Daniel Blinkhorn: "Terra Subfónica"

Daniel Blinkhorn

Terra Subfónica
(Gruen 117)

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Tras resultar premiado en la octava edición del Concours International d'Art Radiophonique Luc Ferrari (La Muse en Circuit, Centre National de Création Musicale, 2009) por su pieza para clarinete y sonidos fijados 'In situ bacia', el compositor australiano Daniel Blinkhorn disfrutó, en 2010, de una residencia artística concedida por la Australian Broadcasting Corporation (ABC). En el transcurso de la misma realizó "Terra Subfónica", composición de la cual es objeto este registro publicado recientemente por el sello alemán Gruenrekorder.

Se trata de una interesante creación radiofónica a propósito de aquellos sonidos que, a pesar de rodearnos a diario, o bien quedan fuera del alcance de nuestra percepción auditiva, o bien desatendemos sin más. Eventos sonoros esencialmente invisibles a los que el autor denomina con el término "sub sound". Aspectos pues de la actividad subsónica resultarán reflejados a través de las diecinueve secciones o miniaturas acusmáticas que, sin sujeción a una narrativa específica, integran esta obra de una hora escasa de duración.

En ella, Blinkhorn congrega numerosas grabaciones ambientales, sonidos electrónicos y algunos fragmentos instrumentales (Jeremy Sawkins, guitarras; Rémi Delangle, clarinete; Olivier Zeller, DJing) para elaborarlos y componerlos en estampas diversas de entornos inauditos. Su dominio subfónico abarca, entre otros elementos: distintas muestras de ambientes marinos y submarinos, representaciones acústicas del paso del tiempo, sonidos internos del cuerpo humano y de máquinas, otros producidos con ocasión de juegos infantiles, alarmas de evacuación, susurros o el zumbar de las ciudades.

Todo el material contenido en "Terra Subfónica" fue grabado, compuesto, mezclado y masterizado por el propio autor, contando con la asistencia del ingeniero de sonido de la ABC Philip Ulman. En el libreto incluido en la edición del CD, Blinkhorn ofrece una descripción de todas y cada una de las diecinueve secciones comprendidas en la obra.

"Terra Subfónica" CD: 1. 'Seascape Triptych I'; 2. 'Subfón ˆ Monochrome I'; 3. 'Sub Chron I'; 4. 'Seascape Triptych II - Hermetica'; 5. 'Corpus Sanus - Computare'; 6. '(Sub)Urban Mantra'; 7. 'Corpus Sanus - Hominis'; 8. 'Geste Sonore'; 9. 'Relatively Loud Tones'; 10. 'Tape Junk'; 11. 'Seascape Triptych III - Cnidaria'; 12. 'Sub Chron II'; 13. 'Voix Sous'; 14. 'Norse Hamn (Norse Harbor)'; 15. 'Toy Bagatelle I'; 16. 'Toy Bagatelle II (Glass Ear) ˆ Monochrome'; 17. 'Toy Bagatelle ˆ Section III'; 18. 'Intersections'; 19. 'Place / Space Threnody'.

Formato: CD; Duración total: 55:34

Varios Artistas: "Cold Blue Two"

Varios Artistas

Cold Blue Two
(CB0036)

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En 1984 Cold Blue Music publicó el vinilo "Cold Blue", un álbum con música inédita escrita por distintos autores pertenecientes o afines estilísticamente al catálogo del sello californiano que dirige Jim Fox. Calificado por el compositor Charles Amirkhanian como "una antología clásica de la música contemporánea americana", el registro fue reeditado en CD en 2002. Diez años después, en 2012, apareció "Cold Blue Two", una segunda colección musical que ahora presentamos, cuyas breves propuestas comparten de nuevo una cierta significación estética: aquella que ha llevado a emparentarlas con lo que se conoce como minimalismo y posminimalismo de la costa oeste americana.

Nueve de los autores comprendidos en la primera recopilación (Chas Smith, Ingram Marshall, Peter Garland, Daniel Lentz, Jim Fox, Read Miller, Rick Cox, Michael Jon Fink, James Tenney) contribuyen asimismo en "Cold Blue Two". Destaca, además, la inclusión aquí de un invitado de origen no americano, el conocido compositor inglés Gavin Bryars. La grabación contiene un total de catorce composiciones instrumentales, varias de ellas acompañadas de electrónica. El libreto del CD viene ilustrado con un conjunto de fotografías cedidas tanto por Jim Fox como por las siguientes instituciones: Center for Land Use Interpretation, Museum of Jurassic Technology y Santa Paula Snapshot Museum.

