Robert Iolini: "Songs from Hurt"

Robert Iolini

Songs from Hurt

(ReR RI2)

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Compositor, productor y artista multidisciplinar, Robert Iolini (1960- ) es autor de un repertorio innovador y estilísticamente diverso. Titulado en composición avanzada en la Universidad Macquarie, en Sydney, Australia, su actividad creativa incluye aspectos de la música, el cine, la poesía, la antropología, la creación videográfica, el documental y el arte sonoro. 'The Hong Kong Agent' (2008), 'The Wounding Song' (2006) y 'Black Sheep' (2001) son algunos ejemplos representativos de su original trabajo multiforme. Desde 1994 ha colaborado con la Australian Broadcasting Corporation produciendo numerosas obras radiofónicas para el programa 'The Listening Room'. Además, ha recibido encargos compositivos de la Radio Nacional Danesa, el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, el Netherlands Program Service y Big hArt Inc. Su composición 'Hong Kong: City in Between' fue una de las ganadoras en el festival 'Soundscapes be)for(e 2000', celebrado en Amsterdam en noviembre de 1999.

Publicado en 2005 en ReR Megacorp, el CD "Songs from Hurt" contiene tres de sus destacados trabajos radiofónicos, realizados entre 1998 y 2001, para la Australian Broadcasting Corporation.

Compuesta para piano e instrumentos electrónicos de teclado, la voz de la actriz Virginia Baxter y los sonidos de varios proyectores cinematográficos y de un fotoplayer de 1927 (un antiguo instrumento mecánico, fabricado para acompañar musicalmente las películas mudas), 'Silent Motion' discurre a propósito del papel de la música en el cine. Más allá de reafirmar la importancia de ésta a la hora de acompañar o ilustrar una secuencia fílmica, el texto que Virginia Baxter lee con absoluta pulcritud, propone también algo así como un manual de buenas artes para el músico de bandas sonoras. Por su parte, y dando aquí el mejor ejemplo posible, Iolini engalana ese relato con una espléndida música de teclados y mecanismos sonantes. Partiendo de la archiconocida y festiva melodía 'Funiculi, funicula' del italiano Luigi Denza, 'Silent Motion' transcurre animosa entre efectivos juegos rítmicos y ciertos pasajes de misteriosa introspección. Todo ello como expresión evocadora de un pasado de ilusión.

De signo claramente distinto son las dos restantes obras incluidas en el disco. 'Songs from Hurt' tiene su origen en la recopilación de una serie de entrevistas que formarían parte del docudrama "Hurt", dirigido en 1999 por el realizador Phillip Crawford. Con este material grabado, Iolini compuso una impactante creación radiofónica para voces y banda de rock a propósito de experiencias de marginalidad juvenil. Así es, dividida en siete canciones o episodios de escasos tres minutos de duración cada uno, 'Songs from Hurt' cuenta en un estilo directo, casi desafiante, distintas historias de desolación, desapego familiar, maltrato y actividad delictiva, vividas por jóvenes adolescentes de zonas rurales y pequeñas ciudades australianas. Testimonios que aquí el compositor arropa en todo momento con impecables montajes de un contenido vigor rockero, interpretados por él mismo y el batería Hamish Stewart. Por último, 'Black Sheep' incide de nuevo en la exploración de situaciones de marginalidad. En esta ocasión, los protagonistas de este trabajo radiofónico concebido en 2001, son antiguos, actuales y potenciales presos del Centro de Detención Juvenil Don Dale, en Darwin, Australia. Con su testimonio y el de algún que otro educador y trabajador de aquella comunidad, Iolini compone un excelente y crítico documento, orquestado electroacústicamente con sonidos obtenidos de la vida cotidiana en prisión y otros generados por los propios intervinientes en el relato.

"Songs from Hurt" CD: 1. 'Silent Motion' (1998); ('Songs from Hurt' - 2001) 2. 'Lines on Face'; 3. 'Exiled'; 4. 'Boy Fire Police'; 5. 'Girl Boxer Father'; 6. 'Drug Murder'; 7. 'Mum Beats Son'; 8. 'Mum Dad Strangle'; 9. 'Black Sheep' (2001). La edición contiene un libreto de dieciséis páginas con los textos originales incluidos en las tres piezas del CD.

Formato: CD; Duración total: 58:12

Crawling With Tarts: "Ochre Land, Blue Blue Skies; Grand Surface Noise Opera Nr. 7"

Crawling With Tarts

Ochre Land, Blue Blue Skies; Grand Surface Noise

Opera Nr. 7

(P21039-2)

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Unidos por afinidades artístico-musicales y por su decidida voluntad experimental, Michael Gendreau y Suzanne Dycus-Gendreau fundaron en 1983 la formación estadounidense Crawling With Tarts. A lo largo de sus quince años de actividad llegaron a publicar una veintena larga de grabaciones en distintos formatos y además contribuyeron con múltiples creaciones sonoras en otros tantos álbumes recopilatorios. En su trabajo, de marcada vocación conceptual, utilizan instrumentos diversos y poco convencionales, objetos amplificados, motores eléctricos, voces, músicas y sonidos grabados con el propósito de procurar originales discursos musicales, a menudo devotos de lo irracional. En este sentido, merecen especial mención sus "Grand Surface Noise Operas", una serie de siete collages sonoros surrealistas de los cuales el disco que presentamos incluye su última entrega.
Aunque Gendreau y Dycus compusieran 'Grand Surface Noise Opera Nr. 7' en 1994 y dos años más tarde grabaran esta espléndida realización de treinta y cinco minutos, manejando un antiguo magnetófono de casete de cuatro pistas, no fue hasta 2006 cuando Al Margolis decidió publicarla en CD en su sello Pogus Productions. Un registro que además contiene la también extensa 'Ochre Land, Blue Blue Skies' (1996-7), seguramente una de las últimas piezas compuestas por Crawling with Tarts.

