Brandon LaBelle: "Acoustic Territories: Sound Culture and Everyday Life"

Brandon LaBelle

Acoustic Territories: Sound Culture and Everyday Life

(ISBN: 978-1-5013-3619-5)

18,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

Dispongo de algunos ejemplares de la edición revisada de “Acoustic Territories: Sound Culture and Everyday Life”, obra del artista y autor estadounidense Brandon LaBelle (1966). Bloomsbury Academic la publicó el año pasado, casi una década después de la aparición del texto original.

Presentado en encuadernación rústica, el libro cuenta con 228 páginas en las que se incluyen un prefacio a la segunda edición, una introducción, seis capítulos (Underground; Home; Sidewalk; Street; Shopping Mall; Sky), un epílogo (Queer Listening, Acoustic Justice, and Acts of Compositioning), notas, bibliografía e índice. Contiene asimismo una treintena de ilustraciones en blanco y negro.

 

"Acoustic Territories traza las sendas sonoras de la metrópolis contemporánea a partir de una topografía auditiva que toma como base diversos espacios de la cotidianidad. En concreto, LaBelle se interesa por la relación entre estos espacios sonoros y las múltiples maneras en que el sonido ocupa el espacio y lo produce" (Iñigo Sánchez [INET-MD, Universidade Nova de Lisboa]).

Libro

Brandon LaBelle: "Background Noise: Perspectives on Sound Art"

Brandon LaBelle

Background Noise: Perspectives on Sound Art

(ISBN: 978-1-62892-352-0)

17,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

Dispongo de algunos ejemplares de la edición revisada de “Background Noise: Perspectives on Sound Art”, obra del artista y autor estadounidense Brandon LaBelle (1966). Bloomsbury Academic la publicó en 2015, y efectuó reimpresiones de la misma en 2015, 2016 y 2017.

 

Presentado en encuadernación rústica, el libro cuenta con 356 páginas en las que se incluyen un prefacio a la segunda edición, una introducción, 18 capítulos repartidos en seis secciones (4'33'': Sound and Points of Origin; Box with the Sound of Its Own Making: From Gags to Sculptural Form; I Am Sitting in a Room: Vocal Intensities; Public Supply: Buildings, Constructions, and Locational Listening; Soundmarks: Environments and Aural Geography; Global Strings: Interpersonal and Network Space), un apéndice (Peripheries–Subnature, Phantom Memory, and Dirty Listening), bibliografía e índice. Contiene asimismo una cuarentena de ilustraciones en blanco y negro.

 

"Leer Background Noise por primera vez me introdujo en el mundo del arte sonoro, su rica historia, su increíble variedad de obras, el panorama de los artistas que lo practican, y sus discursos. Me enseñó a pensar en el sonido con relación al espacio y no tanto con relación al tiempo. Hoy, siete años después, Background Noise sigue siendo una de mis principales referencias. Se trata de una lectura obligada para cualquier persona interesada en la cultura auditiva y el arte sonoro" (Marcel Cobussen, editor de The Journal of Sonic Studies y coeditor de The Routledge Sounding Art Companion).

Libro

Anthony Laguerre, Jérôme Noetinger: "DnT"

Anthony Laguerre, Jérome Noetinger

DnT

(REV009 / AGO122)

13,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

En las ediciones de la colección discográfica Rev. Lab. series, creada por el diseñador y artista holandés Bas Mantel en colaboración con el sello estadounidense Aagoo Records, la correlación entre la música contenida en el disco y la concepción gráfica de la envoltura del mismo constituye un rasgo primordial.

 

Aparecida el pasado mes de marzo, "DnT" es la novena referencia de la colección. Presenta la grabación que resultó de dos intensas jornadas de experimentación sonora, el 5 y 6 de julio de 2018, entre los músicos Anthony Laguerre (batería, voz, micrófonos de contacto y armónica) y Jérôme Noetinger (magnetófonos Revox B77 y electrónica). El Centro Cultural André Malraux, en la población francesa de Vandoeuvre-lès-Nancy, acogió ambas sesiones. Tanto Laguerre como Noetinger dedican las siete piezas que el registro incluye al músico Dominique Répécaud (1955-2016), quien fuera director del mentado centro, así como impulsor del festival Musique Action.