"Cold Blue Two" CD:

1. Daniel Lentz 'Celli' (2008; Erika Duke-Kirkpatrick - violonchelo); 2. Ingram Marshall 'Son of Soe-pa' (2007; Clement Marshall - guitarra clásica, Ingram Marshall - procesamiento electrónico); 3. Phillip Schroeder 'Another Shore' (2007; Phillip Schroeder - celesta y delay digital); 4. Rick Cox 'Later' (2007; Marty Walker y Phil O'Connor - clarinetes, Thomas Newman - piano, Rick Cox - electrónica y sonidos fijados); 5. Chas Smith 'Sometimes the Sword of Seven' (2008; realización electroacústica); 6. John Luther Adams 'Sky with Four Suns' (2010; Cuarteto de cuerda ETHEL); 7. Read Miller 'Come out, sit awhile; break the bottle, and you is lost' (1982; Sarah Cahill - piano); 8. Gavin Bryars 'It Never Rains' (2010; R. Cox - guitarra eléctrica, Alma Lisa Fernández - viola, E. Duke-Kirkpatrick - violonchelo, James Bergman - contrabajo); 9. Michael Jon Fink 'Prelude to Alone' (2010; Brian Walsh - clarinete, Alex Iles - trombones alto, tenor y bajo, M. Jon Fink - guitarra eléctrica); 10. James Tenney 'Mallets in the Air' (2002; Erin Barnes - Partch diamond marimba in just intonation, Formalist Quartet - cuarteto de cuerda); 11. Larry Polansky 'Eskimo Lullaby' (2006; John Schneider - voz y just intonation National steel guitar); 12. Peter Garland 'Nights in the Gardens of Maine' (2010; Guy Klucevsek - acordeón); 13. David Rosemboom 'Hymn of Change' (2010; Formalist Quartet - cuarteto de cuerda); 14. Jim Fox 'Colorless sky became fog' (2005; Theresa Dimond - salterio, Bryan Pezzone - piano, A. Lisa Fernández - viola, E. Duke-Kirkpatrick y Jessica Catron - violonchelos, J. Bergman - contrabajo).

Formato: CD; Duración total: 58:10

Jean Dubuffet, Ilhan Mimaroglu: "Musiques pour Coucou Bazar"

Jean Dubuffet, Ilhan Mimaroglu

Musiques pour Coucou Bazar
(SR350)

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En la trayectoria de quien fue el máximo exponente del Art Brut, el pintor y escultor Jean Dubuffet (1901-1985), la práctica musical constituyó un medio más al servicio de un ideario basado, permanentemente, en la transgresión y el antidogmatismo. En estos términos se expresaba el artista ante su amigo, el compositor turco Ilhan Mimaroglu, durante una entrevista que mantuvieron en 1966: En mi música quise situarme en la condición de un hombre de hace cincuenta mil años, un hombre que lo ignora todo acerca de la música occidental y que inventa una música para él mismo, sin ninguna referencia, sin ninguna disciplina, sin nada que le impida expresarse libremente y para su propio placer.

Toda la música que Dubuffet produjo se circunscribió a dos momentos concretos: 1961, año a lo largo del cual compuso y grabó sus veinte "Expériences musicales", y entre 1973 y 1974, periodo en el que retomó la actividad con voluntad de generar una buena parte del material musical que debería acompañar a la que fue la última tanda de representaciones de su importante obra "Coucou Bazar". Perteneciente al ciclo creativo "L'Hourloupe", "Coucou Bazar" fue concebida como un espectáculo de pintura animada. Sobre grandes paneles recortables, a los que bautizó con el nombre de Practicables, Dubuffet dibujó extravagantes figuras tricolores que, una vez en escena, ponían en movimiento una serie de actores así como motores manejados por control remoto.

En primera instancia, Dubuffet confió la realización de la música al citado compositor Ilhan Mimaroglu que residía en Nueva York trabajando como profesor de música en la Universidad de Columbia. Allí, en el Columbia-Princeton Electronic Music Center, Mimaroglu completó en 1973 las diez piezas que integraban su "Electronic Music for Jean Dubuffet's Coucou Bazar". Una composición utilizada tanto en el estreno mundial de "Coucou Bazar", que tuvo lugar en el Museo Guggenheim neoyorquino el 16 de mayo de ese mismo año, como en el ciclo de representaciones llevadas a cabo durante todo el mes de noviembre, también de 1973, en el Grand Palais de París.

Sin embargo, Dubuffet imaginó también su espectáculo de pintura animada sonando con su propia música. Así pues, la que resultó ser la tercera y última realización de "Coucou Bazar", producida y finalmente presentada en la ciudad de Turín en 1978 gracias al patrocinio de la compañía automovilística FIAT, incluyó una banda sonora compuesta, ahora sí, con diversos experimentos musicales originales del artista francés. Experimentos efectuados en 1961, 1973 y 1974 que la coreógrafa Anna Sagna se encargó de montar, para la ocasión, en un espléndido collage. Una música inclasificable, exenta de escritura, que Dubuffet ejecutaba con su voz o con múltiples instrumentos tradicionales y exóticos fijándola directamente en cinta. En ocasiones alborotada e insistente, su música asimismo evitaba cualquier muestra de desarrollo en un intento por priorizar la mera producción de efectos sorprendentes.