En la misma esencia de 'Grand Surface Noise Opera Nr. 7' y de los demás episodios de la serie está el empleo de aparatos tocadiscos, discos fonográficos de vinilo y, sobre todo, la casi omnipresencia de ese ruido crepitante de superficie que produce el tránsito de la aguja sobre los surcos del disco. Aunque en ocasiones Dycus y Gendreau hayan incorporado en estas singulares 'óperas' alguna que otra incursión instrumental, lo que verdaderamente trasciende de ellas es el montaje con los sonidos grabados. En la que nos ocupa, el collage propuesto es sencillamente delirante. Tras una introducción que combina breves resonancias cristalinas con un piano de juguete y diversos ruidos ambientales, se sucederán varias secuencias con los montajes más ingeniosos y amenos de la obra: discos de transcripción y otro material fonográfico reproduciendo voces y más voces leyendo cartas o practicando idiomas; antiguas músicas populares y de baile acompañadas de anuncios publicitarios y fragmentos de entrevistas y otras emisiones radiofónicas; bandas sonoras de viejas películas que darán paso a un todavía más extravagante pasaje hecho de persistentes golpes metálicos y del sonar de unos tonos o indicadores electrónicos; seguidamente, abundantes grabaciones y melodías de órgano junto a nuevas voces y una última aparición del inicial piano de juguete, concluirán tan denso programa.

Por su parte, 'Ochre Land, Blue Blue Skies' fue realizada en solitario por Gendreau aunque con cierta colaboración conceptual de Dycus y empleando útiles diseñados por ambos. La pieza fue presentada orginalmente en abril de 1997, en una actuación que tuvo lugar en San Francisco. En ciertos pasajes de esta posterior realización de estudio, Gendrau utilizaría fragmentos grabados durante ese concierto. Lejos de ese espíritu más lúdico e hipercombinatorio de 'GSNO Nr. 7', 'OLBBS' discurre por cauces de mayor templanza e introspección. Aquí, Gendreau experimenta con el contraste de dilatadas texturas formadas por los sonidos de objetos, pequeños mecanismos amplificados y distintas fuentes de ruido electroestático. Así, su interés parece residir, en esta ocasión, en la mera exploración tímbrica de esos sonidos que, gozando de un amplio rango dinámico, habitan holgados un entorno pseudoindustrial.

"Ochre Land, Blue Blue Skies; Grand Surface Noise Opera Nr. 7" CD: 1. 'Ochre Land, Blue Blue Skies' (1996-7); 2. 'Grand Surface Noise Opera Nr. 7: The Decadent Opera(Rococo)' (1994).

Formato: CD; Duración total: 69:07

David Dunn: "Autonomous and Dynamical Systems"

David Dunn

Autonomous and Dynamical Systems

(NW80660-2)

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El compositor y artista sonoro David Dunn nace en San Diego, California, en 1953. Desde 1970 a 1974 fue asistente del célebre músico y creador Harry Partch. Miembro asimismo de la Harry Partch Ensemble durante algo más de una década, Dunn cuenta además con una extensa trayectoria creativa que abarca la composición para cine y vídeo, música experimental y electroacústica, trabajos instalativos, creación radiofónica e investigación bioacústica y paisajística. Una destacada producción, a menudo regida por su recurrente idea de considerar la música como fuente comunicativa con el entorno viviente. Sus composiciones y grabaciones ambientales han sido objeto de análisis y debate en numerosos foros internacionales y presentadas en conciertos y emisiones radiofónicas. En 1992 organizó en la ciudad austríaca de Linz, "Eigenwelt der Apparate-welt", una ambiciosa exposición retrospectiva a propósito de la historia del arte electrónico. Además, es autor de "Music, Language and Environment", un CD-ROM publicado en 1999 que documenta con sonidos, imágenes, partituras y escritos, el desarrollo y principales logros de su carrera artística, hasta ese momento, de treinta años. En la actualidad, Dunn sigue componiendo, ejerce como profesor del Programa de Música Contemporánea en el College of Santa Fe (Nuevo México) y preside el Laboratorio del Arte y la Ciencia en esa misma ciudad.
"Autonomous and Dynamical Systems", publicado en New World Records en 2007, constituye el séptimo álbum del compositor estadounidense y contiene cuatro originales trabajos electroacústicos producidos entre 1999 y 2006. El primero de ellos lleva por título 'Lorenz' y surge de la colaboración de Dunn con el científico del caos James Crutchfield. Combinando una serie de osciladores electrónicos con una interconexión entre el programa para la exploración de ecuaciones del caos 'MODE' (Multiple Ordinary Differential Equations) y otro destinado a la síntesis de sonido, Dunn dispone un espacio acústico asombroso. A lo largo de algo más de veinte minutos, múltiples y delicados rugidos, gemidos y silbidos electrónicos inundan ese espacio en un sugestivo y autónomo vaivén hecho sólo para la observación y deleite del oyente. En ese juego musical de correspondencias entre procesos matemáticos y ejercicios de síntesis sonora, Dunn propone en 'Nine Strange Attractors' otra nueva realización. Utiliza nuevamente el programa ‘MODE’ y, en esta ocasión, exhibe, durante veinte minutos exactos, el comportamiento imprevisible de nueve ecuaciones del caos (Duffing, Lorenz, nScroll, Owl, Pendulum, ProtoLorenz4, Rikitake, Rossler y Van der Pol), cada una ellas dueña de su particular universo de sonidos.
'Autonomous Systems: Red Rocks' (2003) es, hasta la fecha, el resultado más reciente de una larga serie de trabajos en los que el compositor explora aspectos de la actividad intercomunicativa en entornos naturales. Concebida a modo de instalación al aire libre y valiéndose de micrófonos y un discreto sistema informático con los que captar y procesar información acústica de un determinado entorno para luego devolverla a ese mismo lugar, Dunn propicia un revelador y felizmente caótico sonar, protagonizado fundamentalmente por aves, insectos y múltiples destellos electrónicos. Por último, 'Gradients' cierra este audaz repertorio electroacústico con una sucesión de tres palíndromos auditivos para sonidos generados por ordenador, todos ellos basados en una transformación estructural común de tres imágenes gráficas diferentes. Dunn emplea un simple programa freeware destinado a la conversión de información gráfica en sonido para acabar creando, en una sola pieza, tres misteriosos ambientes cargados de vigorosas y, en su mayoría, ondulantes texturas electrónicas en permanente diálogo.