 

El diseño gráfico del poster que acompaña al CD y de la funda de este son obra de Bas Mantel. Ambos objetos vienen contenidos en un elegante sobre satinado de color negro.

 

"DnT" CD: 1. 'Vespertilion’ (8:56); 2. 'Éveil' (5:43); 3. 'Étage en panne' (2:00); 4. 'Frisson furtif' (10:47); 5. 'Lelendamain de la veille à l'Ouest' (9:13); 6. 'Masse le fer du son' (4:51); 7. 'Réveil' (2:19).

 

Aquí podrá ver la edición y escuchar cuatro piezas del disco.

CD+póster; Duración total CD: 43:50

Charles Ives y varios artistas: "Responses to Ives"

Charles Ives y varios artistas

Responses to Ives

(mode 211)

13,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

"Responses to Ives" es el recital pianístico que en 2003 concibió la intérprete Heather O'Donnell para homenajear la figura de Charles Ives (Danbury, 1874 – Nueva York, 1954) en el 50 aniversario de su fallecimiento. Diversas obras pertenecientes al repertorio del genial compositor estadounidense alternadas con otras escritas para la ocasión por Walter Zimmermann, Sidney Corbett, James Tenney, Michael Finnissy, Oliver Schneller, George Flynn y Frederic Rzewski, fueron presentadas por la propia O'Donnell en concierto el 21 de marzo de 2004 en el marco del festival berlinés MaerzMusik.

El CD de Mode Records que presentamos, editado en 2009, consiste en un posterior registro en estudio de "Responses to Ives". Las sesiones de grabación tuvieron lugar en Colonia, en la Deutschlandfunk Kammermusiksaal, en abril de 2007 y enero de 2008, y O'Donnell fue nuevamente la pianista de todas ellas. Lamentablemente, el disco no incluye (entendemos que por limitación de espacio) las piezas que George Flynn y Frederic Rzewski compusieron para el proyecto. En cuanto a las notas contenidas en el libreto trilingüe (en inglés, alemán y francés) que acompaña al disco, fueron escritas asimismo por O'Donnell.

 

"Responses to Ives" CD: 1. Charles Ives 'Study No. 21: Some Southpaw Pitching!' (2:15); 2. Walter Zimmermann 'the missing nail at the river' [para piano y piano de juguete] (5:50); 3. – 7. Charles Ives 'Set of Five Take-Offs' (11:55); 8. Sidney Corbett 'The Celestial Potato Fields' (10:07); 9. Charles Ives 'Moderato' [Four Transcriptions from "Emerson"] (3:47); 10. James Tenney 'Essay' [after a sonata] [para el interior del piano] (11:30); 11. Charles Ives 'Largo' [Four Transcriptions from "Emerson"] (2:35); 12. Charles Ives 'Study No. 9: The Anti-Abolitionist Riots in the 1830's and 1840's' (3:22); 13. Michael Finnissy 'Song of Myself' (11:07); 14. Charles Ives 'London Bridge Is Fallen Down!’ (1:03); 15. Oliver Schneller 'And tomorrow...' [para piano y electrónica] (5:41).

 

Aquí puede escuchar 'And tomorrow...'.

CD; Duración total: 69:34

Norie Neumark, Ross Gibson, Theo van Leeuwen (Eds.): "Voice: Vocal Aesthetics in Digital Arts and Media"

Norie Neumark, Ross Gibson, Theo van Leeuwen (Eds.)

Voice: Vocal Aesthetics in Digital Arts and Media

(ISBN: 978-0-262-01390-1)

27,90 EUR más gastos de envío - Pídelo

Dentro de su célebre serie de libros Leonardo, The MIT Press publicó hace diez años, justo en agosto de 2010, esta colección de ensayos a propósito de las técnicas y tecnologías de la voz en la era digital.