Presentado en una cuidada edición en doble CD y libreto de cuarenta páginas, "Musiques pour Coucou Bazar" (Fundación Dubuffet / Sub Rosa, 2013) contiene ambas bandas sonoras, la de Mimaroglu y la de Dubuffet, así como un poema sonoro inédito, 'Bal de leurres' que este último grabó en enero de 1973.

"Musiques pour Coucou Bazar"

CD 1: (Electronic Music for Jean Dubuffet's Coucou Bazar, Ilhan Mimaroglu) 1. 'Fragmentation'; 2. 'Motors'; 3. 'Hide & Seek'; 4. 'The Rose'; 5. 'Swift Feet'; 6. 'Reflections'; 7. 'Canine'; 8. 'Traffic'; 9. 'The Window'; 10. 'Double Mask & Deployment'; 11. (Jean Dubuffet) 'Bal des leurres'.

CD 2: (Coucou Bazar, Jean Dubuffet) 1. 'Coucou Bazar'.

Formato: 2CD; Duración total: 115:58

Jacqueline Caux: "Almost nothing with Luc Ferrari"

Jacqueline Caux

Almost nothing with Luc Ferrari
(ISBN: 978-0-9827439-1-1)

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Bajo la denominación de "Critical Ear", la pequeña firma editorial Errant Bodies Press viene publicando desde 2004 una colección de monografías a propósito de artistas contemporáneos cuyo trabajo se desarrolla fundamentalmente en los ámbitos del arte sonoro y la música experimental. El quinto volumen de la serie, aparecido en 2012, corresponde a la traducción al inglés de la obra "Presque rien avec Luc Ferrari" (Editions Main d’oeuvre, 2002) de la autora y realizadora cinematográfica Jacqueline Caux.

Traducido por Jérôme Hansen, "Almost nothing with Luc Ferrari" es básicamente un libro de entrevistas al compositor francés (1929-2005). Tras una introducción, seguida de una nota biográfica de Ferrari, Caux conversa con este acerca de las distintas manifestaciones creativas que fue cultivando a lo largo de su trayectoria musical. En el primer capítulo, en el que se aborda la cuestión de forma general, lo hace acompañada de los musicólogos François Delalande y Evelyne Gayou, y del compositor y director del Groupe de Recherches Musicales (GRM) Daniel Teruggi. En el segundo, Caux le pregunta sobre sus composiciones instrumentales; el tercero trata del teatro musical; el cuarto, de sus creaciones radiofónicas; el quinto, de sus trabajos instalativos; y, por último, el sexto versa acerca de algunas de las principales ideas composicionales que fueron guiando su actividad. Además, escritos por el propio compositor e intercalados entre los seis capítulos, se incluyen catorce autobiografías imaginarias así como consideraciones en torno a algunas de sus piezas más destacadas. El libro concluye con una lista cronológica y completa de las obras que produjo en su carrera.

Presentado en una elegante encuadernación de tapa dura, "Almost nothing with Luc Ferrari" contiene 176 páginas, siete de las cuales cuentan con fotografías.

Chris Cutler: "There and Back Again. Volume 2: On Memory"

Chris Cutler

There and Back Again. Volume 2: On Memory
(ReR CC3)

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Percusionista, compositor y letrista, Chris Cutler (1947- ) cuenta con una dilatada trayectoria en los ámbitos de la improvisación y la música experimental. Junto a Dave Stewart fundó The Ottawa Music Company, una singular orquesta formada exclusivamente por veintidós compositores de rock; fue batería y miembro destacado del legendario grupo experimental Henry Cow; también cofundaría otras formaciones como Art Bears, News from Babel, Cassiber, The (ec) Nudes, P53 y The Science Group; asimismo, fue integrante de las bandas americanas Pere Ubu, Hail y The Wooden Birds y, esporádicamente, trabaja con Jon Rose, Fred Frith, Peter Blegvad, David Thomas, Zenna Parkins, Iancu Dumitrescu y Ana Maria Avram, entre otros. Su lista de colaboraciones musicales es interminable y ha participado en más de cien grabaciones publicadas. Además, se le conoce por haber fundado Recommended Records (actualmente ReR Megacorp) y por ser autor de numerosos artículos musicales y de la colección de ensayos "File Under Popular".

"There and Back Again. Volume 2: On Memory" es la segunda creación radiofónica (Deutschlandradio Kultur, 2006) surgida de un programa, a su vez radiofónico, 'Out of the Blue Radio', que Cutler produjo, entre julio de 2002 y julio de 2003, en la emisora londinense Resonance FM.