"Autonomous and Dynamical Systems" CD: 1. 'Lorenz' (2005); 2. 'Autonomous Systems: Red Rocks' (2003); 3. 'Nine Strange Attractors' (2006); 4. 'Gradients' (1999). La edición incluye un libreto de dieciséis páginas con un ensayo a cargo de Warren Burt y notas del propio compositor.

Formato: CD; Duración total: 67:24

Peter Cusack: "Baikal Ice (Spring 2003)"

Peter Cusack

Baikal Ice (Spring 2003)

(ReR PC2)

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Músico, compositor y artista sonoro de origen británico, Peter Cusack (1951- ) fundó y dirigió durante unos años el célebre London Musicians Collective (LMJ). Entre 1977 y 1986 formó parte, junto a Steve Beresford, David Toop y Terry Day, del cuarteto de música improvisada Alterations. Asimismo ha participado en numerosas colaboraciones con músicos como Clive Bell, Nic Collins, Chris Cutler, Max Eastley, Annette Krebs o Viv Corringham. A su conocida faceta como intérprete hay que sumarle, sin embargo, una importante actividad en el ámbito de la composición paisajística. Miembro del World Forum for Acoustic Ecology y de la Wildlife Sound Recording Society, Cusack fue el artífice de 'Your Favourite London Sounds', un proyecto iniciado en 1998 y encaminado a descubrir cuál era la interpretación que los londinenses hacían del paisaje sonoro de su ciudad. Esa misma idea sería posteriormente desarrollada también en las ciudades de Beijing y Chicago. En la actualidad, además de producir diversos trabajos instalativos con sonidos ambientales, Cusack lleva a cabo la exploración de paisajes sonoros en lugares que sufren o han sufrido una clara degradación ecológica. Entre 2002 y 2006, y en colaboración con Isobel Clouter, produjo 'Vermilion Sounds', un programa radiofónico para Resonance FM dedicado a aspectos de la ecología acústica.

En la primavera de 2003, el artista viajó al sur de Siberia (Rusia) con el propósito de conocer y grabar los sonidos del lago Baikal. Conocido como la perla de Siberia, Baikal posiblemente sea una de las masas de agua dulce más antiguas y profundas del planeta. Sus más de seiscientos kilómetros de longitud rodeados de montañas, así como sus aguas cristalinas y la importante diversidad ecológica del entorno, le convierten en uno de los parajes más asombrosos del mundo. No en vano, la UNESCO lo declaró patrimonio de la humanidad en 1996.

Durante el invierno, la superficie de este gigante acuoso acumula una capa de hielo tan grande y compacta que podría llegar a soportar el tránsito de cualquier transporte imaginable. Así, con la intención de conocer de primera mano la singularidad acústica del lago especialmente en la época del deshielo, Cusack decidió emprender su viaje en el mes de abril. Una vez allí, recorrió la zona, entabló relación con habitantes de poblaciones cercanas al lago y, sobre todo, llevó a cabo numerosas grabaciones ambientales. El CD que nos ocupa ("Baikal Ice" - ReR Megacorp, 2004) contiene una selección de esas grabaciones originales. Una buena parte del disco corresponde a captaciones subacuáticas del hielo cediendo en el proceso de licuación. De comportamiento azaroso, esos murmullos cristalinos y de delicado tintineo, componen uno de los secretos acústicos más bellos de la naturaleza. Además, Cusack incluyó también grabaciones del lago obtenidas en superficie y las de otros distintos episodios y anécdotas que tuvieron lugar a lo largo de su estancia en ese remoto entorno: la llegada al embarcadero de un pequeño transbordador; la captación nocturna del ruido provocado por un generador eléctrico en el puerto Baikal; el despertar de un nuevo día desde una tienda de campaña; la caída accidental en el agua del lago de un técnico telefónico; los sonidos de una fuente rota en la ciudad de Angarsk; el ferrocarril transiberiano y las grabaciones de perros, gaviotas y otras aves.

