Alex Waterman: "A Ballad of Accounting"

Alex Waterman

A Ballad of Accounting
(D.S. al Coda #1)

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Violonchelista, compositor y escritor, Alex Waterman (Estados Unidos, 1975) es miembro fundador de Plus Minus Ensemble y uno de los integrantes también de Either/Or, ambas formaciones especializadas en la interpretación de música experimental y de vanguardia. Además de componer para distintas compañías de danza moderna, Waterman ha colaborado con importantes músicos y artistas como Robert Ashley, Keith Rowe, Helmut Lachenmann o Ned Rothenberg. Con el diseñador y escritor Will Holder ha confeccionado "Yes, But Is It Edible?" (New Documents, 2014), un libro de próxima aparición acerca del mentado y recientemente fallecido compositor Robert Ashley, de quien asimismo ha producido y dirigido la versión española de su destacada ópera para televisión "Perfect Lives". Y con Beatrice Gibson, Waterman comparte la autoría del cortometraje "A Necessary Music", galardonado con un Tiger Award del Festival de Cine de Róterdam en su edición de 2009. A todo ello añadiremos que nuestro protagonista es dueño junto a David Reinfurt y Stuart Bailey (Dexter Sinister) del sello discográfico D.S. al Coda. Sello cuyo inicio de actividades tuvo lugar en 2010 coincidiendo con el lanzamiento de la que fue su primera referencia: el DVD que aquí presentamos.

Se trata de "A Ballad of Accounting", un trabajo audiovisual producido por Waterman en colaboración con la realizadora cinematográfica Liz Wendelbo y el ingeniero de sonido Christopher Tabron. Fue compuesto en 2009 en homenaje al cantante, poeta y activista Ewan MacColl y, en particular, a su canción folk de mismo título, escrita en 1964 y popularizada más tarde al interpretarla a dúo junto a Peggy Seeger. Canción cuya letra se caracteriza por un marcado acento social y con la que un incitante MacColl dirigíase, al parecer, a aquellas personas que a diario debían recorrer un largo trayecto para acudir a su puesto de trabajo.

Waterman, familiarizado con una de las arterias más transitadas de la ciudad de Nueva York, la autopista Brooklyn-Queens, ideó su personal versión de "A Ballad of Accounting" como un encuentro ciertamente singular: el que protagonizarían la gigantesca carretera y su modesto violonchelo. Como músico, abordé la autopista, su espectro de ruido y resonancia, como una pura experiencia fenomenológica. A través del examen de los sonogramas y formas de onda obtenidos de mis grabaciones ambientales, pude empezar a determinar un modo de armonizar y filtrar dicha autopista con mi instrumento, declaraba Waterman. A tal propósito pues dedicó sus habilidades y esfuerzo, escoltado, eso sí, por la experta colaboración en materia acústica de su colega Christopher Tabron. La pieza resultante fijada en este DVD transita desde la resonancia plena tanto de la vía rodada como del violonchelo, hasta una suerte de calma fusión entre ambos agentes sónicos, pasando por diversos intentos de contrarrestar ese dominio ruidoso del tráfico captándolo principalmente desde el interior del propio instrumento.

Las sesiones de filmación y registro de audio, constitutivas del material con el que se acabaron editando los definitivos cuarenta minutos de duración de la obra, fueron realizadas a distintas horas del día durante tres jornadas completas del mes de junio de 2009. La filmación enteramente urbana de Wendelbo transcurre plácida a lo largo de sus doce secciones, tantas como localizaciones correspondientes al tramo escogido de la autopista fueron exploradas. Ese tramo seleccionado fue concretamente el recorrido elevado que se extiende entre los puentes Williamsburg y Kosciuszko.

"A Ballad of Accounting" DVD: 1. 'A Ballad of Accounting' (2009).

Formato: DVD; Duración total: 40:55

Nicolas Collins: "Devil's Music"

Nicolas Collins

Devil's Music
(EM1086DCD)

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El trabajo del compositor Nicolas Collins (Nueva York, 1954) es claramente deudor de las ideas musicales de experimentación electrónica divulgadas en Estados Unidos por John Cage y David Tudor a principios de los años sesenta del pasado siglo. Ideas que asimismo mantuvieron y desarrollaron pocos años más tarde los integrantes de la audaz agrupación también estadounidense Sonic Arts Union. Haber estudiado y colaborado con Alvin Lucier en la Wesleyan University (Middletown, Connecticut) fue para Collins una experiencia transformadora. Gracias a Lucier pudo conocer a John Cage, Christian Wolff, Robert Ashley y Gordon Mumma. También conoció a David Tudor, con quien colaboró en los ochenta en el colectivo Composers Inside Electronics.

En la biografía que nos ofrece en su sitio web, nicolascollins.com, declara que a lo largo de su trayectoria como compositor e intérprete ha habido fundamentalmente tres cuestiones que le hayan motivado especialmente: la belleza visceral del sonido en el espacio; la forma en la que la tecnología puede actuar como una interfaz entre las estructuras musicales y sociales; y, por último, un firme compromiso con un cuestionamiento experimentalista de las convenciones musicales. Además de componer, Collins ejerce de profesor en el Departamento de Sonido de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y es autor del libro "Handmade Electronic Music – The Art of Hardware Hacking" (Routledge, 2006 y 2009), un formidable manual acerca de la construcción de instrumentos electrónicos personales.