Además de Norie Neumark, Ross Gibson y Theo van Leeuwen, colegas de la docencia universitaria en Australia que figuran como editores de "Voice: Vocal Aesthetics in Digital Art and Media", el libro cuenta con el análisis interdisciplinar de un nutrido grupo de escritores, teóricos y artistas, formado por Mark Amerika, Isabelle Arvers, Giselle Beiguelman, Philip Brophy, Brandon LaBelle, Thomas Y. Levin, Helen Macallan, Virginia Madsen, Meredith Morse, Andrew Plain, John Potts, Nermin Saybasili, Theresa M. Senft, Amanda Stewart, Axel Stockburger, Michael Taussig, Martin Thomas y Mark Ward.

 

Los 19 ensayos que la obra contiene quedan repartidos entre estas cuatro secciones: I. Capturing VOICE; II. Performing VOICE; III. Reanimating VOICE; IV. At the Human Limits of VOICE.

 

Presentado en edición de tapa dura, el libro cuenta con 406 páginas y una veintena de ilustraciones.

Libro

Carl Stone: "Baroo"

Carl Stone

Baroo

(UW26CD)

14,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

Aparecidos en Unseen Worlds (Nueva York) en marzo y septiembre de 2019 respectivamente, los álbumes "Baroo" e "Himalaya" siguen a las aclamadas referencias compilatorias "Electronic Music from the Seventies and Eighties" (2016) y "Electronic Music from the Eighties and Nineties" (2018), editadas asimismo por el sello estadounidense. Dos atractivas adiciones a la discografía de Carl Stone (Los Ángeles, California, 1953), compositor pionero en el empleo del ordenador como principal herramienta e instrumento de su música electrónica en vivo, a quien el legendario periódico neoyorquino The Village Voice no dudó en calificar como «the king of sampling».

Con su práctica artística, basada en la deconstrucción y recontextualización tanto de material musical ajeno como de grabaciones ambientales que él mismo efectúa, Stone insiste en su empeño de «articular musicalmente esa área intangible entre lo reconocible y lo indescifrable».

 

A excepción de 'Xe May', realizada en un sampler Elektron Octatrack, las demás piezas incluidas en "Baroo" fueron concebidas para ser interpretadas en vivo haciendo uso de un ordenador portátil y varios programas creados por el mismo compositor en el entorno Max/MSP (Cycling '74). 'Okajouki' y 'Xe May' fueron compuestas en 2011; las tres creaciones restantes –'Baroo', 'Sun Nong Dan' y 'Panchita'– son de 2018.

 

1. 'Okajouki' (4:16); 2. 'Baroo' (6:58); 3. 'Xe May' (10:28); 4. 'Sun Nong Dan' (11:10); 5. 'Panchita' (5:46).

 

Aquí puede escuchar 'Baroo'.

 

Aquí puede escuchar 'Panchita'.

CD; Duración total: 38:43

Carl Stone: "Himalaya"

Carl Stone

Himalaya

(UW28CD)

14,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

Aparecidos en Unseen Worlds (Nueva York) en marzo y septiembre de 2019 respectivamente, los álbumes "Baroo" e "Himalaya" siguen a las aclamadas referencias compilatorias "Electronic Music from the Seventies and Eighties" (2016) y "Electronic Music from the Eighties and Nineties" (2018), editadas asimismo por el sello estadounidense. Dos atractivas adiciones a la discografía de Carl Stone (Los Ángeles, California, 1953), compositor pionero en el empleo del ordenador como principal herramienta e instrumento de su música electrónica en vivo, a quien el legendario periódico neoyorquino The Village Voice no dudó en calificar como «the king of sampling».