"Baikal Ice (Spring 2003)" CD: 1. 'banging holes in ice'; 2. 'floating icicles rocked by waves'; 3. 'guardians'; 4. 'port baikal weird'; 5. 'ferry mores at jetty'; 6. 'coal fired generator'; 7. 'falling in'; 8. 'herring gull shot'; 9. 'roar over ice'; 10. 'ice pressured'; 11. 'in tent - getting up'; 12. 'baikal ice flow split 1'; 13. 'baikal ice flow split 2'; 14. 'baikal ice flow split 3'; 15. 'baikal ice flow split 4'; 16. 'baikal ice flow split 5'; 17. 'flagging down train'; 18. 'girl in train singing'; 19. 'fountain sculpture'; 20. 'the last ice'. A la edición en digipack le acompaña un libreto de sies páginas con varias fotografías obtenidas durante el viaje, un breve texto introductorio y descripciones de las grabaciones.

Formato:CD; Duración total: 69:23

Kenneth Gaburo: "Lingua II: Maledetto / Antiphony VIII"

Kenneth Gaburo

Lingua II: Maledetto / Antiphony VIII

(P21047-2)

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Nacido en 1926 en Somerville, New Jersey, el compositor, profesor y editor Kenneth Gaburo estudió en la Eastman School of Music, en el Conservatorio de Santa Cecilia (Roma) y en la Universidad de Illinois. Desde 1956 y en la facultad de esta última universidad, Gaburo formó parte de una comunidad de compositores que incluía a Salvatore Martirano, Herbert Brün, Edwin London, Ben Johnston y James Beauchamp. En 1968 se trasladó a San Diego, incorporándose al departamento de música de la Universidad de California (UCSD). Allí conoció y entabló amistad, entre otros, con Pauline Oliveros, Robert Erickson y Roger Reynolds. Con el tiempo, sin embargo, Gaburo iría distanciándose gradualmente del ámbito académico hasta que en 1975 deja la UCSD y decide aislarse unos años trabajando como profesor, escritor y director de teatro free lance. Su vuelta a una institución de enseñanza superior se produjo en 1983 cuando entró a formar parte del equipo docente de la Facultad de Música de la Universidad de Iowa. Allí dirigió durante casi una década el Estudio de Música Experimental. Gaburo muere en la ciudad de Iowa en 1993.

De su producción musical e importante trayectoria creativa merecen especial mención: sus antifonías, una serie de diez piezas compuestas entre 1955 y 1991 para voces y/o instrumentos y sonidos grabados en cinta; la formulación del término Compositional Linguistics con el que designó sus intrincadas exploraciones de la música como lenguaje y del lenguaje como música; la formación en 1965 de la New Music Choral Ensemble (NMCE), uno de los primeros coros estadounidenses dedicados a la interpretación de música vocal de vanguardia; la realización de algunos ambiciosos trabajos musicales teatralizados como "Lingua" y "Privacy"; la fundación, en 1974, de la editorial Lingua Press, dedicada a la publicación de escritos, partituras y grabaciones a propósito de aspectos diversos del lenguaje y la música; la dirección artística, en 1980, de la primera auténtica producción de "The Bewitched" del compositor Harry Partch; y por último, la organización, en el ámbito universitario, del Seminario para Estudios Cognitivos, algo así como un foro para el debate sobre el proceso creativo en múltiples disciplinas.

Escrita entre 1967 y 1968 para siete oradores virtuosos, 'Maledetto' constituye el segundo segmento de una amplísima obra músico-teatral titulada "Lingua". La versión de la composición de Gaburo que aquí nos ocupa, publicada en 2008 en este excelente CD de Pogus Productions, fue grabada en 1973 y contiene una interpretación a cargo de la que representaría la cuarta encarnación de su New Music Choral Ensemble (Narrador: Alan Johnson; Dueto: Elinor Barron, Bruce Leibig; Cuarteto: Winifred Golden, Linda Vickerman, Howard Crook, Philip Larson; Dirección: Kenneth Gaburo). Basada fundamentalmente en acepciones diversas de la palabra inglesa screw, Gaburo concibió 'Maledetto' como fiel reflejo de su idea de lingüística composicional. El lenguaje erigido como herramienta de experimentación que además servirá al compositor para organizar un original teatro de voces de desarrollo contrapuntístico. La exaltación del cuerpo, la sexualidad y la ciencia mecánica son algunos de los contenidos que aparecen en este extenso y muy entretenido discurso que transcurre entre vocalizaciones, complejos ejercicios poéticos y una inusual destreza en el uso del habla.