Desde su convicción de que la radio era el sintetizador más barato y poderoso del mundo, Collins produjo en 1985 su creación interpretativa mas conocida: "Devil's Music". Obra que, tal como el autor refiere, surgió de la confluencia de diversos factores: su devoción tanto por el aparato como por el medio radiofónico; su interés también por la aparición de los primeros djs de Hip Hop; la introducción en el mercado de los samplers portátiles (Electro-Harmonix 16 Second Digital Delay y Super Replay); y su inclinación hacia el diseño y construcción de circuitos electrónicos propios.

En una interpretación en vivo de "Devil's Music" el ejecutante actúa directamente en el dial de su receptor buscando el material sonoro que le convenga. Una vez seleccionado este, es captado en fragmentos minúsculos que, a su vez, resultan convertidos en bucles. Estos se integrarán en una textura musical cuyo discurrir en el tiempo quedará sujeto a la intervención de un circuito electrónico agregado al sistema. El circuito cumple aquí la función de detectar los diversos acentos rítmicos presentes en el flujo radiofónico en curso –señal acústica que normalmente no oiremos- para reaccionar ante ellos modificando la apariencia original de los bucles –que sí oímos- y frustrar así su periodicidad tan característica. Además, el ejecutante puede actuar a discreción sobre la velocidad de los bucles, acelerándolos o lentificándolos. Todos los sonidos que componen la obra serán obtenidos en vivo de transmisiones radiofónicas de onda corta, AM, FM y bandas de frecuencia correspondientes a la intercomunicación entre distintos servicios urbanos. Ninguna muestra se prepara anticipadamente. Música, palabra e interferencia radiofónica podrán pues concurrir en una interpretación cuyo logro dependerá, en cierta medida, de la variedad y naturaleza de las emisoras existentes en el emplazamiento en cuestión.

El estreno de "Devil's Music" tuvo lugar en la sala Anti Club de la ciudad de Los Ángeles en 1985. Durante los siguientes tres años, Collins presentó la pieza unas cien veces entre actuaciones en Estados Unidos y Europa. Además, preparó una versión en estudio de la pieza para ser publicada en 1986 en un LP aparecido en el sello Trace Elements Records. Veintiocho años después, en noviembre de 2009, la firma editorial japonesa EM Records presentó la reedición del mentado vinilo. Y lo hizo en este doble CD que nos ocupa y que incluye asimismo otra realización de la pieza, titulada 'Real Landscape A + B', y la composición para cinta 'The Spark Heard 'Round the World', surgida en 1988 por encargo de New Radio and Performing Arts. Composición esta última que secuencia fragmentos de conversaciones telefónicas con otras producidas entre radios de barco a costa, así como comunicaciones de taxistas, policías, bomberos e interferencias originadas entre emisoras de onda corta. Completan el programa del doble CD: un videoclip perteneciente a una interpretación de "Devil's Music" ofrecida por Collins en diciembre de 1987 en Southern Danceworks, Birmingham, Alabama (U.S.A.), y un archivo con el software (para PC y Mac) que el compositor escribió en 2002 y revisó en 2009 y cuya utilización, acompañada naturalmente de un receptor de radio y unos auriculares, debería permitir llevar a cabo nuestra propia realización de esta música diabólica.

"Devil's Music"

CD 1: 1. 'Devil's Music A' (1985); 2. 'Devil's Music B' (1985); 3. 'The Spark Heard 'Round The World' (1988).

CD 2: 1. 'Real Landscape A' (1987); 2. 'Real Landscape B' (1987); Contenido adicional –software y videoclip-.

Formato: 2CD; Duración total: 113:04

Peter Hansen: "World News"

Peter Hansen

World News
(er_cd_029)

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En Donsö, una pequeña isla perteneciente al archipiélago de Gotemburgo, vive desde 1992 el compositor sueco Peter Hansen (1958- ). Hasta esa fecha, había residido en Örebro -su localidad natal-, en Falster (Dinamarca) y, sobre todo, en la propia Gotemburgo, ciudad de cuyo Conservatorio de Música fue alumno y profesor. También en esta ciudad, en la Iglesia Anglicana St. Andrews, ejerció como organista durante más de dos décadas. Compositor principalmente de música instrumental de cámara, Hansen cuenta asimismo con un repertorio que comprende, entre otros, trabajos de experimentación electrónica, otros de estilo pop y, además, un extenso conjunto de pequeñas piezas solistas para instrumentos de teclado.

Su álbum que ahora presentamos, "World News", fue coproducido en 2009 entre el sello Everest Records y la pianista suiza Hildegard Kleeb, también intérprete de todas las piezas que incluye el mismo. En el interior del digipak, ella misma agradece al crítico Bjorn Nilsson por haberle descubierto el universo musical de Peter Hansen. Un universo que, a pesar de circunscribirse aquí únicamente a la producción pianística, resulta ciertamente estimulante.