Como en el caso de su antecesora, "Twice around the Earth" (Kunstradio, 2003), "There and Back Again" también se nutrió de los registros que numerosos músicos y artistas repartidos por el mundo enviaron a nuestro protagonista para que éste los emitiera, sin modificación alguna, en el citado programa 'Out of the Blue Radio'. Cada una de las grabaciones debía contener media hora ininterrumpida de un ambiente sonoro captado en cualquier lugar de la tierra precisamente entre las 23:30 y las 00:00 horas. Cutler eligió al azar cuarenta y cuatro de esas grabaciones y las agrupó arbitrariamente según su contenido sonoro -palabra, música, clima, medio de transporte, etc...- y su posible correspondencia con alguno de los cuatro elementos clásicos -tierra, aire, fuego, agua-. Luego, sin escucharlos, únicamente atendiendo a las formas de onda de los sonidos en la pantalla de un ordenador, seleccionó breves fragmentos de cada una de las grabaciones. Con ellos compuso una maravillosa procesión de eventos sonoros que tiene su principio y final en la ciudad estadounidense de San Diego. Un recorrido pues de ida y vuelta con el que Cutler aprovecha además para reflexionar a propósito de una escucha estética y acerca de la propia percepción del paso del tiempo.

Los participantes en 'Out of the Blue Radio' cuyos sonidos fueron incluidos en "There and Back Again" fueron: Marcelo Radulovich, Stevan Tickmayer, Will Menter, Martyn Singleton, Chris Cutler, Michael Maksymenko, Haco y Christopher, Jon Rose, Tony Durant, Bill Harkelroad, Phillip Mar, Nicholas Collins, Warren Burt, Tom Dimuzio, Daniel van Beers, Annie Gosfield, Steve Maclean, Maggi Payne, Floris van Manen, Junya Onoda, Bret Hart, Andreas Hagelüken, E. M. Thomas, Carmen Borgia, Jim Pugliese, Raynald Glandien, Andrea Rocca, Gino Robair, David Lee Myers, Andreas Hagelüken, Jim Denley, Chris Delaurenti, Brian Labcyz, Adam Overton, John Oswald, Amy Denio, Nicholas Frances Chase, Gary Butler, Ana Maria Avram y Iancu Dumitrscu, Otomo Yoshihide y Warric Swinney.

"There and Back Again. Volume 2: On Memory" CD: 1. 'Blue radio introduction'; 2. - 45. 'There and Back Again'. El libreto que acompaña al CD (ReR Megacorp, 2006) contiene fotografías, una descripción detallada del proyecto y la enumeración de todos y cada uno de los fragmentos sonoros que integran la obra.

Formato: CD; Duración total: 50:40

Otro título de interés: "Twice around the Earth" (CD)

David Berezan: "Allusions sonores"

David Berezan

Allusions sonores
(IMED13122)

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A semejanza del sistema de difusión sonora BEAST (Birmingham ElectroAcoustic Sound Theatre), diseñado específicamente para la presentación de trabajos de música electroacústica e impulsado por Jonty Harrison a principios de los ochenta del pasado siglo, el compositor David Berezan (Edmonton, Alberta, 1967), por su parte, fundó MANTIS (Manchester Theatre in Sound) en 2003. Con sede en la Universidad de Manchester, donde Berezan trabaja como docente y director de los estudios de música electroacústica, MANTIS es, además de un dispositivo tecnológico, un festival bianual de música en el cual se difunden trabajos concebidos en formato espacial. Trabajos como los incluidos en "Allusions sonores", CD publicado hace apenas unas semanas en empreintes DIGITALes y que reúne cinco de las composiciones más recientes del autor canadiense.

En Berezan, como en tantos otros compositores de música acusmática, el simple acto de reparar aunque sea por unos instantes en las cualidades de un sonido escuchado casualmente, puede suscitar la realización de una nueva obra. Sus exploraciones representan aquí alusiones a la complejidad sónica de objetos o entornos contemplados, principalmente, con ocasión de algunos de sus viajes. Así pues, unas boyas marítimas, la sonoridad de una calimba, el árido paisaje de las badlands canadienses, sonidos encontrados en la localidad balinesa de Ubud y el suelo crujiente del castillo japonés Nijo, constituyeron estímulos suficientes para que el compositor comenzara a indagar, nuevamente, en aquellos dominios de lo inédito.

El proceso seguido en cada uno de los casos pasó primero por escuchar y reescuchar detenidamente los registros sonoros obtenidos con el propósito de detectar aquellas peculiaridades que pudieran dar origen a las ideas formativas de la composición; a continuación, elaborar el tejido musical mediante la aplicación de diversas técnicas de tratamiento sonoro; seguidamente, organizar la sucesión de eventos resultantes conforme a la propia apreciación estética y estilo del compositor; y, por último, considerar la espacialización multifocal de las obras para su posterior proyección en concierto. A este último respecto, conviene señalar que de estas cinco composiciones producidas por Berezan entre 2008 y 2011, tres fueron originalmente fijadas en soporte de ocho pistas y las otras dos concebidas en formato 5.1. En CD, sin embargo, tan solo accedemos a una mera reducción estereofónica de las mismas. Aun así, su audición resulta muy satisfactoria y no parece quedar menoscabada la esencia de una música exuberante, dominada por la volatilidad y colisión de los sonidos.