La otra pieza contenida en el CD es 'Antiphony VIII (Revolution)'. Compuesta entre 1982 y 1983 para percusionista y cinta, comparte con 'Maledetto' un origen no estrictamente musical, una concepción teatral y el hecho de formar parte de una creación de mayor envergadura, en este ocasión titulada como "The Scratch Project". Aquí, Gaburo propone confrontar las voces y sonidos inquietantes de lo que parece un alegato antinuclear con la reacción virtuosa del intérprete (Steven Schick) explorando un gran número de instrumentos de percusión. El propio compositor ofrecía la siguiente descripción de 'Antiphony VIII' en la revista de arte australiana 'Cantrill's Filmnotes': Es un psicodrama. Durante el curso de su interpretación, el percusionista está literalmente bombardeado por cuatro altavoces que le rodean. Los sonidos tienen que ver con metal por un lado (metal significa 'muerte') y piel por el otro (piel significa 'vida'). En uno de los altavoces hay fragmentos de texto tomados de 'Testimony' (otra de las partes integrantes de "The Scratch Project"). Cada vez que el percusionista es bombardeado por otra respuesta a la cuestión del testimonio, resulta un tanto alterado por ella. Durante el curso de la pieza el percusionista pasa por muchos cambios o estados de ánimo, de los cuales los principales son indiferencia, enfado (combatiendo el fuego con fuego) y, en última instancia, incertidumbre.

"Lingua II: Maledetto / Antiphony VIII" CD: 1. 'Maledetto' (1967-68); 2. 'Antiphony VIII (Revolution)' (1982-83). La edición incluye un libreto de doce páginas con notas de Kenneth Gaburo sobre 'Maledetto', el texto 'Unified Diversities' a cargo de Warren Burt y una descripción de 'Antiphony VIII' escrita por Steven Schick.

Formato: CD; Duración total: 59:43

Charles Dodge: "A Retrospective (1977-2009)"

Charles Dodge

A Retrospective (1977-2009)

(NW80701-2)

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Alumno de Richard Herving y Philip Bezanson en la Universidad de Iowa, de Darius Milhaud en Aspen, y de Gunther Schuller en Tanglewood, Charles Dodge (1942- ) lleva componiendo música con ordenador desde mediados de los años sesenta. Integrado en el departamento de música de la Universidad de Columbia, ejerció como docente entre 1970 y 1980. Posteriormente, fundó el Centro para música con ordenador del Brooklyn College, en la City University de Nueva York y durante dieciséis años fue también profesor visitante en el Dartmouth College. Conocido fundamentalmente por sus múltiples trabajos electroacústicos que incorporan síntesis de la voz hablada y por su serie de composiciones que combinan música con ordenador e interpretación instrumental o vocal, Dodge es además autor, junto a Thomas A. Jerse, del libro "Computer Music: Synthesis, Composition and Performance" (1985, Schirmer Books). Su música ha sido grabada en sellos como Nonesuch, CRI, New Albion, Wergo, Neuma Recordings y New World Records. En la actualidad, Dodge sigue componiendo y vive en Putney, Vermont, lugar en el que regenta con su esposa Katherine las bodegas Putney Mountain Winery.

"A Retrospective (1977-2009)" es una reciente grabación monográfica del compositor americano con tres de sus destacadas producciones electroacústicas. La primera y más extensa de ellas es 'Cascando', una realización basada en la obra radiofónica de mismo título, creada por Samuel Beckett en 1963. Escrita originalmente en francés y con música de Marcel Mihalovici, 'Cascando' constituye un inquietante relato de tono existencialista que gira en torno a tres personajes: Opener, Voice y Music. En la versión que nos ocupa, la que Dodge finalizó en 1977 tras un periodo de cinco años de producción, Opener, interpretado en la excelente voz del actor John Nesci, es algo así como la autoridad que discrecionalmente abre, concluye o incluso interrumpe las apariciones de los otros dos personajes; Voice, en la voz sintetizada del también actor Steven Gilborn, representa al creador desconsolado que intenta desesperadamente contar y sobre todo completar una historia, la historia de un aventurero desafortunado llamado Woburn; por último, Music carece de atribución específica y acaso puede simbolizar la sombra de Voice con una mezcla de resonancias electrónicas obtenidas precisamente de su propia intervención. Los tres personajes habitan, no con fácil acomodo, en un discurso musical aparentemente monótono, realizado desde una omnipresente austeridad composicional y evocando esa atmósfera de desesperación serena que el texto beckettiano parece abrazar.

Por su parte, 'Fades, Dissolves, Fizzles' fue compuesta en 1995 por encargo del Groupe de Musique Experimentale de Bourges. Según cuenta Dodge, la pieza discurre a lo largo de cinco secciones e incluye tres únicos elementos musicales: acordes, tintineos y gamelan. Elementos que aquí compartirán un mismo origen: todos los intervalos armónicos y melódicos de la pieza parten de una sola serie armónica. De delicadísima factura y vocación eterna, 'Fades Dissolves, Fizzles' es un nuevo ejemplo de su elegancia organizativa y recurrente austeridad en el manejo del material sonoro. Escrita en 2009 para violín y ordenador, 'Violin Variations' concluye este interesante CD retrospectivo de Dodge. La obra consta de cuatro breves movimientos e incide nuevamente en la microtonalidad, vinculando todo su desarrollo a una misma escala de treinta y un tonos. Una sugestiva textura electrónica hecha de discretos sonidos metálicos acompañará en todo momento al violín interpretado por Baird Dodge, hijo de nuestro protagonista. Con la excepción del tercer movimiento, de mayor expansión lúdica, la pieza fluye sosegada en un diálogo musical de concordia, cercano a la meditación.