Según cuenta el citado Nilsson, en una vieja guía mundial de la radio y la televisión, el compositor sueco encontraría la inspiración para iniciar en 1991 su serie de piezas "World News". La guía no solo contenía información detallada acerca de los distintos agentes activos en la radiodifusión global, sino también la reproducción gráfica de las sintonías de apertura correspondientes a todas y cada una de las emisoras que figuraban en ella. Precisamente estas representaciones motivaron a Hansen a escribir sus propias sintonías para estaciones radiofónicas imaginarias. Escribió muchas y todas para instrumentos de teclado.

En el CD, estas breves y sencillas composiciones aparecen sosegadamente, intercalándose entre otras tantas piezas al piano del autor. Unas y otras coinciden esencialmente en la proposición de una música de tinte básicamente tonal, en la que emplear el mínimo de materia sonora posible y cuyo temperamento sea claramente repetitivo. La simple ejecución reiterada de varios acordes o de una minúscula frase musical resultan aquí suficientes para la creación de atmósferas acústicas que podrían fácilmente no tener fin. Algo semejante a lo que acaso pudiera representar el acompañamiento ambiental o ameublement satiniano. No en vano, se sugiere en las notas del disco que este se escuche a un volumen particularmente bajo. Y quizá tampoco sea casual que la pieza más extensa del programa curiosamente lleve por título 'Vexation for a Burger' y que su duración exacta sea de 8 minutos y 40 segundos.

"World News" CD: 1. 'World News 88'; 2. 'Summerair Sketch'; 3. 'World News 88'; 4. 'World News 211'; 5. 'Autogrill Bologna'; 6. 'Vexation for a Burger'; 7. 'World News 67'; 8. 'Summerair Sketch'; 9. 'World News 1'; 10. 'Corciano Notte'; 11. 'World News 1'; 12. 'Sunset Song'; 13. 'World News 111'; 14. 'Objet trouvé'; 15. 'World News XXV - month of maying'; 16. 'Sylvestersang'; 17. 'World News 111'; 18. 'Fifth Trajectory -upon one note- for crotales'; 19. 'Impromtu'; 20. 'World News 111'; 21. 'World News XXX (Sphinxes)'; 22. 'Adele's Song'; 23. 'World News + World News 20'; 24. 'Avebury'; 25. 'World News XXIII'.

Formato: CD; Duración total: 67:31

Brandon LaBelle: "The Sonic Body: Figures 1 - 12"

Brandon LaBelle

The Sonic Body: Figures 1 - 12
(Errant Bodies Records #06)

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En enero de 2009 y por encargo de la Deutschland Radio, Brandon LaBelle (1969- ) presentó The music will not be broadcast en el club berlinés Maria am Ostbahnof, un evento performativo con el cual constituyó ocasionalmente una discoteca silenciosa. Fue ese el embrión inspirador de "The Sonic Body", un proyecto que el artista y escritor estadounidense desarrolló a lo largo de todo ese año y también durante 2010, y del que resultaron la realización de dos instalaciones –una en Roma y la otra en Bretigny-, un taller artístico en Berlín y una exposición en Los Angeles.

Con "The Sonic Body", LaBelle recurrió a una de sus fascinaciones -el baile en todas sus posibles facetas- con el propósito de poder explorar el cuerpo danzante como un campo auditivo repleto de sugestión. El devenir sónico de ese cuerpo en movimiento y su capacidad para transformar no solo la propia composición gestual, sino también el espacio que habita. En un primer momento, su investigación pasó por solicitar de diversos individuos, conocidos y extraños, que bailaran al son de una canción que cada uno de ellos elegía libremente. Los participantes bailaron individualmente, siempre en espacios cerrados, mientras oían la música a través de auriculares y accedían, además, a que el audio que generaron con la ejecución de sus respectivos movimientos resultara registrado.

Posteriormente, extendió su propuesta a varias situaciones de grupo. Aquí, sin embargo, en lugar de música, las personas integrantes de cada grupo, fueran o no bailarines, debían escuchar únicamente sus propias acciones. El sonido de estas era captado por una serie de micrófonos repartidos por el espacio cerrado en el que actuaban y devuelto amplificado a los participantes que podían oírlo a través de auriculares inalámbricos. Ya, por último, el autor abandonó la idea de utilizar micrófonos y auriculares y solicitó de cada grupo participante que simplemente imaginaran todos y cada uno de sus movimientos como acciones generadoras de sonido.

De todas las grabaciones obtenidas en la realización del trabajo, el registro aquí presentado incluye una selección. Un total de doce figuras o identidades acústicas reunidas en un CD (Errant Bodies Records, 2011) acompañado de un libreto de dieciséis paginas con abundante información escrita.