"Allusions sonores" CD: 1. 'Buoy' (2011); 2. 'Thumbs' (2011); 3. 'Badlands' (2008); 4. 'Galungan' (2010); 5. 'Nijo' (2009).

Formato: CD; Duración total: 55:55

The League of Automatic Music Composers: "The League of Automatic Music Composers 1978-1983"

The League of Automatic Music Composers

The League of Automatic Music Composers 1978-1983
(NW80671-2)

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Aparecido en New World Records en noviembre de 2007, este registro contiene una selección de la abundante producción musical llevada a cabo por el colectivo estadounidense The League of Automatic Music Composers a lo largo de sus cinco años de existencia, entre 1978 y 1983. Colectivo de creadores experimentales que fue pionero en la interpretación musical en vivo con microordenadores y otros circuitos electrónicos interconectados. Fundada en la ciudad de San Francisco por Jim Horton (1944-1998), John Bischoff (1949) y Rich Gold (1950-2003), también fueron miembros de la banda los músicos y compositores David Behrman (1937), Tim Perkis (1951) y Paul DeMarinis (1949).

A pesar de las innumerables limitaciones que ofrecían las herramientas electrónicas utilizadas en esos días, lo cierto es que el visionario planteamiento creativo desplegado por The League of Automatic Music Composers acabaría ejerciendo una influencia decisiva en el desarrollo de ulteriores formaciones musicales similares como The Hub o Fuzzybunny. Concebíamos la red de ordenadores como un gran instrumento musical interactivo formado por máquinas de música automática, programadas de forma independiente y que producían una música que era ruidosa, difícil, a menudo imprevisible y, en ocasiones, bella. (John Bischoff y Tim Perkis).

"The League of Automatic Music Composers 1978-1983" CD: 1. 'Dense Drone' (1980); 2. 'Martian Folk Music' (1980); 3. 'Finnish Hall' (1979); 4. 'Oakland One' (1980); 5. 'Radio Air Check 1981'; 6. 'Oakland Three' (1981); 7. 'Oakland Four' (1981); 8. 'Blind Lemon' (1978); 9. 'Pedal with Twitter' (1980)'; 10. 'Oakland Two' (1980). La edición también incluye un libreto con diversas fotografías del grupo y escritos a cargo de John Bischoff, Tim Perkis y Jon Leidecker.

Formato: CD; Duración total: 54:39

Varios Artistas: "Aram Slobodian - Homenaje"

Varios Artistas

Aram Slobodian - Homenaje
(ASH-AMEE)

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Aram Slobodian (1919-1964), autor de origen armenio cuya poética se basó en la idea de desaparición, no es aún demasiado conocido como compositor, debido principalmente al carácter difuso de su producción. Sin embargo, los recientes descubrimientos realizados por el equipo de musicólogos e investigadores de diversas disciplinas coordinado por Rubén Gutiérrez del Castillo, Ferrer-Molina y José Luis Espejo (quienes han recogido el testigo del pionero investigador portugués José Carlos Fernandes) han confirmado el carácter pionero de su trabajo en el terreno de la música electroacústica, así como la presencia del autor en la ciudad de Cuenca durante 1963, pocos meses antes de su fallecimiento.

La Asociación de Música Electroacústica de España (AMEE), consciente de su responsabilidad en la difusión de nuestro patrimonio electroacústico, así como en la producción de nuevos trabajos que acrecienten dicho patrimonio, presenta ahora este disco, que reúne algunas de las composiciones de Slobodian recuperadas por el mencionado equipo de investigación, junto a un brillante conjunto de nuevas composiciones de socios y simpatizantes de la AMEE inspiradas en la obra y la poética del autor armenio.

Gracias a las investigaciones de Rubén Gutiérrez del Castillo y su equipo, ahora sabemos que el paso de Aram Slobodian por Cuenca no fue en absoluto azaroso ni turístico. En su viaje a España, Slobodian pudo revisar al menos tres de sus composiciones: 'La Femme à Barbe', 'The Sound of Speed', y su última composición 'Yukani Ventango / Big Bang'. Las reconstrucciones de estas tres obras realizadas por el ya citado equipo de investigadores a partir de las grabaciones preservadas en el Gabinete de Música Electroacústica de Cuenca se editan por vez primera en este disco. (Miguel Álvarez-Fernández, comisario del proyecto).