"A Retrospective (1977-2009)" CD: 1. 'Cascando' (1977); 2. 'Fades, Dissolves, Fizzles' (1995); 3. - 6. 'Violin Variations' (2009). La edición incluye un libreto de doce páginas con un breve ensayo a cargo de Frances White y notas biográficas de Charles y Baird Dodge.

Formato: CD; Duración total: 55:18

Varios Autores: "I Muestra de Arte Sonoro Español"

Varios Autores

I Muestra de Arte Sonoro Español

(ISBN: 978-84-935581-6-1)

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Estupenda publicación surgida de la I Muestra de Arte Sonoro Español celebrada en Córdoba y en Lucena entre el 4 de octubre y 5 de noviembre de 2006, en el marco del VIII Encuentro Internacional de Creación Sensxperiment.

Además de abundante material gráfico, las 230 páginas de este libro de tapa dura contienen escritos (en castellano y con traducción al inglés) en torno al origen y desarrollo de distintas manifestaciones del arte sonoro en España: 'Arte Sonoro en España: Notas introductorias' (José Iges); 'Ecos del Arte Sonoro en la Vanguardia Histórica Española 1909-1945' (Miguel Molina); 'La Escucha del Arte Sonoro Español' (José Antonio Sarmiento); 'Creación Radiofónica en España' (José Iges); 'Instalación Sonora en España. Sonido, Forma y Espacio' (Mikel Arce); 'Las Tribulaciones del Paisaje Sonoro en España' (José Luis Carles); 'En torno al Sonido' (Bartolomé Ferrando). Acompaña al libro un DVD con breves fragmentos audiovisuales correspondientes a una mesa redonda sobre poesía sonora, instalaciones (Concha Jerez, José Manuel Berenguer, Guillermo Lorenzo, Lugán, José Antonio Orts) y actuaciones en vivo (Bartolomé Ferrando, Xavier Sabater) ofrecidas a lo largo de la muestra.

Comisario M.A.S.E.: José Iges. Dirección y coordinación Sensxperiment / M.A.S.E.: Juan Cantizzani. Producción, organización y edición catálogo: Weekend Proms.

Libro+DVD; Duración total DVD: 34:00

Larry Polansky: "Four-voice canons"

Larry Polansky

Four-voice canons

(CB0011)

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El compositor, intérprete y escritor Larry Polansky (1954- ) es, además, profesor de música electroacústica y teoría musical en el Dartmouth College, en Hanover, New Hampshire. Junto a los compositores Phil Burk y David Rosenboom, escribió en los años ochenta el conocido lenguaje de programación HMSL (Hierarchical Music Specification Language), destinado fundamentalmente a la ejecución de música en tiempo real con ordenadores. Polansky también codirige el colectivo de compositores experimentales Frog Peak Music y ha sido uno de los primeros redactores de la prestigiosa publicación americana Leonardo Music Journal. Su música ha sido incluida en numerosas grabaciones publicadas en los sellos Artifact Recordings, Pogus Productions, Centaur, Frog Peak, Cold Blue Music y New World Records.

De la extensa producción musical llevada a cabo por el compositor estadounidense a lo largo de su carrera, merecen atenta escucha, por originales e impecablemente realizados, sus cánones de cuatro voces. Valiéndose de múltiples fuentes sonoras, Polansky ha compuesto desde 1975, una serie de veintitrés cánones, de los cuales esta grabación, publicada en 2002 por Cold Blue Music, reúne trece y, además, uno de ellos ('#13 DIY Canon'), en tres realizaciones distintas. A modo de descripción sucinta de la música contenida en el CD, el libreto que lo acompaña incluye la siguiente nota en inglés: Todas las piezas incluidas es este disco son cánones de mensuración de cuatro o más voces. En estos cánones, cada sucesiva voz entrante se mueve proporcionalmente más rápida que la anterior, así la densidad y complejidad rítmica de cada canon aumenta de principio a fin. Así es, cada nueva voz integrante de la composición constituye, de algún modo, una compresión temporal de la anterior y, por consiguiente, todas las voces del canon contienen aproximadamente la misma información aunque finalicen su recorrido simultáneamente. En ocasiones, Polansky utiliza asimismo estas voces individuales que conforman el canon en cuestión para explorar posibles ordenaciones distintas de ciertos elementos musicales como la altura, el ritmo o la instrumentación. Con ello contribuye a enriquecer y diversificar un repertorio que surge siempre del mismo planteamiento musical.