Participantes en "The Sonic Body": James Webb, Trine Hylander Friis, Annette Stahmer, Pedro Gómez Egaña, Bruno Lechowski, Martina Schaaf, Signe Lidén, Priyanka Basu, Steve Rowell, Tao G. Vrhovec Sambolec, Nicole Clarke, Eliza Pfister, Shayna Keller, Gerald Michel, Angelina Attwell, Hildur Gudnadottir, Natalie Hofmann, Anna Posch, Isis Martin, Simone van Dijken y Baron Samedi.

"The Sonic Body: Figures 1 - 12" CD:

Figura 1: Movimiento de un participante en una habitación concreta. Escuchando 'Diddle Li Di' de Suzi Hyldgaard. Grabado en una tarde de primavera con un único micrófono sostenido cerca del participante.
Figura 2: El mismo participante moviéndose en el mismo sitio y escuchando la misma música. Sin embargo, el espacio ahora cuenta con la adición de una alfombra situada sobre el suelo.
Figura 3: Movimiento de un participante en una pequeña habitación. Escuchando 'Transmission' de Joy Division. Grabado por la noche.
Figura 4: Movimiento de un participante en una casa silenciosa. Escuchando 'I Get Around' del grupo Beach Boys. Grabado durante una tarde de invierno con un micrófono situado en el suelo.
Figura 5: Movimiento de un participante en un espacio vacío pequeñísimo. Escuchando 'Circular' de Hildur Gudnadottir. Grabado por la tarde.
Figura 6: Movimiento de un participante en un espacio concreto en el que destacan unos grandes ventanales con vistas a un puerto. Escuchando 'El Gran Varón' de Willie Colón. Grabado en un día corriente.
Figura 7: Movimiento de un participante que lleva puestas múltiples prendas de vestir. Escuchando 'Mani' de Paco Fernández. Grabado por la noche en el vestíbulo oscuro de un apartamento.
Figura 8: Movimiento de un participante en un estudio iluminado. Escuchando 'Young Man' de Epaksa. Grabado de forma privada por el propio participante.
Figura 9: Movimiento de un participante en una habitación estrecha. Escuchando 'Ray of Light' de Madonna. Grabado durante una mañana lluviosa.
Figura 10: Movimiento de un grupo de cinco participantes en un estudio de sonido. Escuchando 'Can’t Get Enough of Your Love' de Barry White. Grabado por la tarde utilizando múltiples micrófonos.
Figura 11: Acción de grupo (intervienen cuatro participantes) grabada en un amplio espacio teatral. Escuchando a través de auriculares inalámbricos el conjunto de sonidos amplificados que captan varios micrófonos repartidos en dicho espacio. Grabado en total oscuridad.
Figura 12: Acción de grupo (intervienen cuatro participantes) grabada en un espacio para la danza. Escuchando la energía acústica de sus propios movimientos. Grabado a plena luz.

Fromato: CD; Duración total: 51:43

Carmen Pardo: "La escucha oblicua. Una invitación a John Cage"

Carmen Pardo

La escucha oblicua. Una invitación a John Cage
(ISBN: 978-84-15601-66-1)

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Sexto Piso, una editorial mexicana independiente con filial en Madrid, ha publicado recientemente una reedición revisada y aumentada del texto de la autora Carmen Pardo: "La escucha oblicua. Una invitación a John Cage". (Colección: Ensayo Sexto Piso; Encuadernación: Rústica con solapas; 200 páginas).

Leemos en la contracubierta del libro: En "La escucha oblicua. Una invitación a John Cage", la filósofa y escritora Carmen Pardo aborda de manera magistral la obra de ese enigma viviente que fue John Cage. Sin embargo, no se trata de una mera biografía musical, sino de un lucido esfuerzo por situar a Cage como uno de los grandes genios de la música contemporánea, alguien que revolucionó la manera de concebir y escuchar música, y que no dudó en prestarse a experimentos como meterse en una cámara aislada en la Universidad de Harvard para demostrar que ni en las condiciones más extremas existe el silencio total, pues la vida implica necesariamente el ruido. Cage quería desautomatizar nuestra percepción reduccionista y narrativa de la composición, y liberar así al sonido de todas sus representaciones, de todos los acuerdos con un sentido previo. Sabía que había que dejar de pensar para, al fin, poder escuchar.

"La escucha oblicua. Una invitación a John Cage" trasciende con creces el ámbito estrictamente musical, pues rastrea las relaciones de Cage con otros artistas (como el coreógrafo Merce Cunningham o el director de teatro Robert Wilson) y otras disciplinas (desde su inclinación por el budismo zen como alumno de D. T. Suzuki hasta sus aproximaciones al "Finnegans Wake" joyceano) y el modo en que estos intereses y conexiones confluyeron para formar parte de su filosofía y obra musical. La autora se centra sobre todo en explorar los límites de un canon que Cage quiso expandir con la intención de abarcar como música toda una gama de sonidos, incluido el silencio. Nuevos paisajes sonoros que antes de John Cage hubiera sido un sacrilegio considerar como parte del arte musical.

El volumen cuenta además con la reproducción de dos prefacios -uno de Gloria Moure a la primera edición y el que Daniel Charles escribió para la edición francesa- así como con una extensa bibliografía.