"Aram Slobodian - Homenaje" CD: 1. Aram Slobodian 'La femme à barbe'; 2. Rocío Silleras 'Slöcier' (extracto); 3. Pedro Linde 'Pequeñas Industrias'; 4. Sergio Fidemraizer 'Allá vamos'; 5. José María Pastor 'Nabodols'; 6. Ferrer-Molina 'Ventango'; 7. Carlos D. Perales '5 Slobodian Modes'; 8. Francisco José Martín Jaime 'Eingeweidesonate Op. 63'; 9. Susana López 'La femme à barbe II'; 10. Josué Moreno 'Uniendo los canales beberéis otras aguas'; 11. David Vendrell 'Evocación Evanescente'; 12. Rocío Silleras 'Slöcier'; 13. Reyes Oteo 'Mademoiselle Contorsioniste'; 14. Roberto Pineda Tenor 'Flores del Edén'; 15. Cap Polonio (Mercè Capdevila y Eduardo Polonio) 'Dos carpetas con cuatro archivos en cada una'; 16. Aram Slobodian 'The Sound of Speed' (versión 1); 17. Sergio Sánchez 'Clarinete accelerator'; 18. Susana López 'La femme à barbe I'; 19. Hegel Pedroza 'The Sound of Speed.Remix o Slobodian 299.792.458'; 20. Juan José Raposo 'Mosaico'; 21. Pedro Guajardo 'Aracnian I'; 22. Pedro Guajardo 'Aracnian II'; 23. Sergio Fidemraizer 'Viaje de Slobodian'; 24. José Andrés Prieto 'Ars Sonora Slobodian'; 25. Pere Vicalet 'Estudio holofónic de la masa'; 26. Pere Vicalet 'Tríptico Desinspeedresión'; 27. Josep Lluís Galiana 'Evidencias slobodianas I'; 28. Josep Lluís Galiana 'Evidencias slobodianas II'; 29. Gregorio Jiménez 'Verjin dzaynagrut'yuny (La última grabación)'; 30. Vicent Gómez Pons 'd'el Tal, qual'; 31. Miguel Molina Alarcón 'De WAV a...mp3.ogg.vox.wma.flac.ivc.aa3.aac...a WAV (Cariño, te escucho comprimido)'; 32. Alejandra Hernández Villareal 'V'''; 33. Ferrer-Molina 'The middle way'; 34. Aram Slobodian 'The Sound of Speed' (versión 2); 35. Aram Slobodian 'Yukani Ventango / Big Bang'.

Formato: CD; Duración total: 66:30

Alvin Lucier: "Orchestra Works"

Alvin Lucier

Orchestra Works
(NW80755-2)

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La contemplación del comportamiento físico del sonido y una vocación artística decididamente experimental informan, en gran medida, la abundante obra musical de Alvin Lucier (Estados Unidos, 1931). A lo largo de sus seis décadas de actividad compositiva, ha sido pionero en el uso de ondas cerebrales en la interpretación en vivo, en la generación de imágenes visuales a partir de las vibraciones de los sonidos, en la notación de la gestualidad de los ejecutantes y, también, en el empleo de las resonancias de diferentes espacios acústicos con fines musicales. Entre sus trabajos más recientes, destacan instalaciones sonoras y múltiples composiciones para instrumentos solistas, conjuntos de cámara y orquesta, en las que a menudo combina de, forma simultánea, tonos puros y afinaciones justas con el propósito de que los sonidos resultantes se muevan dando vueltas en el espacio.

En 1995, la editorial alemana MusikTexte publicó "Reflections/Reflexionen", una edición bilingüe que reúne algunas de las partituras, entrevistas y escritos más destacados del compositor. "Music 109: Notes on Experimental Music" es, por otra parte, su libro más reciente (Wesleyan Press, 2012).

Aunque todavía más reciente es la novedad discográfica del autor que presenta el sello New World Records. Aparecida este mes de octubre, la grabación "Orchestra Works" contiene tres de sus composiciones para orquesta. Obras con las que, una vez más, Lucier luce una inventiva y originalidad deliciosas.

Escrita en 1999, 'Diamonds for 1, 2, or 3 Orchestras' abre aquí el disco con una realización grabada en 2001 en la que intervienen tres conjuntos instrumentales surgidos de una misma orquesta, la Janácek Philharmonic Orchestra, y los directores Christian Arming, Petr Kotik y Zsolt Nagy. Lucier describe lo que en ella ocurre con la simple frase: dibujando formas de diamante en el aire. Los tres conjuntos tocarán al mismo tiempo y cada uno de ellos se encargará de trazar una de estas figuras. Lo harán mediante la ejecución de una sucesión continuada de sonidos deslizantes en los instrumentos de cuerda a los que se agregarán, intermitentemente, notas largamente mantenidas de la sección de viento, así como el eventual tintineo, también repetitivo, de unas campanillas. En avance lento y ligeramente asincrónico las tres representaciones asomarán, dejando a su paso evocadores batimientos audibles ocasionados por la reiterada interferencia entre esos sonidos sostenidos y los otros deslizantes.

En 'Slices' (2007), para violonchelo solo (Charles Curtis) y una orquesta formada por instrumentistas de cuerda y viento (miembros de la San Diego Symphony Orchestra), un cluster cromático de cincuenta y tres notas emergerá feroz y mantenido ante el violonchelista. Este, conocedor de que cada una de las cincuenta y tres notas ha sido asignada a un instrumentista en función de su tesitura, responderá iniciando de inmediato la interpretación de una secuencia melódica surgida de esa masa sonora. Con cada nota que Curtis ejecute, el músico orquestal al que ese sonido corresponda silenciará su instrumento. De esta manera, una vez recorridas las cincuenta y tres notas del cluster original, este quedará completamente apagado. Tras un instante de silencio, el solista reanudará su melodía aunque siguiendo aquí una ordenación distinta a la empleada en la primera ocasión. El proceso recomenzará ahora en sentido inverso: con cada nota ejecutada en el violonchelo, el músico de la orquesta al que ese sonido corresponda lo tocará de nuevo con ánimo de ir sumando, y así hasta que se complete el entramado inicial de cincuenta y tres notas. Lucier dispone que esta actuación de alternancia entre el apagado y la reaparición graduales del cluster se repita siete veces en total.