 Con su práctica artística, basada en la deconstrucción y recontextualización tanto de material musical ajeno como de grabaciones ambientales que él mismo efectúa, Stone insiste en su empeño de «articular musicalmente esa área intangible entre lo reconocible y lo indescifrable».

 

Las seis piezas incluidas en "Himalaya" fueron compuestas entre 2013 y 2019. En tres de ellas –'Han Yan', 'Bia Bia' y 'Jame Jam'–, Stone se sirve de un programa creado en el entorno Max/MSP (Cycling '74) cuya principal función consiste en desmenuzar el material sonoro escogido para reorganizarlo y presentarlo en una nueva configuración. Por su parte, 'Kinkabou' fue realizada directamente en un sampler Elektron Octatrack. El álbum contiene también la sección final de la suite electroacústica 'Fujiken', una suerte de diario de viaje del compositor por distintas poblaciones del sudeste asiático. Por último, 'Himalaya', obra que da título al disco, constituye el primer registro de una colaboración en curso con la vocalista y música japonesa Akaihirume.

 

1. 'Han Yan' (3:36); 2. 'Bia Bia' (8:08); 3. 'Jame Jam' (5:45); 4. 'Kikanbou' (17:15); 5. 'Fujiken' [sección final] (20:58); 6. 'Himalaya' [con Akaihirume] (13:04).

 

Aquí puede escuchar 'Jame Jam'.

 

Aquí puede escuchar la sección final de 'Fujiken'.

CD; Duración total: 68:47

Giuliano d'Angiolini: "Antifona"

Giuliano d'Angiolini

Antifona

(at157)

13,50 EUR más gastos de envío - Agotado

"Cantinela" fue su segundo registro monográfico. Another Timbre lo publicó a finales de 2016 y según manifestó Simon Reynell, dueño del sello inglés, el disco tuvo muy buena acogida. Tres años y medio después, durante el pasado mes de mayo, Another Timbre repitió ofreciéndonos una nueva referencia discográfica consagrada a la música del compositor Giuliano d'Angiolini (Roma, 1960).

 

Con "Antifona", así se titula el nuevo álbum y una de las obras instrumentales incluidas en él, d'Angiolini afianza su madurez estilística. Incide una vez más en la indeterminación como principal recurso compositivo de las cuatro partituras recientes que presenta. De todas ellas procura obtener una música eminentemente discreta, sin propensión a imponerse. Una música que carezca de discurso y sea a la vez rigurosa y transparente.

 

'Ad ora incerta', para pequeña orquesta, es la única propuesta del álbum grabada en vivo. Fue compuesta por encargo de AngelicA - Festival Internazionale di Musica, y estrenada en el marco de su vigesimoctava edición, el 24 de mayo de 2018. La interpretó la Orchestra del Teatro Comunale di Bologna, dirigida por Tonino Battista.

 

'Aria1', pieza para piano solo que d'Angiolini escribió en 2016, llega aquí ejecutada por él mismo. Fue grabada el 11 de febrero de 2017 en La Beaudelie, en la población francesa de Voutezac.

 

El flautista italiano Manuel Zurria y el pianista inglés Mark Knoop figuran como intérpretes de 'Antifona' (2018), obra cuya grabación tuvo lugar en Londres en febrero de 2019.

 

Por último, el registro que el disco nos ofrece de 'Litania', escrita en 2017 para seis instrumentos (flauta, trompeta, violín, violonchelo, piano y marimba), fue efectuado en la Universidad de Huddersfield en enero de este año. La ejecución de la pieza corrió a cargo del grupo inglés Apartment House.

 

"Antifona" CD: 1. ’Ad ora incerta’ (2018) 10:14; 2. ’Aria1’ (2016) 10:11; 3. 'Antifona' (2018) 11:31; 4. ’Litania’ (2017) 15:04.

 

Aquí puede escuchar ‘Ad ora incerta’.