Carmen Pardo es doctora en Filosofía por la Universidad de Barcelona y ha sido investigadora residente postdoctoral en la unidad IRCAM-CNRS de París. Ha impartido numerosos cursos y seminarios en diversas universidades nacionales e internacionales. Se hizo cargo de la traducción y edición de los escritos de John Cage y es autora de varios libros sobre este compositor. En la actualidad investiga permanentemente sobre arte contemporáneo y las tecnologías, y es toda una autoridad en lo referente a la obra y la reflexión de John Cage. También ha publicado diversos textos sobre Stockhausen, Ligeti, Xenakis y a propósito de la relación entre música y filosofía en Platón, Descartes, Nietzsche o Deleuze. Su trabajo sigue la línea continua de la interrogación sobre la posibilidad de una reflexión estética que extraiga sus instrumentos del ámbito sonoro.

Michel Chion: "La Messe de Terre"

Michel Chion

La Messe de Terre
(M614001)

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Compositor, escritor, realizador de cine y video, profesor e investigador, Michel Chion nace en Creil (Francia) en 1947. Tras cursar estudios literarios y musicales, trabajó en la Oficina de Radiodifusión-Televisión Francesa (ORTF), colaboró con Pierre Schaeffer en el Conservatorio Nacional de Música de París y ejerció como productor de las emisiones del Groupe de Recherches Musicales (GRM). También fue responsable de las publicaciones del INA-GRM, institución a la que perteneció desde 1971 a 1976. Fue allí donde conoció a Robert Cahen, compositor y video-artista con el que colaboró asiduamente. Chion es autor de numerosos trabajos de música concreta y melodramas electroacústicos. Entre ellos destacan: "Le prisionner du son" (1972), "Requiem" (1973), "La tentation de Saint-Antoine" (1984), "Tu" (1977-85), "Gloria" (1994) o "L'Isle Sonante" (1998-2010).

Como teórico trabaja en el estudio sistemático de las relaciones audiovisuales, materia de la que imparte clases en varios centros universitarios y escuelas de cine. Además de contar con una veintena larga de publicaciones a propósito de la música y el cine, Chion ha escrito multitud de artículos en la prensa francesa e internacional así como ensayos acerca de compositores y realizadores como Pierre Henry, François Bayle, Charlie Chaplin, Jacques Tati, David Lynch y Stanley Kubrick.

Su composición "Requiem" obtuvo, en 1978, el Grand Prix du Disque de l'Académie du Disque Français y su creación audiovisual "La Messe de Terre" (1996) fue galardonada asimismo con el Grand Prix de la ciudad de Locarno. Precisamente, este último trabajo ha sido objeto recientemente de esta edición en DVD (Motus - Colección Motus pour voir, 2014) coproducida entre Sono-Concept (Michel Chion, Anne-Marie Marsaguet) y Périphérie Production (Claudine Bories, Jean-Patrick Lebel).

"La Messe de Terre" consiste en una liturgia audio-logo-visual de dos horas y media de duración, estructurada en dos partes, catorce movimientos y un entreacto. Su autor nos la describe en los siguientes términos: Fresco figurativo pero no narrativo, La Messe de Terre superpone sin mezclarlos el mundo cotidiano, nuestro "aquí abajo", el de una tierra surcada o plagada por el agua, y el texto latino de la misa católica. Este texto, cantado o voceado, se hace comprensible mediante subtítulos en francés (fijos) y en inglés (opcionales). La obra en su conjunto despliega un ritual en el que se ha excluido toda la iconografía religiosa; si aparecen objetos-símbolos, estos son abstractos (un cubo dibujado) o triviales (objetos colgando de un tendedero).

Dos fragmentos tomados de Goethe y Schubert, en la segunda parte, abren un paréntesis cósmico y panteísta que seguidamente se cerrará.

El héroe colectivo de esta misa es la humanidad no-heroica que es vista en procesión, recorriendo las calles, bebiendo en una terraza o disfrutando de una fiesta, y cuyo canto y plañido oímos.

Para emprender mejor este largo viaje, comenzado en los baches y las interrupciones, y que gradualmente va dejando paso a corrientes prolongadas, se sugiere visionar el contenido extra del DVD (La Messe de Terre illustrée) donde se cuenta la forma general de la obra.

Michel Chion: Imágenes, sonidos, música, montaje y realización de "La Messe de Terre". La obra incluye además músicas adicionales de Olivier Messiaen, François Donato y Franz Schubert. Intervienen como intérpretes: Cécile Sacco, Michel Chion, Lanie Goodman y Anne-Marie Marsaguet.

"La Messe de Terre" DVD: I. 'Entrée'; II. 'Une vie'; III. 'Quatorze Stations'; IV. 'Kyrie'; V. 'Vitrail'; VI. 'Gloria'; VII. '...' (Entr'acte) VIII. 'Credo'; IX. 'Chant de nuit'; X. 'Genèse'; XI. 'Offertoire'; XII. 'Sanctus Benedictus'; XIII. 'Agnus Dei'; XIV. 'Communion'; La Messe de Terre illustrée (Contenido extra en francés y sin subtítulos. Realización y montaje: Jérôme Bloch).