Por último, con 'Exploration of the House' (2005) el autor nos remite a algunas de sus anteriores creaciones musicales, especialmente la célebre 'I am sitting in a room' (1970), en las que exploró la actividad resonante de diversos espacios acústicos. Lucier tomará como punto de partida la música de otra renombrada obra como es, en este caso, 'La Consagración de la Casa' de Beethoven. De la partitura escogerá diecisiete breves fragmentos e invitará al director de la orquesta que debe interpretar su composición a que elija de ellos también una selección. Una vez obtenida esta, se ejecutará el primer fragmento en el espacio en cuestión (el auditorio de la Casa de Cultura de la ciudad de Ostrava, República Checa) y se registrará; la grabación resultante será allí reproducida y, asimismo, se volverá a grabar; esta se reproducirá de nuevo y, nuevamente se registrará; así seguirá la sucesión hasta que se alcance un punto de saturación tal que las frecuencias de resonancia de la sala en la que todo ello tiene lugar modifiquen sustancialmente los sonidos orquestales originales. El proceso descrito se repetirá con los restantes seis fragmentos de la selección efectuada por el director. Esta realización de 'Exploration of the House' corrió a cargo de la Filarmónica Janácek, dirigida por Petr Kotik, y fue presentada en concierto el 23 de agosto de 2005 en el mencionado auditorio.

"Orchestra Works" CD: 1. 'Diamonds for 1, 2, or 3 Orchestras' (1999, para tres orquestas; Janácek Philharmonic Orchestra; Christian Arming, Petr Kotik y Zsolt Nagy, directores); 2. 'Slices' (2007, para violonchelo y orquesta; Charles Curtis - violonchelo solo, Demarre McGill - flauta, Andrea Overtuf - oboe, Anthony Burr - clarinete, Valentin Martchev - fagot, Benjamin Jaber - trompa, John Wilds - trompeta, Kyle Covington - trombón, Jonathan Piper - tuba, Jeff Thayer - violín, Jisun Yang - violín, Che-Yen Chen - viola, Yao Zhao - violonchelo y Jeremy Kurtz-Harris - bajo; 3. 'Exploration of the House' (2005; Janácek Philharmonic Orchestra; Petr Kotik, director). El libreto del CD incluye un texto escrito por el propio Charles Curtis y notas biográficas de Lucier, Curtis, los tres directores de orquesta y la Janácek Philharmonic Orchestra.

Formato: CD; Duración total: 76:04

Pierre-Yves Macé: "Miniatures - Song recycle"

Pierre-Yves Macé

Miniatures - Song recycle
(Brocoli 011)

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En la obra del compositor Pierre-Yves Macé (Francia, 1980) confluyen la escritura musical contemporánea, la creación electrónica y el arte sonoro, además de una cierta estética del rock. A pesar de su juventud, el autor cuenta ya con un amplio catálogo de composiciones y seis discos publicados. A él se deben, asimismo, múltiples músicas de escena, varias instalaciones y el libro "Musique et document sonore" (Les presses du réel, 2012), una investigación acerca de los usos del documento sonoro en la música desde los inicios de la fonografía. Ha gozado de residencias artísticas en los centros CalArts (Los Ángeles), CNMAT (Berkeley) y GRM (París), y ha colaborado, entre otros, con los músicos Morton Subotnick, ON (Sylvain Chauveau, Steven Hess), That Summer o Rainier Lericolais. En la actualidad, vive y trabaja en París.

"Miniatures - Song recycle" es su segundo registro aparecido en Brocoli, sello que además coproduce el álbum junto a La Muse en Circuit (Centre national de création musicale). Se trata de una interesante grabación en la que se conjugan dos de sus trabajos más recientes: por un lado, 'Miniatures' (2010-12), un conjunto de brevísimas realizaciones acusmáticas elaboradas con músicas y sonidos ambientales captados por el compositor en las localidades francesas de Pantin, París, Rennes, Saint-Malo y Chindrieux, así como en las ciudades de Nueva York y Seoul; y, por el otro, la obra para piano y cinta 'Song recycle', compuesta también entre 2010 y 2012. En esta, Macé se apropió de los sonidos de diversos vídeos procedentes de internet, particularmente del sitio web YouTube, con el propósito de adaptarlos a un original ciclo de pequeñas piezas vocales que él mismo acompañará al piano. Los vídeos, subidos por distintos usuarios, contenían interpretaciones amateurs y a capela de canciones y fragmentos de canciones fundamentalmente populares.