"Four-voice canons" CD: 1. '#4' (1978-79; William Winant, marimba); 2. '#7' (1990; Jody Diamond, gamelan); 3. '#17 - Guitar Canon' (2002; Larry Polansky, guitarra eléctrica fretless); 4. '#9b (6:7:8:9) - Anna Canon' (1994; Anna Diamond Polansky, voz; L. Polansky, ordenador); 5. '#14 - Kid Canon' (2002; Anna Diamond Polansky, Eliza Ppolli, Meghan Gallagher, Hester Godfrey, Nick Sinnott-Armstrong, Saskia Nislow y Katie Lenhart, voces); 6. '#16 - Canon in One Octave for Arthur Farwell' (2002; L. Polansky, ordenador); 7. '#12 - Doggerel (from 3 New Hampshire Songs)' (2000; Texto -abecedarius- de "The Shaker Manifesto, July 1882"; Interpretado por The York Vocal Index); 8. '#10 - Four Boys Mannin' (1997; L. Polansky, manipulación con ordenador de la voz de Chris Mann); 9. '#13 - DIY Canon' (2001; Daniel Goode, cinta); 10. '#5' (1983; William Winant, percusión); 11. '#6' (1986; L. Polansky, ordenador; Anthony Braxton, saxofón barítono; Jody Diamond, rebab javanés; Ranas del estanque del Mills College; Sampler Kurzweil); 12. '#8 - Nerve Canon' (1992; L. Polansky y Ray Guillette, ordenadores); 13. '#13 - DIY Canon' (2001; Nick Didkovsky, ordenador); 14. '#13 - DIY Canon' (2001; Nathan Davis, percusión); 15. '#18 - Trio Canon for Christian Wolff' (2002; L. Polansky, guitarra eléctrica fretless; Ha-Yang Kim, violonchelo; Nathan Davis, percusión).

Formato: CD; Duración total: 59:22

Gen Ken Montgomery: "Birds + Machines"

Gen Ken Montgomery

Birds + Machines

(P21055-2)

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Conocido inicialmente por su vinculación con el mail-art y la red de difusión e intercambio de trabajos sonoros en casete, Gen Kent Montgomery (1957- ) irrumpe en la escena underground neoyorquina a finales de los años setenta del pasado siglo. Desde entonces y ejerciendo como artista autodidacta, su trayectoria ha estado marcada, fundamentalmente, por una particular inclinación: la creación de originales espacios para la escucha. Autor de múltiples instalaciones, Montgomery ha compuesto creaciones sonoras para cine, video y teatro y su obra ha sido presentada en numerosos conciertos y eventos artísticos, celebrados especialmente en Estados Unidos y Europa. Como productor, además de establecer la primera galería de arte sonoro en la ciudad de Nueva York, Montgomery fue cofundador de los sellos de música experimental Generations Unlimited y Pogus Productions. También ha sido comisario de varios proyectos artísticos y ha disfrutado de residencias en la SpritzenHaus, en Hamburgo, y en el Harvestworks Studio PASS de Nueva York. En la actualidad dirige, junto con Scott Konzelmann, Generator Sound Art Inc., un espacio para la producción y diseminación de grabaciones de música experimental y arte sonoro.

Si en 2002, Phill Niblock publicaba "Pondfloorsample" en su sello XI Records, una espléndida colección de trabajos sonoros que Gen Ken Montgomery había compuesto básicamente durante la década de los noventa, ahora es Al Margolis, en Pogus Productions, quien nos brinda este otro registro del artista con material realizado en los ochenta. "Birds + Machines" documenta un periodo de importante eclosión creativa para Montgomery. Unos años en los que, cautivado especialmente por la música e ideas de los grandes experimentadores norteamericanos, produce sus primeras piezas electrónicas de estilo industrial así como sus primeras creaciones con sonidos ambientales y utensilios domésticos. Composiciones, todas ellas, llevadas a cabo desde un ánimo puramente explorador, sin reparar en demasiado refinamiento formal ni en la obtención de resultados primorosos.

Con la inspiración del aventurero que utiliza el sonido como medio de transportación, Montgomery capta y amplifica esas resonancias contenidas en eventos cotidianos y las presenta a menudo en combinación con su propia voz y la interpretación de sintetizadores analógicos. Su música, dinámica y oscura al mismo tiempo, parece surgir de un remoto taller de bricolaje en el que almacena y juega con aparatos eléctricos, instrumentos musicales, utensilios sonantes de todo tipo y un sinfín de grabaciones. Del conjunto de exploraciones y atmósferas electroacústicas incluidas en este CD de Montgomery, destacan por su interesante elaboración 'Birds & Machines' (en sus versiones machine suite y bird suite), la serie 'Subliminal Clutter' y finalmente, las muy fugaces 'Friedhof' y 'Seelisch Unruh', realizadas ambas en el estudio berlinés del compositor Conrad Schnitzler. La grabación incluye también 'Shoot Me Down', 'Treat the Hell Out of it' y 'Falling Down Stairs', tres breves ejemplos de una etapa inicial que me permito definir con el término de electro-pop-hardcore. A modo de bonus track, cierra el disco 'B+M Redux', una reciente revisión abreviada y rítmica de su pieza estrella 'Birds & Machines'.

"Birds + Machines (1980-1989)" CD: 1. 'Gen Ken Live at the Dive' (fragmento, 1983); 2. 'Birds & Machines (machine suite)' (1989); 3. 'Birds & Machines (bird suite)' (1989); 4. 'Nylon Glasses 3AM' (1985); 5. 'Friedhof' (1986); 6. 'Seelisch Unruh' (1986); 7. 'Subliminal Clutter' (1ª parte, 1987); 8. 'Subliminal Clutter' (2ª parte, 1987); 9. 'Subliminal Clutter' (3ª parte, 1987); 10. 'Crema di Roma' (1988); 11. 'MC Extraordinaire: Ann Craig' (1983); 12. 'Shoot me Down' (1980); 13. 'Treat the Hell Out of it' (1982); 14. 'Falling Down Stairs' (1982); Bonus Track 15. 'B+M Redux' (2009). La edición en digipack incluye una nota introductoria del autor y el texto 'The world a-buzz' del periodista y crítico musical René van Peer.