Formato: DVD: Duración total: 174:00

Jocelyn Robert: "Folie/Culture"

Jocelyn Robert

Folie/Culture
(ReR JORCD)

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Artista multidisciplinar, Jocelyn Robert (Québec, 1959) es autor de un amplio catálogo de creaciones sonoras y trabajos instalativos. En 1993 fundó la asociación Avatar, un colectivo de creadores especializado en la investigación, producción y difusión de obras de arte electrónico. A lo largo de su trayectoria ha disfrutado de diversas residencias artísticas y sus producciones han sido presentadas en Canadá, Estados Unidos, México, Chile, Australia y también en Europa. Cuenta con una quincena de grabaciones en solitario y otras tantas realizadas en colaboración con otros artistas. Sus escritos a propósito de aspectos de la actividad artística han aparecido en catálogos y numerosas publicaciones internacionales. En 2007 recibió del Consejo de las Artes y las Letras de Québec el Premio a la Creación como parte del Premio del Consejo de la Cultura de Québec. En la actualidad, ejerce como docente en la Escuela de Artes Visuales de la Universidad quebequesa Laval.

"Folie/Culture", título del CD que aquí presentamos, es principalmente el nombre de una organización canadiense sin ánimo de lucro dedicada a la difusión de producciones culturales que permitan explorar la relación existente entre dinámica emocional y creación. Desde su fundación, en 1984, Folie/Culture ha impulsado numerosos eventos multidisciplinares con voluntad de propiciar el debate y la reflexión crítica a propósito de la marginalización que acarrean la locura y ciertas ansiedades sociales. Tras la celebración del que fue el tercer evento público promovido por la institución, Robert quiso manifestar su apoyo a la causa componiendo entre 1989 y 1991 un singular trabajo sonoro. Composición que acabó fijada en este registro publicado por el sello ReR Megacorp.

Producida a modo de sugestivo collage de sonidos y silencios para banda magnética, la obra condensa en el siguiente ruego, contenido en las notas del disco, su principal virtud: No suba el volumen (de su amplificador). Ajústelo de tal manera que la música y los sonidos del ambiente lleguen a confundirse. El artista plantea así una experiencia de escucha distinta y, sobre todo, incita al auditor a considerar de interés todo aquello que suene a su alrededor.

Para cada una de las cuatro partes que componen "Folie/Culture", Robert eligió unos cuantos sonidos y los dispuso, diligentemente, en alternancia con varias interrupciones silenciosas de duración diversa. Al margen del particular sonar ambiental que pueda reinar en el emplazamiento en el que el trabajo acabe escuchándose, el discurrir de las series de sonidos intencionales que el autor provee es esencialmente calmo. Mas allá de que puedan resultar o no familiares, fugaces, continuados, aislados, yuxtapuestos, o más o menos simbólicos, todos ellos -el goteo de un líquido, pequeñas explosiones, campanas, voces, una cajita de música, un respirador, alarmas electrónicas, escalas descendentes tocadas al piano, soplos en una armónica, etc...- constituyen eventos acústicos plenamente válidos a la luz de una proposición integradora que no repara en jerarquías.

Finalizada la cuarta sección de "Folie/Culture", observamos sin embargo que el disco prosigue. Un intervalo silencioso de tres minutos nos lleva al comienzo de un fragmento que Robert decidió agregar a la obra denominándolo como pieza opcional. Consiste en un montaje fijado en cinta de una simple melodía a la guitarra acústica, redoblada y reproducida en múltiples variaciones. Su intencionada musicalidad parece pretender devolvernos repentinamente a nuestra condición inicial, aquella en la que tuvimos que aprender que la música era música y el ruido solo ruido. Nos quedará, eso sí, la opción de ignorar esta última agregación en el disco.

"Folie/Culture" CD: 1. Parte 1; 2. Parte 2; 3. Parte 3; 4. Parte 4; 5. Pieza opcional.

Formato: CD; Duración total: 66:18

José Luis Castillejo: "La Escritura no Escrita"

José Luis Castillejo

La Escritura no Escrita
(ISBN: 84-922224-0-9)

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"La Escritura no Escrita" constituye una obra significativa en la producción discursiva de José Luis Castillejo. Fue publicada en 1996 por la Facultad de Bellas Artes de Cuenca dentro de su colección Taller de Ediciones. (Encuadernación: Rústica con solapas; 192 páginas).

En una nota preliminar incluida al inicio del libro, el autor escribió: El conjunto de "La Escritura no Escrita" fue escrito en 1976. Este texto se publica ahora corregido y con un Epílogo. El propósito del libro fue dar un fundamento teórico a otra obra que, por su elevado coste de realización, no ha sido publicada y denominada "Un Libro de un Libro". Sólo algunas páginas fueron impresas y distribuidas a título de ensayo. Actualmente, creo de mayor interés, aparte de los condicionantes económicos, publicar "La Escritura no Escrita" y no "Un Libro de un Libro". Dada la poca capacidad de nuestra época para el simbolismo, este último sería mal interpretado e incluso confundido con un objeto minimalista o fetiche. Su intención reflexiva se perdería entre tanto ruido. (Madrid, octubre de 1996).

