Seek'; 4. 'The Rose'; 5. 'Swift Feet'; 6. 'Reflections'; 7. 'Canine'; 8. 'Traffic'; 9. 'The Window'; 10. 'Double Mask & Deployment'; 11. (Jean Dubuffet) 'Bal des leurres'.

CD 2: (Coucou Bazar, Jean Dubuffet) 1. 'Coucou Bazar'.

Formato: 2CD; Duración total: 115:58

Jacqueline Caux: "Almost nothing with Luc Ferrari"

Jacqueline Caux

Almost nothing with Luc Ferrari
(ISBN: 978-0-9827439-1-1)

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Bajo la denominación de "Critical Ear", la pequeña firma editorial Errant Bodies Press viene publicando desde 2004 una colección de monografías a propósito de artistas contemporáneos cuyo trabajo se desarrolla fundamentalmente en los ámbitos del arte sonoro y la música experimental. El quinto volumen de la serie, aparecido en 2012, corresponde a la traducción al inglés de la obra "Presque rien avec Luc Ferrari" (Editions Main d’oeuvre, 2002) de la autora y realizadora cinematográfica Jacqueline Caux.

Traducido por Jérôme Hansen, "Almost nothing with Luc Ferrari" es básicamente un libro de entrevistas al compositor francés (1929-2005). Tras una introducción, seguida de una nota biográfica de Ferrari, Caux conversa con este acerca de las distintas manifestaciones creativas que fue cultivando a lo largo de su trayectoria musical. En el primer capítulo, en el que se aborda la cuestión de forma general, lo hace acompañada de los musicólogos François Delalande y Evelyne Gayou, y del compositor y director del Groupe de Recherches Musicales (GRM) Daniel Teruggi. En el segundo, Caux le pregunta sobre sus composiciones instrumentales; el tercero trata del teatro musical; el cuarto, de sus creaciones radiofónicas; el quinto, de sus trabajos instalativos; y, por último, el sexto versa acerca de algunas de las principales ideas composicionales que fueron guiando su actividad. Además, escritos por el propio compositor e intercalados entre los seis capítulos, se incluyen catorce autobiografías imaginarias así como consideraciones en torno a algunas de sus piezas más destacadas. El libro concluye con una lista cronológica y completa de las obras que produjo en su carrera.

Presentado en una elegante encuadernación de tapa dura, "Almost nothing with Luc Ferrari" contiene 176 páginas, siete de las cuales cuentan con fotografías.

Chris Cutler: "There and Back Again. Volume 2: On Memory"

Chris Cutler

There and Back Again. Volume 2: On Memory
(ReR CC3)

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Percusionista, compositor y letrista, Chris Cutler (1947- ) cuenta con una dilatada trayectoria en los ámbitos de la improvisación y la música experimental. Junto a Dave Stewart fundó The Ottawa Music Company, una singular orquesta formada exclusivamente por veintidós compositores de rock; fue batería y miembro destacado del legendario grupo experimental Henry Cow; también cofundaría otras formaciones como Art Bears, News from Babel, Cassiber, The (ec) Nudes, P53 y The Science Group; asimismo, fue integrante de las bandas americanas Pere Ubu, Hail y The Wooden Birds y, esporádicamente, trabaja con Jon Rose, Fred Frith, Peter Blegvad, David Thomas, Zenna Parkins, Iancu Dumitrescu y Ana Maria Avram, entre otros. Su lista de colaboraciones musicales es interminable y ha participado en más de cien grabaciones publicadas. Además, se le conoce por haber fundado Recommended Records (actualmente ReR Megacorp) y por ser autor de numerosos artículos musicales y de la colección de ensayos "File Under Popular".

"There and Back Again. Volume 2: On Memory" es la segunda creación radiofónica (Deutschlandradio Kultur, 2006) surgida de un programa, a su vez radiofónico, 'Out of the Blue Radio', que Cutler produjo, entre julio de 2002 y julio de 2003, en la emisora londinense Resonance FM.

Como en el caso de su antecesora, "Twice around the Earth" (Kunstradio, 2003), "There and Back Again" también se nutrió de los registros que numerosos músicos y artistas repartidos por el mundo enviaron a nuestro protagonista para que éste los emitiera, sin modificación alguna, en el citado programa 'Out of the Blue Radio'. Cada una de las grabaciones debía contener media hora ininterrumpida de un ambiente sonoro captado en cualquier lugar de la tierra precisamente entre las 23:30 y las 00:00 horas. Cutler eligió al azar cuarenta y cuatro de esas grabaciones y las agrupó arbitrariamente según su contenido sonoro -palabra, música, clima, medio de transporte, etc...- y su posible correspondencia con alguno de los cuatro elementos clásicos -tierra, aire, fuego, agua-. Luego, sin escucharlos, únicamente atendiendo a las formas de onda de los sonidos en la pantalla de un ordenador, seleccionó breves fragmentos de cada una de las grabaciones. Con ellos compuso una maravillosa procesión de eventos sonoros que tiene su principio y final en la ciudad estadounidense de San Diego. Un recorrido pues de ida y vuelta con el que Cutler aprovecha además para reflexionar a propósito de una escucha estética y acerca de la propia percepción del paso del tiempo.