Formato: CD; Duración total: 70:55

John Luther Adams: "Red Arc / Blue Veil"

John Luther Adams

Red Arc / Blue Veil

(CB0026)

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El mundo natural y, en particular, la amplitud y belleza del paisaje del Ártico, así como un profundo sentido de arraigo, han estado siempre presentes en el ideario creativo y musical del compositor estadounidense John Luther Adams (1953- ). Desde 1978, año en el que fijó su residencia en el área de Fairbanks, Alaska, ha compuesto obras para orquesta, conjuntos de cámara, instrumentos solistas, instalaciones, cine, televisión y teatro. Su música ha sido interpretada, entre otros, por formaciones como The Paul Dresher Ensemble, Bang On A Can, The California Ear Unit, The Callithumpian Consort y Percussion Group Cincinnati. Desde 1982 a 1989 actuó como percusionista en la Orquesta Sinfónica de Fairbanks y en la Orquesta de Cámara del Ártico. Además de haber sido presidente del Centro de Música Americana, Luther Adams fue también profesor en la Universidad de Alaska, en el Consevatorio de Música de Oberlin y en el Bennington College. Cuenta con una decena de grabaciones en solitario y es asimismo autor de los libros "Winter Music: Composing the North" y "The Place Where You Go to Listen: In Search of an Ecology of Music", publicados en la editorial Wesleyan University Press. Entre otros reconocimientos y galardones obtenidos a lo largo de su carrera musical, destacan los que ha recibido de The Foundation for Contemporary Arts, The Rockefeller Foundation, Rasmuson Foundation y National Endowment for the Arts.

Recomendado por Alex Ross, crítico musical de The New Yorker y autor del reciente y exitoso libro "The Rest is Noise" (traducido aquí como "El Ruido Eterno" - Seix Barral, 2009), el CD de Luther Adams que nos ocupa, "Red Arc / Blue Veil" (Cold Blue Music, 2007), incluye cuatro obras compuestas entre 1998 y 2007 para varias combinaciones de piano, percusión y electrónica. 

Escrita para dos pianos y electrónica, 'Dark Waves', evoca ese atractivo inquietante de las aguas turbulentas mediante un vigoroso diálogo interpretativo. Entre trémolos y arpegios, Stephen Drury y Yukiko Takagi desarrollan, en un vaivén incesante, un juego de texturas exuberantes que interaccionan con otros sonidos electrónicos derivados asimismo de sus propios pianos. Un maravilloso océano de resonancias con el que, a propósito de lo que cuenta el autor, meditar acerca de algunas de las fatalidades globales de nuestros días.

Casi sin solución de continuidad y en esta ocasión solo, Drury irrumpe de nuevo al piano con 'Among Red Mountains'. Se trata de una creación musical de exploración polirrítmica, creada a partir de una extensa sucesión de acordes de contundente ataque y ejecutada aquí con plena determinación. Hasta cinco tempos independientes llega a manejar Drury en una maraña sónica reminiscente, por momentos, de la experimentación pianística del gran Henry Cowell. Luther Adams dedica 'Among Red Mountains' a su colega, el compositor Peter Garland.

Concebida inicialmente para cuatro percusionistas o para un solo percusionista acompañado de delay electrónico, 'Qilyuan' alude al tambor del chamán, ese recurso de poder con el que viajar espiritualmente. Scott Deal, dedicatario de la pieza, y Stuart Gerber forman el dúo protagonista de este formidable continuo rítmico interpretado con un juego de cuatro bombos. La pieza, con rasgos ceremoniales, discurre gradualmente, desde la bravura inicial de un redoble hipnótico hasta alcanzar una fase de práctica inmovilidad, con impactos aislados y profundos, retomando de nuevo el pulso acelerado hacia un desenlace al unísono. 

'Red Arc / Blue Veil' da título al CD y además lo cierra con un ejemplo de sensual postminimalismo musical. Ideada a modo de arco perfecto y simultaneando de nuevo tempos diversos, la obra fue compuesta para piano (Stephen Drury, una vez más), percusión (también repite Scott Deal, ahora al vibráfono y crótalos) y electrónica. Según refiere Luther Adams, se trata de la primera pieza de un ciclo que explora la geometría del tiempo y el color; lo que Kandinsky señaló como esos sonidos internos que son la vida de los colores. Como en toda mi música reciente, imagino la formación entera como un único instrumento, y la obra entera como una única sonoridad compleja. Rica en contenido armónico, 'Red Arc / Blue Veil' crece ondosa en un recorrido de ida y vuelta que el compositor engalana, con primor, mediante efectos coloristas producidos principalmente por los instrumentos de percusión y por transformación electroacústica de esos mismos sonidos y los del piano.

"Red Arc / Blue Veil" CD: 1. 'Dark Waves' (2007); 2. 'Among Red Mountains' (2001); 3. 'Qilyuan' (1998); 4. 'Red Arc / Blue Veil' (2001).

Formato: CD; Duración total: 51:49