Y las primeras palabras del texto en torno a una escritura que libere de la marca, a una escritura de los arquetipos fueron: "Hace años me interesó más lo escrito de la escritura; ahora, en cambio, me preocupa más lo no escrito. No se puede separar el mundo de lo escrito y el mundo de lo no escrito. Es decir, no se puede separar escritura y mundo. Ya es hora de que no se diga soy escritor, es escritor, no soy escritor, no es escritor. Ser o no ser, esa no es la cuestión".

Escritor y diplomático de carrera, además de coleccionista de arte, José Luis Castillejo (Sevilla, 1930) fue miembro del grupo Zaj. Entre sus libros más conocidos figuran: "La caída del avión en terreno baldío" (1967), "The book of i's" (1969) o "Tlalaatala" (2001). Su publicación más reciente ha sido "Ensayos sobre arte y escritura" (Ediciones La Bahía, 2013).

Marc y Olivier Namblard: "Brames (et autres mouvements d'automne)"

Marc y Olivier Namblard

Brames (et autres mouvements d'automne)
(PP1211)

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La Compagnie Ouïe/Dire, fundada en 1994 por Jean-Léon Pallandre y Marc Pichelin, impulsa y desarrolla proyectos artísticos que atienden principalmente a la relación del individuo con su entorno acústico. Conciertos, proyecciones sonoras, instalaciones y eventos educativos, forman parte de una actividad creativa centrada sobre todo en la escucha y mediante la cual se toman en consideración también aspectos diversos de índole social, cultural y pedagógica. Ouïe/Dire es, además, la denominación de la firma editorial donde se publican las obras que resultan de algunos de esos proyectos.

Este es el caso, por ejemplo, del CD que nos ocupa: "Brames (et autres mouvements d'automne)" (2012). Sus autores son Marc (1973- ) y Olivier (1969- ) Namblard, hermanos y audionaturalistas. De su padre aprendieron el hábito de registrar los sonidos propios de escenas de la vida cotidiana. De él, así como de la madre, aprenderían asimismo a apreciar la belleza del paisaje de las Cevenas francesas y la de otras extensiones naturales que recorrían en familia. Juntos colaboran desde hace años en la realización de trabajos con sonidos ambientales. Sus exploraciones aparecen documentadas en la página web: promeneursecoutant.fr

Las cinco secuencias que componen el registro "Brames" corresponden a varias de las expediciones efectuadas por Marc y Olivier a los bosques de los departamentos franceses de Vosges y Loiret. Allí acudieron con voluntad de obtener captaciones sonoras del ambiente que precede al apareamiento efectivo de los ciervos. Del comportamiento mostrado por los animales en aquellos primeros días de otoño, destaca especialmente la berrea o bramido que profiere el macho. En señal de excitación o incluso de desafío frente a otros ejemplares de su mismo género, el ciervo proclama así su virilidad dominante. Unos bramidos que, propagados en la quietud del bosque, alcanzan a veces una presencia sobrecogedora. Y los hermanos Namblard, conocederes de las dificultades que podía entrañar su misión, exhiben, sin embargo, una solvencia extraordinaria.

Sus grabaciones son impecables. Gracias en parte a la técnica de depositar, durante largos espacios de tiempo, los dispositivos de registro en un particular emplazamiento del entorno natural a documentar -lo que se conoce como piège à sons- las captaciones resultantes permiten descubrir eventos sonoros sorprendentes, algunos de ellos inéditos al oído humano. Constituyen, en definitiva, escenas de una intimidad sin concesiones que sitúan al oyente ante una propuesta auditiva única, a medio camino entre el documento naturalista y la creación sonora.

Encerrado en una envoltura plástica a modo de sobre (tamaño A5), el CD viene acompañado de diez postales que reproducen fotografías tomadas por David Hackel y el mismo Marc Namblard durante la realización del trabajo. El reverso de siete de las postales incluye notas y créditos escritos en francés e inglés.

"Brames (et autres mouvements d'automne)" CD: 1. 'Dans les faignes'; 2. 'Crépuscule électrique'; 3. 'Forêt sonnante'; 4. 'Le centre de la nuit'; 5. 'Éclats de fatigue'.

Formato: CD: Duración total: 60:23

John Cage: "Early Electronic and Tape Music"

John Cage

Early Electronic and Tape Music
(SR361)

16,55 EUR más gastos de envío - Agotado

Felix Carey, Iain Chambers y Philip Tagney trabajan como productores musicales en Radio 3, emisora perteneciente a la British Broadcasting Corporation (BBC). Robert Worby, por su parte, compositor, artista sonoro y escritor, ejerce como presentador en esa misma emisora. Los cuatro integran desde 2003 el Langham Research Centre (LRC), una agrupación interpretativa londinense dedicada tanto a la ejecución de composiciones clásicas de la música electrónica del siglo XX -obras de autores como John Cage, Alvin Lucier o Earle Brown figuran habitualmente en el repertorio que el grupo maneja- como a la realización de nuevas creaciones musicales, empleando siempre como instrumentación viejos aparatos analógicos.