Los participantes en 'Out of the Blue Radio' cuyos sonidos fueron incluidos en "There and Back Again" fueron: Marcelo Radulovich, Stevan Tickmayer, Will Menter, Martyn Singleton, Chris Cutler, Michael Maksymenko, Haco y Christopher, Jon Rose, Tony Durant, Bill Harkelroad, Phillip Mar, Nicholas Collins, Warren Burt, Tom Dimuzio, Daniel van Beers, Annie Gosfield, Steve Maclean, Maggi Payne, Floris van Manen, Junya Onoda, Bret Hart, Andreas Hagelüken, E. M. Thomas, Carmen Borgia, Jim Pugliese, Raynald Glandien, Andrea Rocca, Gino Robair, David Lee Myers, Andreas Hagelüken, Jim Denley, Chris Delaurenti, Brian Labcyz, Adam Overton, John Oswald, Amy Denio, Nicholas Frances Chase, Gary Butler, Ana Maria Avram y Iancu Dumitrscu, Otomo Yoshihide y Warric Swinney.

"There and Back Again. Volume 2: On Memory" CD: 1. 'Blue radio introduction'; 2. - 45. 'There and Back Again'. El libreto que acompaña al CD (ReR Megacorp, 2006) contiene fotografías, una descripción detallada del proyecto y la enumeración de todos y cada uno de los fragmentos sonoros que integran la obra.

Formato: CD; Duración total: 50:40

Otro título de interés: "Twice around the Earth" (CD)

David Berezan: "Allusions sonores"

David Berezan

Allusions sonores
(IMED13122)

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A semejanza del sistema de difusión sonora BEAST (Birmingham ElectroAcoustic Sound Theatre), diseñado específicamente para la presentación de trabajos de música electroacústica e impulsado por Jonty Harrison a principios de los ochenta del pasado siglo, el compositor David Berezan (Edmonton, Alberta, 1967), por su parte, fundó MANTIS (Manchester Theatre in Sound) en 2003. Con sede en la Universidad de Manchester, donde Berezan trabaja como docente y director de los estudios de música electroacústica, MANTIS es, además de un dispositivo tecnológico, un festival bianual de música en el cual se difunden trabajos concebidos en formato espacial. Trabajos como los incluidos en "Allusions sonores", CD publicado hace apenas unas semanas en empreintes DIGITALes y que reúne cinco de las composiciones más recientes del autor canadiense.

En Berezan, como en tantos otros compositores de música acusmática, el simple acto de reparar aunque sea por unos instantes en las cualidades de un sonido escuchado casualmente, puede suscitar la realización de una nueva obra. Sus exploraciones representan aquí alusiones a la complejidad sónica de objetos o entornos contemplados, principalmente, con ocasión de algunos de sus viajes. Así pues, unas boyas marítimas, la sonoridad de una calimba, el árido paisaje de las badlands canadienses, sonidos encontrados en la localidad balinesa de Ubud y el suelo crujiente del castillo japonés Nijo, constituyeron estímulos suficientes para que el compositor comenzara a indagar, nuevamente, en aquellos dominios de lo inédito.

El proceso seguido en cada uno de los casos pasó primero por escuchar y reescuchar detenidamente los registros sonoros obtenidos con el propósito de detectar aquellas peculiaridades que pudieran dar origen a las ideas formativas de la composición; a continuación, elaborar el tejido musical mediante la aplicación de diversas técnicas de tratamiento sonoro; seguidamente, organizar la sucesión de eventos resultantes conforme a la propia apreciación estética y estilo del compositor; y, por último, considerar la espacialización multifocal de las obras para su posterior proyección en concierto. A este último respecto, conviene señalar que de estas cinco composiciones producidas por Berezan entre 2008 y 2011, tres fueron originalmente fijadas en soporte de ocho pistas y las otras dos concebidas en formato 5.1. En CD, sin embargo, tan solo accedemos a una mera reducción estereofónica de las mismas. Aun así, su audición resulta muy satisfactoria y no parece quedar menoscabada la esencia de una música exuberante, dominada por la volatilidad y colisión de los sonidos.

"Allusions sonores" CD: 1. 'Buoy' (2011); 2. 'Thumbs' (2011); 3. 'Badlands' (2008); 4. 'Galungan' (2010); 5. 'Nijo' (2009).

Formato: CD; Duración total: 55:55