CD; Duración total: 47:12

Maryanne Amacher: "Petra"

Maryanne Amacher

Petra

(BF-005)

15,50 EUR más gastos de envío - Agotado

A principios de este año, la Biblioteca Pública de Nueva York adquirió el archivo de la compositora y artista de instalaciones sonoras Maryanne Amacher (1938, 1943? - 2009). Un legado documental amplísimo donde encontraríamos, con toda probabilidad, la serie de notas manuscritas que elaboró la inefable creadora estadounidense como partitura de "Petra", una pieza para dos pianos compuesta originalmente en 1991 por encargo del festival ICSM World Music Days in Boswil. En su realización, Amacher halló inspiración en el breve relato de ciencia ficción de mismo título, escrito por Greg Bear en 1982, así como en las características del espacio donde tuvo lugar la presentación mundial de la obra, una iglesia de la pequeña localidad suiza de Boswil. Fueron intérpretes en ese estreno la propia compositora y la pianista Marianne Schroeder.

 

Precisamente sería Marianne Schroeder quien repetiría 26 años después, el 24 de mayo de 2017, en esta ocasión junto a Ivan Tcherepnin, en una nueva ejecución de "Petra" efectuada en la Iglesia Episcopal de San Pedro, en Nueva York. El registro en vivo de esa ejecución fue objeto de la presente referencia discográfica lanzada en abril del año pasado por Blank Forms Editions tanto en vinilo como en CD (solo dispongo de unas pocas unidades a la venta en este soporte).

 

Después de "Sound Characters (Making The Third Ear)" y "Sound Characters 2 (Making Sonic Spaces)", discos ambos consagrados exclusivamente a creaciones electrónicas de la compositora, publicados por el sello Tzadik en 1999 y 2008 respectivamente, "Petra" constituye el tercer registro monográfico de Maryanne Amacher y el primero dedicado a una de sus composiciones instrumentales.

"Petra" CD: 1. 'Petra' (1991) 38:39.

 

Aquí puede escuchar un fragmento de la grabación.

CD; Duración total: 38:39

Ulrich Krieger y varios artistas: "Wall of Sound"

Ulrich Krieger y varios artistas

Wall of Sound

(SR478)

21,00 EUR más gastos de envío - Pídelo

Los muros de sonido que nos presenta el saxofonista y compositor alemán Ulrich Krieger (1962) resultan inequívocos. Su eficacia estriba en el invariable planteamiento que todos ellos comparten al ser levantados. Sin artificio ninguno, llegarán directos al oyente como continuos resonantes a los que abandonarse irremediablemente.

 

Reunidos en este triple CD, publicado por Sub Rosa el pasado mes de abril, encontramos 14 de estos muros. Los incluidos en el primer disco –Drones– fueron compuestos a partir de simples notas o acordes mantenidos prolongadamente; los del segundo –Patterns– se basaron en concisos motivos melódicos que se repiten una y otra vez; y los del tercero –Noises– se sirvieron de diversas texturas hechas con sonidos inarticulados.

 

A excepción de la pieza del músico polaco Zbigniew Karkowski (1958-2013) y las de los alemanes Boris Hegenbart (1969) y Ulrich Krieger (1962), figuran como autores de los demás muros que nos brinda este extenso álbum compositores exclusivamente norteamericanos: James Tenney (1934-2006), John Cage (1912-1992), Alvin Lucier (1931), Phill Niblock (1933), Philip Glass (1937), Steve Reich (1936), Terry Riley (1935), Lee Ranaldo (1956), John Duncan (1953).

 

Como único intérprete de todas las obras incluidas en "Wall of Sound", Ulrich Krieger utilizó, además de los saxofones soprano, alto, tenor y barítono, un saxofón tenor eléctrico, un clarinete, varios didgeridoos, una mesa amplificada, 8 micrófonos, múltiples pedales y dispositivos electrónicos.