Su inclinación hacia la tecnología analógica se remonta una década atrás, coincidiendo con los que fueron los últimos días de utilización de la cinta de bobina abierta en la emisión de contenidos radiofónicos de la BBC. Las posibilidades expresivas y sonoridad vacilante de ese soporte magnético fascinaron por igual a los cuatro miembros del LRC. Además, han reconocido también su admiración por el trabajo de investigación sonora que a lo largo de los años efectuaron músicos y compositores como John Baker, Daphne Oram o Delia Derbyshire en el hoy extinto BBC Radiophonic Workshop. Recobrar de alguna manera ese espíritu experimental de antaño es lo que Carey, Chambers, Tagney y Worby pretenden con su música y sus actuaciones.

En su debut discográfico, "Early Electronic and Tape Music" (Sub Rosa, 2014), LRC ofrece realizaciones grabadas en 2013 de algunas de las piezas electroacústicas que John Cage (1912-1992) produjo entre 1952 y 1962. Años de importantes logros creativos en la carrera del autor estadounidense cuyos principales intereses pasaban, en aquel entonces, por el azar y las operaciones aleatorias, la indeterminación, el desarrollo de una actividad experimental enfática y, como no, por la adopción de la tecnología electrónica.

Constituye un aliciente de este registro la inclusión, por primera vez, de una grabación correspondiente a la partitura gráfica fechada en 1960 'WBAI: material for making a mechanical program'. Igualmente, el CD contiene realizaciones también de otras dos obras poco difundidas: '0'00''' de 1962 y 'Variations I' de 1960.

Felix Carey: tocadiscos, cápsula fonocaptora, sonidos auxiliares, cinta de bobina abierta. Iain Chambers: cápsula fonocaptora, sonidos auxiliares, cinta de casete, cinta de bobina abierta, radio. Philip Tagney: sintetizador, cápsula fonocaptora, sonidos auxiliares, palabra hablada. Robert Worby: oscilador de onda cuadrada, cápsula fonocaptora, sonidos auxiliares, radio. Catherine Carter: mezzosoprano en 'Fontana Mix with Aria'.

"Early Electronic and Tape Music" CD: 1. 'Fontana Mix with Aria' (1958); 2. 'Imaginary Landscape nº 5' (1952); 3. 'WBAI' (1960); 4. 'Cartridge Music' (1960); 5. '0'00''' (1962); 6. 'Variations I' (1960).

Formato: CD; Duración total: 46:21

Dan Lander & Micah Lexier (Ed.): "Sound by Artists"

Dan Lander & Micah Lexier (Ed.)

Sound by Artists
(ISBN: 978-1-895166-28-6)

19,95 EUR más gastos de envío - Agotado

Considerado entre aficionados y estudiosos del arte sonoro como un libro de culto, "Sound by Artists", publicado originalmente en 1990 por Art Metropole en colaboración con Walter Phillips Gallery, fue objeto en 2013 de la presente reedición facsímil impulsada y completada, en esta ocasión, por Blackwood Gallery y Charivari Press.

La antología que fue coeditada entre los artistas canadienses Dan Lander y Micah Lexier comprende, entre otros, ensayos y artículos acerca de: la escucha, la correlación entre lo visual y lo sonoro, la radio y el medio radiofónico, la música y el medio ambiente, la cultura del casete, la contravención de las leyes sobre derechos de autor, la performance y el collage. También se incluyen descripciones de diversos proyectos instalativos, la transcripción de varias partituras, así como entrevistas a Gordon Monahan, John Cage y Alvin Lucier.

Contribuyen en el libro los siguientes artistas y escritores: Daina Augaitis, Bruce Barber, Max Bruinsma, John Cage, Kevin Concannan, Moniek Darge & Godfried-Willem Raes, Suzanne Delehanty, Jack Goldstein, Graf Haufen, Ihor Holubizky, Douglas Kahn, Richard Kostelanetz, Christina Kubisch, Marysia Lewandowska, Annea Lockwood, Alvin Lucier, Christian Marclay, Donal McGraith, Rita McKeough, Gordon Monahan, Ian Murray, Mystery Laboratory, Maurizio Nannucci, Max Neuhaus, R. Murray Schaeffer, Stelarc, Rod Summers, Bill Viola, Gregory Whitehead, Hildegard Westerkamp y Caroline Wilkinson.

Encuadernado en tapa blanda y escrito íntegramente en inglés, "Sound by Artists" contiene 372 páginas. Entre ellas, sesenta imágenes en blanco y negro contando tanto ilustraciones como fotografías.

Nota: al tratarse de una impresión facsímil, el volumen que aquí presentamos no cuenta con el título original reproducido en braille en la cubierta, ni las páginas 337 y 338 albergan el flexidisc de Christian Marclay que sí incluía la primera edición.