El encuentro propiamente entre ambos trabajos se obtendrá de la disposición de las veintisiete secciones que integran el disco. A lo largo de los cuarenta minutos de duración de este, van alternándose esas canciones y miniaturas en lo que resulta un balanceo musical de lo más sugestivo. Así pues, bajo la batuta organizadora del compositor, quien además exhibe un excelente tratamiento de los materiales sonoros, convivirán mesuradamente atmósferas y pasajes de agitación con otros de romanticismo y melancolía.

"Miniatures - Song recycle" CD: 1. - 27. 'Miniatures - Song recycle'.

Formato: CD; Duración total: 40:23

Joseph Byrd: "NYC 1960-1963"

Joseph Byrd

NYC 1960-1963
(NW80738-2)

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Como compositor siempre fui ecléctico. De hecho, eso fue un impedimento a la hora de encontrar mi propia voz en la vanguardia, ya que cambiaba de estilo en casi cada pieza. (Joseph Byrd en una declaración contenida en el libreto del CD "The United States of America", Sundazed SC-11124, 2003).

Basta con echar una ojeada a la trayectoria del veterano compositor estadounidense para constatar, asimismo, la variedad de actividades e iniciativas en las que se ha implicado. Entre ellas: formar parte, en la década de los sesenta, de las escenas de experimentación artística de Nueva York y Los Ángeles; fundar los grupos de rock psicodélico The United States of America y Joe Byrd and the Field Hippies; arreglar y producir la música de diversas grabaciones para el sello Capitol Records; escribir también música para cine, radio, televisión y agencias de publicidad, y para artistas como Linda Ronstadt, Phil Ochs, Miles Anderson o Ry Cooder; diseñar el sonido de juguetes producidos por la compañía Mattel Inc., así como algunos componentes para los fabricantes de sintetizadores analógicos Tom Oberheim y Donald Buchla.

Además de formarse en las Universidades de Arizona y Stanford, Byrd tuvo ocasión de estudiar también con los compositores John Cage y Morton Feldman, y de ejercer brevemente como secretario del también compositor y crítico musical Virgil Thomson. En la Universidad de California Los Ángeles (UCLA) formó, junto al trompetista Don Ellis, el New Music Workshop con el que presentaron numerosas performances y conciertos de música experimental. Y en 1966 organizó el primer festival de artes experimentales de la Costa Oeste.

Por primera vez han quedado reunidas en un álbum, "NYC 1960-1963" (New World Records, 2013), una buena parte de las composiciones tempranas de Byrd. Obras de juventud realizadas durante sus tres años de residencia en Nueva York, desde 1960 a 1963, y que son fruto tanto de las enseñanzas recibidas de Cage y Feldman como de la influencia que tuvieron en él las ideas artísticas de algunos colegas y colaboradores suyos integrantes del movimiento Fluxus. A este último respecto conviene señalar que en esa época Byrd mantuvo una buena amistad con los músicos La Monte Young y Charlotte Moorman y que incluso la célebre artista Yoko Ono cedería su loft neoyorquino para que aquel pudiera presentar en concierto algunos de los trabajos incluidos precisamente en este registro. Música experimental magníficamente interpretada aquí por instrumentistas de la American Contemporary Music Ensemble y el percusionista Alan Zimmerman.

El CD incluye composiciones para piano preparado, 'Three Aphorisms' y 'Animals', esta última con el acompañamiento animado de cuatro instrumentos de cuerda y dos de percusión; el dueto de violonchelo y piano 'Loops and Sequences'; 'Densities I' para viola solo y cuatro instrumentos sopranos; un trío de violín, viola y violonchelo en dos movimientos; cuatro breves poemas sonoros dedicados, cada uno, a una mujer en activo en la escena artística experimental de Nueva York (la compositora Lucia Dlugoszewski, la pianista Judy Winkler, la poetisa Diane Wakoski y la chelista Charlotte Moorman); la creación electroacústica 'Water Music', combinando cinta y sonidos de percusión (escrita originalmente para ser ejecutada por Max Neuhaus); y, por último, el gracioso preludio a su ópera de cámara 'The Mystery Cheese-Ball' consistente en desinflar manualmente un conjunto de globos de goma lo más lentamente posible.

El libreto que acompaña al disco contiene varias fotografías y el texto del profesor de música Eric Smigel: "The Singularity of Sound in a Plurality of Vision: The Early Works of Joseph Byrd".

"NYC 1960-1963" CD: 1. 'Animals' (1961); 2. 'Loops and Sequences' (1961); 3 - 5. 'Three Aphorisms' (1960); 6. 'Densities I' (1962); 7. 'Four Sound Poems' (1962); 8 - 9. 'String Trio' (1962); 10. 'Water Music' (1963); 11. 'Prelude to The Mystery Cheese-Ball' (1961).

Formato: CD; Duración total: 62:30