 

11 de las 14 obras fueron grabadas en varios estudios de Berlín entre 1993 y 2007. La grabación de 'Didjeridoos and Don'ts' tuvo lugar en la sede de Experimental Intermedia Foundation (Nueva York), en 1993. Y las de 'In Memoriam Jon Higgins' y 'Give me some feedback' fueron efectuadas en 2015 en el estudio π-farm de la pequeña localidad californiana de Acton.

 

Un libreto de 16 páginas con notas en inglés viene incluido junto a los 3 discos.

 

CD 1: Drones 1. James Tenney 'Saxony' (1978) 25:10; 2. John Cage 'Four5' (1991) 12:09; 3. Alvin Lucier 'In Memoriam Jon Higgins' (1989) 20:02; 4. Phill Niblock 'Didjeridoos and Don'ts' (1992) 14:10.

 

CD 2: Patterns 1. Philip Glass 'Music in Fifths' (1968) 11:24; 2. Steve Reich 'Pendulum Music' (1969) 7:29; 3. Terry Riley 'Dorian Reed' (1964) 32:05; 4. Philip Glass '1+1' (1968) 4:38; 5. Steve Reich 'Reed Phase' (1967) 14:29.

 

CD 3: Noises 1. Lee Ranaldo 'Elegy for WTC' (2001) 10:06; 2. Boris Hegenbart 'u-getriebe' (1998) 9:15; 3. Zbigniew Karkowski 'Execution of Intelligence' (2003) 12:27; 4. Ulrich Krieger 'Give me some feedback' (1991/2015) 12:29; 5. John Duncan ‘Channel Zone’ (2001) 25:32.

3CD; Duración total: 211:00

Frank Denyer: "The Fish that became the Sun"

Frank Denyer

The Fish that became the Sun

(at149)

13,50 EUR más gastos de envío - Pídelo

A pesar de haberla completado en 1996, Frank Denyer (Londres, 1943) no vería presentada su singular creación musical “The Fish that became the Sun (Songs of the Dispossessed)" hasta el pasado 23 de noviembre de 2019, día en el que se produjo su estreno mundial en el marco del Festival de Música Contemporánea de Huddersfield. Ocasión que sirvió además para el lanzamiento del álbum de Another Timbre que ofrecemos aquí. Contiene la grabación en estudio de "The Fish that became the Sun" efectuada en 2018 a lo largo de varias sesiones: en abril en The Menuhin Hall (Cobham, Surrey) y en septiembre en The Cabin Studio (Walthamstow, Londres).

 

Entre los alicientes de esta atractiva y ceremonial partitura que el compositor inglés comenzó a escribir en 1991, destaca el de su instrumentación. Unos 40 músicos, entre instrumentistas y cantantes, se encargan de la ejecución de 87 instrumentos. Convencionales, algunos de ellos (violín, armonio, contrabajos, etc.); otros, poco habituales (mirlitones, cromornos, tubos de órgano modificados, etc.); y muchos, hechos expresamente con materiales u objetos desechables (botellas de plástico de agua mineral, un cesto metálico de una bicicleta, adoquines, etc.). Aquí, en este reciente registro que nos ocupa, figuran como intérpretes: Octandre Ensemble, dirigida por Jon Hargreaves; Benjamin Marquise Gilmore, violín; New London Chamber Choir, dirigido por Matthew Hamilton; Consortium 5; PERC'M Percussion Ensemble, dirigida por George Barton; Royal College of Music; Pearl y Albert Snow, voces infantiles.

 

Una calculada disposición espacial de todas estas fuentes sonoras, así como el empleo de distintos sistemas de afinación, constituyen otros aspectos asimismo destacables de “The Fish that became the Sun". El propio Denyer informa de ellos con detalle en las notas incluidas en el libreto que acompaña al CD. Libreto que además cuenta con un ensayo a cargo de Michael Turnbull.

 

“The Fish that became the Sun”: 1. – 14. ‘The Fish that became the Sun (Songs of the Dispossessed)' (1991-1996) 56:40.

 

Aquí puede escuchar un fragmento de 'The Fish that became the Sun'.

CD; Duración total: 56:40